Página#12 Libre

Hay una nueva corriente de jóvenes realizadores en Rosario, una generación de actores y actrices que debutan a su vez como directores y autores y forman grupos nuevos que recuperan sorprendentemente la escritura teatral tantas veces bastardeada y otras tantas pobremente adaptada a una escena carente de sorpresas. El grupo Pasillo Teatro, integrante de ese contingente renovador, se presenta todos los viernes a las 20.30 en el Cultural de Abajo (San Lorenzo y Entre Ríos) con una versión propia de "Fraternidad", consagrada obra del marplatense Mariano Moro, un prolífico y destacado dramaturgo de los últimos años ("Quien lo probó lo sabe", "De hombre a hombre" ,"La Suplente", etc.)

La joven actriz Carla Saccani ("De nuevo la furia", "Martha Stutz") se lanza en este su primer trabajo de dirección, al abordaje de un texto complejo y plagado de guiños que resuelve a partir de el desafío siempre tentador de travestir a los actores para dar cuenta del universo femenino, un recurso que hace años perturbaba a la platea y que con el tiempo terminó por incorporarse a los nuevos códigos de expectación.

Pero en "Fraternidad", el recurso de presentar los cuerpos de Marta y Lucía, dos hermanas "al borde de un ataque de nervios", envueltas en la piel de los actores Cristian Mengoni y Carlos Chiappero, se constituye en una estrategia para resignificar el texto de Moro.

Estas dos hermanas pertenecientes a una típica familia de clase media alta, que parecieran encontrarse para enrostrarse todo un pasado de fabulaciones, en las que Marta fue siempre el ejemplo imperfecto en el que Lucía intentaba espejarse sin lograrlo, podrían haber sido representadas por algunas de las dúctiles actrices que abundan en esta ciudad.

Si recalamos en una de las tantas lecturas que genera la puesta de Saccani, podemos encontrar en las escenas de violencia verbal y los despliegues de desprecio que Marta lanza sobre su atribulada hermana, en esos momentos en que el rencor y el odio contenido parecieran estar a punto de estallar, aquel fatídico universo de las hermanas Jane que tan bien retratara Robert Aldrich en el film "¿Quién le teme a Baby Jane?".

Un tema llevado al teatro en "Baby Jane", otra obra que prestigia el teatro rosarino y que actualmente sigue en cartel en Espacio Bravo a cargo del grupo Hijos de Roche con dirección de Romina Mazzadi Arro.

No es casual que Saccani haya participado en la obra "Martha Stutz" que también dirige Mazzadi Arro, hay algo de esta poética teatral que se comparte y se percibe en la puesta en escena del dispositivo escénico y actoral de "Fraternidad".

Pero lo perturbador de la interpretación que estos actores hacen de estas dos hermanas, es justamente el lado siniestro que se esconde detrás del ropaje de estas mujeres que amenazan desencadenar un melodrama de telenovela, detrás está la piel desgarrada de una historia que compromete el quiebre de la fraternidad social.

Detrás aparece el pasado montonero y la sangre que finalmente fue negociada, las conspiraciones del poder, los intereses de clase, las discriminaciones a los "negros" y "provincianos", las marcas de una aristocracia decadente que celebra con champagne, siempre al borde de un fingido suicido personal como el que Marta amaga para atraer a Lucía y que será el desencadenante de una confesión inesperada.

Aquí están en esos cuerpos travestidos de estas hermanas patéticas, la maqueta de la historia argentina, plagada de cuerpos que devoraron a otros cuerpos, mientras otros cuerpos contemplaban indolentes o miraban para otro lado, favoreciendo la gran antropofagia nacional.

La directora contó con un invalorable equipo de colaboradores que acertaron a decodificar estos signos a partir del vestuario diseñado y creado por Renata Minoldo ,un dispositivo que debía entallar los cuerpos de los actores ,permitiendo el doble juego donde asomaran vestigios de lo femenino en pugna con lo varonil,de la misma manera en que el trabajo de maquillaje a cargo del talentoso Ramiro Sorrequieta, permitía destacar rasgos y atenuar otros.

Por su parte Cristian Grinolio responsable de la escenografía y los objetos escénicos, generó la atmósfera de un set de televisión para destacar la frivolidad y la exposición de lo íntimo en un espacio público ,signo de los tiempos que corren,sembrando pequeños indicios de los personajes en los libros y videos esparcidos debajo de la pequeña mesa del living.

La música de Esteban Sesso se acopló en distintos registros a estos climas que se inician con la banda de sonido de los acostumbrados y ruidosos anuncios de ciertos programas de televisión ,a cargo de la meliflua voz en off de la locutora de turno.

Todo sostenido por el despliegue de Cristian Mengoni y Carlos Chiappero: dos actores que aceptaron el desafío de la dirección, sosteniendo un trabajo que se aleja de ciertos estereotipos para bucear en la profundidad de dos personajes que impactan en el espectador y lo invitan a reflexionar en busca de la fraternidad perdida.

El sábado pasado el director Aldo Pricco estrenó su versión de "Una tragedia argentina", exitosa obra del reconocido dramaturgo porteño

Daniel Dalmaroni que se presentará todos los sábados de abril y mayo a las 22 en el CET (San Juan 842). Luego se trasladará a los viernes de junio y julio a las 21 al Cultural de Abajo (Entre Ríos 599). El elenco integrado por Ofelia Castillo, Mariano Raimondi, Juan Manuel Raimondi, Ana Laura Carrafiello, Dannae Abdalla de Sá y Bernardo Vitta; fue el que convocó al director para llevar adelante la puesta en escena de una obra que se ha constituido en los últimos años en la favorita de muchos grupos de todo el país que la han adaptado a diferentes enfoques y que ha concitado una respuesta favorable por parte del público y de la crítica especializada. Completan el equipo técnico de esta producción que cuenta con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro: Paola Fernández, responsable del vestuario, Mariano Braun creador de la música y Lucrecia Moras que tuvo a su cargo la asistencia de dirección.

Pricco, de una extensa trayectoria en esta ciudad tanto como docente, director e investigador teatral; registra entre sus últimos logros las recordadas puestas de "El soldado fanfarrón" de Plauto y "Troyanas" de Eurípides (2007), al frente de un proyecto de Teatro de la Universidad que impulsó en el marco de la Universidad Nacional de Rosario y que se presentó con éxito en diferentes ciudades del país.

-El tema de la familia sigue ocupando la escena central del teatro argentino y también está presente en tu búsqueda- le preguntó Rosario/12 a Pricco.

-Parece que la temática de las familias me persigue, o que de manera inconsciente uno la ronda y acaba insistiendo. Ya desde "Telarañas" de Eduardo Pavlovsky (La Compañía, 1989 1992) y "De los distintos modos de..." (La Caterva, 2000 2003), el entorno de lo siniestro dentro de la estructura de relaciones familiares parecía ser un terreno fértil para indagar acerca de las pasiones, el amor y las metáforas posibles sobre el poder y la historia política argentina, apelando al humor y el grotesco como herramientas.

Esta versión está considerada por sus responsables como un "melodrama de humor negro" en el que se plantea la historia de un grupo familiar unido por profundos y extraños secretos a punto de ser revelados. Como en toda tragedia que se precie de tal, algunos transgrederán ciertas normas y quedarán expuestos al castigo del cruel destino.

"En principio, el formato de la obra conducía a una de las típicas piezas sobre familias disfuncionales que se pusieron de moda en los últimos años. Sin embargo, y a pesar de la situación familiar de la obra y del clásico descubrimiento de secretos entre los integrantes del grupo, se trata de algo diferente, los vínculos de sangre ofician de fundamento para desplegar sobre el cuerpo de la convivencia las hipocresías más comunes sobre el respeto y la tolerancia por las diferencias", agrega Pricco.

El director que fue responsable también de una original y recordada versión de "Fuera de cuadro" de Javier Daulte, es invitado en esta oportunidad por un grupo de actores a los que les había interesado el texto de Dalmaroni y le proponen hacerse cargo de la dirección.

"Un grupo concertado de talentosos actores me invitó a dirigir 'Una tragedia argentina', pieza que los había entusiasmado ya desde su lectura por su atrayente temática y el inteligente guión, temáticas como la sexualidad, las creencias de todo tipo, las 'normalidades' consideradas sagradas, entran en crisis ante un episodio trivial que habrá de desencadenar una tragedia", agrega Pricco.

-A lo largo de distintas representaciones, el texto de Dalmaroni ha generado diversas interpretaciones por parte del público.

-Las lecturas posibles podrían presentar una amplia gama de sentidos, desde la más arraigada en el acontecimiento doméstico desgraciado hasta la homologación a situaciones históricas argentinas, pasando por la excusa de una plataforma dramática que oficia de muestrario de típicas hipocresías nacionales enfatiza el director.

En este sentido Pricco es uno de los realizadores que mayor énfasis pone en la riqueza de los textos dramáticos y a la hora de0 conceptualizar sobre el abordaje de su compromiso estético con esta propuesta se aparta de cualquier intencionalidad que modele la respuesta del público.

"Nuestro trabajo no baja línea al respecto sino que propone, mediante la búsqueda del efecto del grotesco, una experiencia directa con un entretenimiento de humor negro que, por lo vivido durante el estreno, pasa sin intermediaciones de la risa a la conmoción y viceversa".

En esta nueva incursión en la dirección teatral, Pricco vuelve a confiar en el trabajo de sus actores y recupera un estilo que ha utilizado anteriormente y que maneja con sobrada solvencia. "El estilo de actuación recurre a reminiscencias de un expresionismo que remite al melodrama", destacó el director.

Esta noche, a las 22, en el teatro municipal La Comedia de Mitre y cortada Ricardone volverá a subir a escena ¡Oh imperfecta!, impactante espectáculo de danza creado y dirigido por Paula Manaker; que además comparte la escena junto a Ana Varela y Yerutí García Arocena. La entrada a la función es libre y gratuita.

Estrenada en junio del año pasado en el Teatro Príncipe de Asturias del Centro Cultural Parque de España, y después de haber realizado diferentes funciones fuera de la ciudad, la obra de Manaker fue seleccionada para representar a la danza local en el prestigioso "Argentino de Danza" que se realizará en mayo en la ciudad de Santa Fe. Además, en julio viajará al Festival "Rojasdanza 2011", que organiza el Centro Cultural Ricardo Rojas de Buenos Aires. Por si esto fuera poco, la destacada propuesta hará temporada en octubre en el porteño y también prestigioso Centro Cultural de la Cooperación.

Siete eslabones de una impactante cadena de significantes, tratando de asir el misterioso universo de los cuerpos atrapados en el laberinto de las soledades y los destierros. Siete manchas en movimiento, urdiendo el dilema de la perfección y la belleza sobre el friso de un escenario donde se cruzan y dialogan la danza, el dibujo, la fotografía, el video y la música en vivo. En la expresión "¡Oh, imperfecta!", extractada del cuento "Kali decapitada" de Margarite Yourcenar, se encuentra quizás una de las claves para aproximarse a esta nueva búsqueda que la bailarina y coreógrafa Paula Manaker ya había insinuado en Cuco, ese perturbador espectáculo estrenado hace dos años y en el que ya adelantaba parte de su fascinación con el tema de la belleza y lo monstruoso.

"¡Oh, imperfecta, en quien la perfección toma conciencia de sí misma!", dice el Sabio a Kali, la diosa decapitada cuya cabeza fue a parar en el cuerpo de una prostituta: "Sufro y no obstante gozo; me da horror vivir y miedo morir". En "Condenadas", una mujer presa de una invisible camisa de fuerza se retuerce y pugna por salir de su prisión interior. El rumor de su alma amordazada pareciera asomar por debajo de las costuras a punto de estallar, entrelazándose con una partitura donde su voz adopta la gravedad que emana de un violoncello.

Manaker abre el comienzo de esta sugestiva propuesta con la solvencia y la responsabilidad de quien no sólo baila su propia creación sino con la convicción de la creadora que ha elegido dirigir y llevar a escena una profunda reflexión humana y estética. Cuerpos de mujeres condenadas a vivir en un cuerpo que no desean, cuerpos que se espejan en las imperceptibles paredes de un acuario. Algunas son sobrevivientes de un paisaje que explota a sus espaldas, otras viven gracias a la exasperada continuidad de sus movimientos y se consumen en un espacio que arderá hasta devolverlas al fuego que no cesa.

Todas en algún momento vagarán como hadas y seres del aire en un bosque encantado como el que soñó el mismo Bosco y se perderán en una noche de cine, tras una carretera vacía tan fantástica como los demás paisajes.

Cuerpos que se tomarán un respiro a la hora de la siesta y se lanzarán a habitar un espectral patio en el que el escritor Horacio Quiroga soñó con los cuatro hijos idiotas de su cuento "La gallina degollada".

Un equipo de sólidos profesionales completan este entramado de lenguajes donde se lucen la violonchelista Florencia Martinucci --quien interpreta parte de la música original compuesta por Alejandra Manzur--, Aurèlian Potier que musicalizó la escena "El bosque", Cristian Ayala (responsable del vestuario), Patricio Carroggio en realización de video y Ange Potier creador de las ilustraciones y animaciones.

La directora Paula Manaker alcanza con este trabajo uno de sus aportes más sólidos a la concreción del difícil cruce de lenguajes entre la danza y los registros audiovisuales, aportando una poética propia que enriquece el desarrollo de la danza local.

La Delegación Rosario de la Asociación Argentina de Actores organiza dos importantes ciclos teatrales inaugurando el mes de abril, mientras sigue sosteniendo el popular encuentro de los domingos en el Parque de España. Christian Alvarez, delegado gremial de la entidad comentó a Rosario/12 las características de estos Ciclos que refuerzan la difusión de producciones que ya han sido estrenadas. "El jueves 7 de abril comienza este ciclo de teatro en el Centro Cultural La Toma (Tucumán 1349) con el objetivo de presentar al público de la ciudad una programación variada que incluye todos los jueves un espectáculo diferente, con la modalidad a la gorra, por la cual todos tendrán acceso a producciones rosarinas que no hayan podido ver antes", dijo Alvarez.

Para la organización de los "jueves a la gorra", Actores contó con el auspicio de la Dirección de Programación de la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Rosario ,en un intento claro por "apuntalar los circuitos de circulación de las obras ya estrenadas".

"El ciclo de los jueves a la gorra, viene a cubrir el espacio de los días viernes del año pasado en el que durante 3 meses rotaron 12 obras de teatro y se hicieron 3 varietés de Títeres para adultos organizadas por Titiriteros Rosarinos", afirma el responsable de Actores.

El próximo jueves a las 21, el Ciclo arranca con Gigi Glamour en "Eso dice mi tirapautas, terapeuta", del Grupo Los Nadies con la actuación de Gisela Bernardini. Para el 14 está programada la obra "Coronada de gloria", con la actuación de Marcos Peralta y la dirección de Susana Petrelli, mientras que el 21, el director Eduardo Ceballos pondrá en escena "Una renga sin amparo" de Irupé Vitali y el último jueves de abril, la actriz y directora Mónica Toquero se presenta con su unipersonal "Toda Violeta Parra" bajo la dirección de Haydee Beltrandi.

Otro de los ciclos que se realizará también en el Centro Cultural "La Toma" durante los sábados y domingos es, según los organizadores, una movida en apoyo a éste espacio que es un ejemplo en la ciudad de pluralismo, solidaridad y lucha y consta de una programación mensual donde 4 obras tendrán la posibilidad de realizar 2 funciones cada una, en una experiencia de producción colectiva.

"Este Ciclo se llama precisamente 10 Años de La Toma y tiene como principal objetivo sostener cuatro propuestas diferentes por mes con una entrada popular y está pensado como una especie de homenaje al cumplirse 10 años desde la toma del local del ex Tigre por parte de sus trabajadores a fin de conservar sus fuentes de trabajo", aclaró Alvarez.

La Delegación Rosario de la Asociación Argentina de Actores funciona desde hace 3 años en el local de La Toma y comparte este importante espacio junto a diferentes organizaciones sociales y gremiales que vienen trabajando en la consolidación de este espacio solidario, democrático y plural.

"Desde un principio diferentes grupos y actores hemos apoyado esta lucha de los trabajadores, centralizada en el ya emblemático local de calle Tucumán 1349, donde funciona nuestra entidad. Por eso la programación del ciclo estará compuesta de producciones rosarinas que intentan llevar adelante el objetivo de desarrollar una acción sostenida a favor de una cultura que nos represente, favoreciendo al mismo tiempo el desarrollo de la actividad teatral local", reiteró el responsable de Actores en Rosario.

El ciclo comienza el próximo viernes a las 21.30, con la obra "No me sigan (El Primer Curso Argentino Para Aprender a Fracasar)" de Quique de María, con las actuaciones del autor y Christian Alvarez y la asistencia de Gisela Bernardini y trata de un repaso que hace un trabajador argentino sobre las diferentes etapas de su vida.

Los Sábados 9 y 16 subirá a escena "Pianta, dos por cuatro", escrita y dirigida por Christian Alvarez, los viernes 22 y 29, un clásico de Carlos Gorostiza: "El acompañamiento", dirigido por Lucho Schiappa Pietra y los sábados 23 y 30: "De qué hablamos, hay que tomar medidas", escrita e interpretada por Alberto Dorado de el Grupo La Partusa.

"Con respecto al ciclo del Parque de España, hay que destacar que se viene sosteniendo desde el año pasado todos los domingos excepto los meses de julio, agosto y diciembre, y ya han pasado 20 obras destinadas a toda la familia, los días sábados han pasado 12 obras para adultos en los meses de febrero y marzo del 2010 y del 2011, con una muy buena afluencia de público que gusta de ver teatro al aire libre", comenta Alvarez.

La programación de el Ciclo de Teatro a la gorra en las escalinatas del Parque de España se reinicia hoy a las 18, con la propuesta "Purolucro rompetodo" de la Compañía 3 x 3, y se extiende durante todo abril, en el que se presentarán las obras "Mr.Atlas Mega show" con las actuaciones de Mauro Fernández y Julian Jaime, "El show de Dinka y Pinka" y "Melodramas payasos" a cargo del Circo de las 5 estrellas.

Esta noche a las 21 en la Sala Lavardén (Mendoza y Sarmiento) se podrá ver la última función de "Yo amo a mi maestra normal", uno de los trabajos más sólidos a nivel teatral de Juan Pablo Geretto, dirigido en colaboración con Ana Sans y que llegó precedido de una exitosa temporada en Mar del Plata. Hay en este último trabajo de Geretto, un reciclado de su propia creación anterior: Esa emblemática maestra que tuvo su bautismo de fuego para el gran público en Showmatch, a pesar de haber nacido potencialmente en esta ciudad a lo largo de tantas representaciones en bares y restaurantes, siempre en marco del café concert. De alguna manera el tema de la educación fue un caballito de batalla de esta maestra mediática que ya en las exitosas temporadas del teatro Broadway iniciaba el espectáculo con la inauguración del techo del patio de la escuela.

En "Yo amo a mi maestra normal", este episodio se repite y es el leit motiv de una propuesta que se inicia con un notable despliegue audiovisual donde se intenta dar cuenta de los orígenes de la educación a partir de aquellos que vinieron a colonizar estas tierras, hasta llegar al pensamiento moderno donde se pensaba el nacimiento del maestro como "semilla de sabiduría" y el niño "campo fértil de su legado".

Las imágenes y las palabras de Alberdi, Sarmiento y una feminista Juana Manso que es la primera que concibe a la enseñanza por parte de la mujer como un trabajo digno y que debe ser remunerado, marcan un prólogo que anticipa el perfil de este trabajo que tomará el humor como una herramienta que va más allá del siempre esperado divertimento.

Desde el guión y la concepción de puesta, hay un enfoque jugado a intervenir los ya conocidos monólogos del talentoso Juan Pablo que cada vez domina el espacio escénico con mayor soltura, logrando un giro dramático a partir de auténticas confesiones de estas docentes quebradas y con una intimidad que nadie conoce. Y allí se pone en evidencia el inteligente mecanismo de ocultación que a partir de la construcción de su personaje, este inquieto observador de la realidad pone en el cuerpo de estas maestras públicas que han influido tanto en la historia de la educación argentina.

Hay un discurso basado en ciertas seguridades y certezas que es la máscara con la que estas docentes, se protegen frente la inseguridad y la incertidumbre a las que están siempre expuestas tanto por el mismo sistema burocrático de trabajo como por el avance de las tecnologías y el alejamiento cada vez más profundo con el alumnado.

Hasta que un día estas atribuladas criaturas con "corazón de tiza y pizarrón" estallan y proponen un final fundamentalista que es recibido con una ovación por parte del espectador.

Ese aplauso es la aprobación frente a la concreción por parte del personaje, del deseo oculto e inconfesable de la platea, la maestra entonces contesta: "llamame facha ahora, yo no aplaudí", otro inteligente recurso dramático que deja al desnudo el grado de violencia que subyace ante la imposibilidad de destrabar el nudo gordiano de la burocracia educativa.

Ahora este personaje mediático que nos hace reir por la tele y en las grandes salas comerciales, ha afinado su herramienta, sigue siendo desopilante y reitera algunos gags que su público necesita volver a escuchar, pero su personaje ha crecido en profundidad psicológica e ideológica.

La puesta en base a paneles que se deslizan y una puesta lumínica que abandona el clima del show a toda luz para entrar en el terreno de lo íntimo y lo siniestro, complementan este descenso a lo más soterrado de un ser que se abre a otra problemática.

En medio de las risas y el clima festivo, la voz de la "seño" se va desdibujando y se transforma en el eco de las voces que transformaron el saber en represión y entonces el "formar filas", "el pararse cuando entra un adulto", "ajustar el nudo de las corbatas y alargar las polleras", estallan y se mezclan con sonidos que semejan un desfile militar.

Igualmente aparecen las docentes con carpeta psiquiátrica y esa angustiada maestra de Labores que se suicidó envuelta en papel glacé porque su materia cambiaba de nombre, a pesar de que nunca llegó a enterarse que el contenido seguiría siendo el mismo.

El público se sorprende, en determinados pasajes sombríos, la risa sigue hasta que se va apagando porque el juego ya no es el mismo, ahora el texto invita a pensar y el silencio se apodera de la sala, allí está uno de los logros en la concepción de una propuesta que se arriesga a transitar por carriles que apuestan a la teatralidad a partir de una figura tan mediática.

En la intimidad de un living, ese pequeño búnker de una clase media que aspira a ser cada vez menos "media" y más alta, una pareja jugará sus últimas fichas para sostener el riesgoso juego de la convivencia: La salida está muy cerca de la entrada, por eso será que a veces se confunden tanto. La puerta de entrada del departamento es una pieza clave de la cual estarán tan pendientes Aleja Doverman, como su pareja Albert Bruga y un invitado especial que se renueva cada noche y que le pondrá un sentido particular a la intriga: El espectador. Todos los sábados a las 22 en el Teatro Caras y Caretas (Corrientes 1518) el grupo Pause sigue convocando a un público cada vez más numeroso que desde febrero viene acompañando el estreno de la obra escrita y dirigida por Sebastián Villar Rojas: "Moderna".

Esta ópera prima de alguien que conoce de cerca la escritura emparentada con el cine y las novelas de ciencia ficción, va a sorprender por las múltiples lecturas que se desprenden de una trama que al comienzo transita por un sendero supuestamente familiar para después enrarecer el aire de la escena y tornarlo inquietante.

Aleja espera a Moderna, una amiga de la infancia con la que compartió una historia muy extraña y que está a punto de llegar desde París: la espera está cargada de una intensidad muy particular.

Como una correa voltaica la excitación de Aleja se transmitirá al cuerpo de Albert, la atribulada pareja que acaba de ingresar y que se transformará a lo largo de la obra, en improvisado y resistente cable a tierra de la tormenta que se avecina.

El personaje de Moderna comienza a construirse a partir de las expectativas que genera en Aleja esta espera un tanto beckettiana, algo del pasado retorna articulando los lazos oscuros entre estas dos mujeres. Albert deberá ser por el momento un buen partenaire.

Con todas las características propias de una comedia de enredos, con una iluminación que pareciera ambientar un set de cine o televisión, "Moderna", va a dar un giro inesperado, apenas suene el timbre de la puerta.

A partir de allí, el misterio y el extrañamiento irán invadiendo lo cotidiano y la espera será prolongada por la llegada de un repartidor de pizza que llevará el registro de la comedia a límites insospechados,este personaje bisagra va a preparar el terreno para la llegada de la enigmática visita y el desenlace imprevisto.

Hay una historia de evidente desencuentro amoroso que pareciera potenciarse a partir de la llegada de alguien que para el imaginario de Aleja resulta un ser inalcanzable y al que quisiera parecerse para poder salir de una existencia mediocre.

A su vez Albert también necesita de ese "suceso extraordinario" del que hablaba Roberto Arlt para escapar de una rutina que lo obliga a depender del azar o de ese toque mágico tan de esta época, que convierte en pocos minutos a un pobre tipo en un millonario con fama.

Pero estas desventuras son meras trivialidades frente al angustiante tema de la identidad por la que atraviesa esta pareja formada por dos seres que al menor contacto con la realidad exterior, amenazan con desintegrarse en el aire bajo los efectos de un pasado que contamina.

Parafraseando el nombre en castellano de un famoso film de Alan Pakula, podríamos encontrar en "Moderna" muchos indicios para subtitularla "Mi pasado me condena", y abrir el juego de otras tantas interpretaciones,siempre dentro de un registro donde el realismo bordea lo fantástico.

Desde otro ángulo, la obra también puede ser leída desde la típica irrupción del triángulo amoroso en el hastío de una pareja en la cual uno de sus integrantes se considera por momentos tan insignificante como un potus ,imposible de seducir a nadie.

Si el autor nos permitiera podríamos pensar que el nombre de la obra bien podría haber sido "El sueño de Aleja", ya que desandando algunas escenas, pareciera que todo no ha sido más que un delirio onírico de este personaje que en un momento crucial de su vida,fue sometido a un proceso de rehabilitación en el que le borraron parte de la memoria.

Villar Rojas nos invita a un recorrido dramático donde el texto asume el protagonismo de una puesta en escena que acompaña desde la escenografía hasta los objetos escénicos y las ambientaciones sonoras y lumínicas que no siempre están a la altura de las luces y las sombras de la dramaturgia.

"Moderna" es una obra que todavia conserva rastros de su pasado eminentemente literario,el texto seduce y por momentos el espectador está muy pendiente de "lo que se dice" ,pero esta seducción pronto cede cuando el equipo actoral se hace cargo de las acciones y la teatralidad entra en su punto justo de ebullición.

Natalia Dean navega cómodamente en la piel de la conflictuada Aleja,un personaje de difícil resolución escénica con exigencias que prueban los recursos técnicos y expresivos de una actriz que se muestra en una nueva etapa de su carrera.

Emilio Dei Cas se carga en sus espaldas un Albert compuesto en base a una gestualidad que por momentos resulta excesiva pero de gran ayuda a la hora de hacerse cargo de los momentos más drámaticos en los que resuelve con solvencia el descenso a los infiernos de un personaje que al final asume uno de los gestos más entrañables y esperanzados de la historia.

María Florencia Sanfilippo tiene la responsabilidad de entrar en escena cuando ya se ha dicho mucho sobre su personalidad, es el personaje que da el nombre a la obra y a lo largo de las funciones ha ido creciendo hasta encontrar un registro a la altura de lo que se espera de ella.

Gabriel Cejas sorprende por la intensidad con la que trabajó un personaje episódico, de corta aparición, pero con una misión tan precisa como la de preparar el camino para el desenlace final, tarea que logra en base a una locuacidad y un despliegue histriónico sorprendente teniendo en cuenta que es su primer trabajo actoral.

Cuando una propuesta teatral genera tantas lecturas en diferentes espectadores,cuando una historia inteligentemente escrita ,entretiene y atrapa a un público no necesariamente entrenado,se puede decir que su autor director, logró armonizar su escritura personal con la de sus actores y con la re escritura que hace el público de su obra.

Hay temáticas que son poco abordadas en el fecundo terreno de las artes escénicas, tópicos que parecieran ser mejor desarrollados a partir de los lenguajes del cine o el cómic. El recientemente creado grupo Pause parece ser una excepción, recalando tanto en Moderna como en Todo se incendió de repente, propuestas que se atreven a incursionar en historias donde lo fantástico se cruza con lo cotidiano.

En el "drama coreográfico" Todo se incendió de repente, que se reestrenó el mes pasado y puede verse todos los domingos de marzo a las 21.30 en el Teatro del Rayo (Salta 2991), la directora Paula Valdés Cozzi invita a transitar por una recorrido dramático que tendremos que completar a partir de nuestros propios laberintos internos.

El espectáculo en sí se propone como una exploración en un espacio que será protagonista excluyente de micro historias que se disparan a partir de algún suceso que ha devastado el hábitat natural donde seis sobrevivientes intentan asirse a pedazos de lo que alguna vez llamamos memoria.

La cifra no puede dejar de asociarse con aquellos paradigmáticos seis personajes pirandelianos que vagaban en las penumbras de un ensayo teatral real, en busca de un autor que los contenga y que produjo allá por 1920 uno de los experimentos dramáticos que ponían en tela de juicio los límites entre la realidad y la ficción.

Aquí también seis personajes se recortan entre las luces y las sombras de un lugar espectral, un sitio que bien podría ser conceptuado como no lugar; un frágil tablero que algún acontecimiento no previsto azotó contra las paredes, inestabilizando el recorrido de las fichas que parecieran intentar recordar cuál era el juego que jugaban.

El espectador tiene como única pista el título de la performance: Todo se incendió de repente. Sabemos los múltiples sentidos que puede adoptar la palabra incendio y cuánto se puede significar a partir de los fuegos que han consumido gran parte de nuestra historia, tanto personal como social.

Por eso más allá de la multiplicidad de lecturas que implica este por momentos enigmático recorrido coreográfico que nos propone Valdés Cozzi; algo del inconciente colectivo navega en las aguas revueltas de una catástrofe que tiene que ver con un mundo que entre cenizas intenta ser reconstruido a partir de las acciones de seis sobrevivientes.

Se podría llamar a esta poética una "poética de la resiliencia", palabra aggiornada en los últimos tiempos y que tiene que ver con la capacidad de resistencia del ser humano frente a terribles situaciones tanto de índole personal como social.

Supongamos que estas seis personas quedaron encerradas en la única habitación que quedó en pie en toda la Tierra después del peor cataclismo que arrasó con el género humano; con seis seres atravesados por la angustia de sus vidas fragmentadas, en un espacio espectral donde seis sombras vagan en el desesperado intento por encontrar la luz que los materialize: ese material alcanzaría para volver a construir una nueva utopía.

Entre los balbuceos del texto, que por momentos se confunden con los sonidos del aire acondicionado y en otros se asordinan por problemas de dicción de los propios bailarines, hay un intento por parte de estos personajes de contar historias, de contárselas entre ellos y si el espectador se entera mucho mejor.

La fuerza dramática del espectáculo está en la potente partitura coreográfica que implica un fuerte riesgo corporal y técnico de la cual se hacen cargo con precisión y entrega el grupo de bailarines integrado por Brenda Adaro, Guillermo Gatto, Aaron Lescano, Malena Salzman, Leandro Simoniello y Alejandra Valdés.

La banda sonora es otro protagonista al igual que la utilización del espacio lumínico, creando climas de fuerte conexión con la estética del cine; barriendo la escena y construyendo mundos ligados a lo onírico y lo fantástico.

Al comienzo y casi a mitad de la propuesta del grupo Pause destacan dos de los momentos más logrados tanto estética como técnicamente y tienen que ver con el reciclaje poético de "El lago de los cisnes" de Tchaikovsky y el "Bolero" de Ravel, en un despliegue que impacta por la multiplicidad de sentido que se desprende de esos cuerpos "incendiados".

El romper con las asociaciones que el público tiene de estas dos emblemáticas obras musicales que remiten a distintas adaptaciones es uno de los puntos más elevados que alcanza la labor de coreografía y dirección de Valdés Cozzi. Una tarea que requiere quizás de un mayor ensamble en los registros de la actuación de estos jóvenes bailarines.

El próximo viernes llega a Rosario la exitosa "Feizbuk Stars", una de las últimas producciones del incansable e inquieto José María Muscari que recalará por dos noches en la Sala Lavardén (Sarmiento y Mendoza) en el horario de las 21.30. Muscari que ya estuvo en Rosario en varias oportunidades de la mano de otros no menos consagrados espectáculos ("Shangay", "Cotillón" y "Dame Morbo") desembarca ahora con un megaproyecto que convocó el año pasado a más de 1.200 personas que se dieron cita para participar del casting que finalmente elegiría a los 49 actores que protagonizan esta verdadera saga teatral.

"Feizbuk" es una propuesta que tiene al número 7 como parte estructuradora del evento, ya que son 7 elencos integrados por 7 actores, que durante 7 días a la semana y a partir de un mismo texto y un único dispositivo escénico, con un proceso de trabajo que demandó 7 semanas, dieron como resultado una obra cuyo título está compuesto por 7 letras.

Los nombres de los elencos dieron lugar al nombre de cada "Feizbuk": "Míticos": integrado por actores que participaron en otras puestas de Muscari, "Feizbuk Sex", integrado por gays, lesbianas y travestis, "Freaks" a partir de actores "raros", "Teens" (jóvenes), "Hot" (7 perras y chongos a full), "Tours" (7 extranjeros de cualquier lugar) y "Feizbuk Stars" que es la que veremos aquí que alude a "7 a los que la fama los merodea".

A pesar de que una gran cantidad de espectadores lo reconoce a partir de sus últimas incursiones televisivas, que lo llevarán a formar parte de la primera pareja gay en el "Bailando 2011", Muscari se inició como actor y dramaturgo a los 16 años en "Necesitamos Oxígeno", espectáculo que se estrenó en el recordado Parakultural, y que recaló también por el Centro Cultural Rojas y el Centro Cultural Recoleta.

Dos años más tarde escribe y dirige "Criaturas de las sombras", al que seguirán "Marchita Como el día" y una de sus propuestas que comenzarán a diferenciarlo del resto de los creadores de su tiempo: "Mujeres de carne podrida", espectáculo que sorprendió por su capacidad para ganarse al público de la mítica calle Corrientes.

Y allí comienza algo que caracteriza a los elencos formados por este realizador que niega permanentemente ser considerado un transgresor: La forma de abordar la prensa y difusión de sus trabajos al mejor estilo de los viejos teatristas independientes argentinos.

Una escena cotidiana era ver a sus actores pegando afiches o volanteando por todos los rincones de la ciudad y fundamentalmente en los estrenos de obras taquilleras, donde se cruzaban delante de las cámaras para publicitar sus obras.

Ya desde esos momentos el teatro comercial lo tentaba y así surgen experiencias como "Desangradas en Glamour" con Ana Acosta, Sandra Ballesteros, Carola Reyna, Florencia Peña, Marta Bianchi y Julieta Ortega) y "Pareja Abierta" Con Daniel Fanego y Ana Acosta,sobre una versión libre de Darío Fo,donde se da el gusto de dirigir a los "famosos",tendencia que se iría incrementando a lo largo de su meteórica carrera.

Muscari siguió mixturando estas producciones comerciales con obras del off como "Grasa" que obtuvo la Beca de la Fundación Antorchas, o "Derechas" dirigiendo un texto de Bernardo Cappa, hasta que llega la escandalosa "Catch, lucha en el barro y sexo entre chicas" que fue visto por más de 40 mil personas y se representó en 3 temporadas con 2 elencos paralelos y un montaje en Santiago de Chile.

No es casual entonces que una de las redes sociales de mayor repercusión en los últimos años sea el material elegido por alguien que conoce de cerca cómo participan los diferentes actores de ese juego donde cada uno de los integrantes puede crear la personalidad más adecuada a sus intereses.

"Feizbuk stars" alude a todos aquellos que utilizan Facebook para mostrarse y demostrar la cantidad de amigos exitosos que tienen, permitiéndose de forma soberbia, rechazar solicitudes de amistad con la implacable respuesta de "este perfil ya tiene demasiados amigos".

El elenco está integrado por Federico Ayos, Luis Bremer, Mariana Brey, Valeria Britos, Osvaldo Guidi, Señorita Lee y Jezabel Yacuzzi, el vestuario pertenece a Vessna Bebek, el diseño de luces lo realizan David Seldes y Diego Todorouich, la escenografía es de Nicolás Botte y los audiovisuales estarán a cargo de Laura Huberman.

El anuncio de esta nueva picardía de Muscari no puede ser menos tentador: "Les conoces la cara, los tenes de algún lado, son familiares de un famoso, son famosos, lo fueron o lo serán, fama relativa, fama Feizbuk".

A partir de hoy y durante todos los domingos de febrero y marzo, a las 21.30; subirá a escena en el teatro Del Rayo (Salta 2991) la obra Todo se incendió de repente, escrita y dirigida por Paula Valdés Cozzi. Esta propuesta considerada por sus responsables como "un drama coreográfico" está enmarcada dentro de las artes escénicas contemporáneas del movimiento y será interpretada por Brenda Adaro, Guillermo Gatto, Aaron Lescano, Malena Salzman, Leandro Simoniello y Alejandra Valdés.

La asistencia coreográfica y la preparación física de este elenco está a cargo de Aylen Ferraris; mientras que Marcia Vitali es la encargada del diseño y la realización de los vestuarios; Alexis Perepelycia es el creador del diseño y la puesta de sonido; Alejandro Guirlanda es responsable de la iluminación y Nicolás Panasiuk trabajó en la parte escenográfica.

La producción general es del Grupo Pause, el mismo que estrenó el sábado pasado la obra Moderna, con la dirección de Sebastián Villar Rojas que aquí colaboró con Valdés Cozzi en la dramaturgia, composición y puesta en escena.

Todo se incendió de repente nació de un deseo personal de la directora, que además de bailarina es docente y coreógrafa de danza contemporánea y artes escénicas del movimiento, en un intento por trabajar desde un fuerte rol externo junto a un número importante de intérpretes.

"Me interesaba la posibilidad del rol de dirección como otra manera de encarar lo que estaba acostumbrada a hacer desde la creación grupal; en ese punto me encontré con personas que estaban en esa misma búsqueda; estudiantes de mis clases particulares que de algún modo me dieron el puntapié inicial para tomar ese rol", comentó Valdés Cozzi a Rosario/12.

Esta dúctil creadora es Profesora Superior de Danza Contemporánea recibida en el Instituto Provincial de Danzas y Expresión Corporal Isabel Taboga; donde forma parte desde el año 2003 del elenco de bailarines del Ballet Estable de Danza Contemporánea de dicha institución.

Estudia actuación con el pedagogo teatral Oscar Medina y la docente y actriz Claudia Cantero y en el 2005; estrena como productora, directora e intérprete la obra de danza contemporánea Habla por mí, que participó en el Festival Internacional de Nuevas Tendencias Escénicas El Cruce y en el Argentino de Danza que se realizó en Santa Fe en el 2008.

"Inmediatamente me ganó el entusiasmo y convoqué al resto del elenco actual; a nivel de la poética que imaginaba y deseaba, la presencia de al menos seis personas en escena era muy importante; el eje compositivo de la obra está puesto fundamentalmente en lo físico, en la potencia del cuerpo a través de la danza contemporánea, sin embargo existe al mismo tiempo un lei motiv literario o narrativo que recorre subterráneamente la obra", plantea la directora.

Con respecto a la estructura dramática de Todo se incendió de repente, la creadora de la idea parte de una trama interna pero no en el concepto tradicional de lo que se entiende a la manera aristotélica. "No se trata de una historia con principio, nudo y desenlace; en esta puesta el final es el principio y los hechos que se suceden no son necesariamente cronológicos o lógicos; juego mucho con la ficción y con los extrañamientos, algo similar a los giros de efecto que se producen en el cine, en películas bizarras y clase B, yo creo que el espectador podrá terminar de armar su historia, cargarla de más o menos sentido de acuerdo a las sensaciones que lo recorran durante la puesta", aclara Valdés Cozzi.

En el proceso de creación y montaje de este singular espectáculo, los seis intérpretes que le dan vida a la obra y su directora investigaron y utilizaron diferentes recursos compositivos pasando por lo coreográfico tradicional como por la improvisación, sirviéndose de la literatura, del cine, de la dramaturgia teatral y hasta de conceptos estéticos de la plástica.

Esta impronta de investigación también se aplicó en la selección del material musical, donde el grupo realizó una búsqueda muy particular que según sus integrantes pasó por "hacer convivir piezas y temas musicales aparentemente irreconciliables".

La directora destacó ante todo la experiencia fundamental que significó el trabajo en equipo y el asesoramiento y la labor de mucha gente, sin cuyo aporte no se hubiese podido concretar este proyecto.

"Es así como me encontré trabajando junto a Sebastián Villar Rojas, escritor y dramaturgo, autor de la nouvelle Para Ongry que ha sido fuente inspiradora o germen de Todo se incendió..., mientras que en la construcción sonora de la puesta trabajé junto a Alexis Perepelycia; en vestuarios con Marcia Vitali; en diseño de iluminación con Alejandro Ghirlanda, en asistencia coreográfica y preparación física con Aylen Ferraris y en escenografía, logística y asistencia técnica con Nicolás Panasiuk; todos ellos, talentosísimos y creativos artistas", agrega la directora.

Todo se incendió de repente es, según sus responsables, un drama coreográfico, una puesta donde el movimiento y la danza se presentan como una posible narrativa, como un discurso con sus propias reglas.

En este drama, seis personas conviven en un mismo espacio, en una suerte de casa post final (real o imaginaria), un lugar del que no pueden irse. Están forzadas a entenderse, a estar juntas.

Precisamente a partir de esta imposibilidad, nace la necesidad de "matar el tiempo, juegan, inventan actividades, a veces se ofenden y se pelean, son seres humanos atravesando un triste final", según palabras de la propia directora.

"Algo ha ocurrido: ¿las fuerzas de la naturaleza? ;¿una catástrofe?, hay indicios de que pudo ser una ruptura amorosa, una pérdida irreparable, una muerte: tal vez, simplemente, alguien sueña y ese sueño es la realidad; aunque nadie lo sepa; aunque todo se incendie de repente".

Mónica Martínez, actriz, docente, directora y artista plástica, fundadora del emblemático grupo Birlibirloque y responsable de "Omnis Terra" -trabajo estrenado el año pasado- dialogó con Rosario/12 para plantear sus impresiones acerca del balance teatral del año pasado que movilizó a distintos realizadores de las artes escénicas rosarinas.

"Cuando recibí esta invitación a participar del balance 2010; acerca de nuestras prácticas artísticas, pensé que era una buena oportunidad para decir públicamente lo que he venido diciendo desde hace muchos años entre compañeros y alumnos; y en los dos últimos especialmente, con una nueva generación de artistas y docentes en tránsito con los que me ha tocado la dicha de compartir su formación en la Escuela Provincial de Teatro y Títeres N 5029", destacó Martínez.

Esta experimentada creadora -La República del caballo muerto (1989), Farsas Tragicómicas (1991), Periplo, el viaje del héroe (1998) y Al compás del corazón (2001)- retoma para comenzar su reflexión las palabras escritas por el maestro titiritero Michael Mescke en su libro Una estética para el teatro de títeres: "Como quisiera que ese bello espectáculo jamás visto brotara de mis manos, pero si no, que nazca de otras, porque ese sueño bien vale la pena".

"Los herederos de Alcides Moreno tenemos algunas cosas que decir y tal vez el pueblo de Rosario quiera enterarse que ha tenido una Escuela de Títeres durante casi cuarenta años y aún más, quizás los mismos protagonistas de este espacio, directivos, docentes y alumnos querramos ser vistos, mirados, apreciados y difundidos", comenta esta titiritera que apela a la memoria de una ciudad esponja.

El maestro Alcides Moreno fue el fundador en los años 70 de la primera Escuela de Títeres de Rosario y una de las pioneras en el desarrollo de la enseñanza y la difusión de una de las artes escénicas más antiguas de la humanidad.

"Creo que él jamás podría haber imaginado el largo y desarticulado periplo que sufriría su proyecto atravesando cambios políticos, históricos, estéticos hasta estos días finales de la primera década del siglo XXI en los que parece intentar renacer de sus múltiples muertes con algunas preguntas importantes para poder diseñar un cambio y un futuro más fecundo", plantea Martínez refiriéndose a la institución creada por Moreno.

Una de las preguntas que circulan entre los alumnos de la escuela es, según esta reconocida docente, la ausencia en Rosario de referentes importantes como lo ha tenido Buenos Aires con Ariel Bufano o Córdoba con Héctor Di Mauro y sus herederos respectivamente: el Grupo Libertablas, El Periférico de Objetos, el Chon Chon y los cientos de grupos formados a su vez por cada uno de estos artistas.

"Mi única respuesta es que tras el exilio de Alcides Moreno, la escuela queda en manos menos inspiradas y siguiendo su destino de profesorado; impulsando prácticas que han apuntado a la función pedagógica del títere más que a sus funciones teatrales; desangrándose entre malas políticas, mezquindades, incompetencias y desacuerdos; separando Teatro y Títeres desde el nombre de la escuela, hasta los espacios existenciales de estas artes y sus hacedores", razonó.

-¿Cuál es el horizonte de trabajo que encuentran los egresados de la escuela?- preguntó Rosario/12.

-La mayoría de los titiriteros que trabajamos en Rosario hemos transitado por la escuela, desarrollando una práctica que tiene que ver con una carga histórica de este arte en cuanto a sus poéticas y sus modos de producción: grupos solistas, dúos o tríos en el menor de los casos, espectáculos para niños, algunos pocos para adultos y circuitos de trabajo en colegios, calles; muy pocos en salas y muchos menos los que han tenido interés en la investigación o el cruce con otras artes.

La experiencia personal de la directora de "Omnis Terra" pasó por descubrir que el arte de los títeres no estaba en la escuela; buscando fuera de Rosario una formación sólida con grandes maestros que, según sus propias palabras, "dejaron una huella profunda en mi relación arte vida; como así también de trabajar con artistas de enfoques amplios y diversos".

-¿Toda esa experiencia personal se volcó nuevamente en la escuela de la que egresaste?

-Desde 1988 con Birlibirloque y con otros grupos he venido transitando una espiralada experiencia en formación y producción que me ha servido para elaborar una propuesta pedagógica, ética y estética que vengo impulsando dentro y fuera de la escuela; en el 2008 realicé un diseño curricular para implementar la cátedra Estéticas del Teatro de Títeres con el objetivo de que se abriera un espacio de formación teórica que posibilitara la reflexión; es un seminario abierto a todas las carreras con la intención de ampliar el abanico conceptual en la formación, especialmente con la idea de que se acerquen a estos lenguajes los alumnos de la carrera de dirección teatral, dado el vacío en esta área que tenemos los diferentes grupos argumenta Martínez.

Algunos de los logros generados a partir de estas iniciativas fueron el Primer Festival Internacional de Teatro de Sombras que se realizó en Rosario en 2009 organizado por Susana Petrelli, docente de la escuela, y sus alumnos, agrupados en el colectivo Gurú (mujeres de sombras) y dos varietés generados el año pasado por alumnos de la carrera que subirán a escena durante la actual temporada.

"Quiero aprovechar esta nota para celebrar el giro que ha dado el ámbito académico y el impacto que esto está generando en el medio local; haciendo justicia a mis iniciativas que tanto tiempo han esperado para ser escuchadas, comprendidas y más aún implementadas dentro de la escuela, sintiéndome sencillamente un eslabón entre un tiempo y otro; el que me tocó transitar como alumna y el que me toca como docente; la rueda está aceitándose con otros materiales sensibles; es cuestión de tiempo y perseverancia", agrega Martínez.

"En marzo vamos a estrenar Palabras llegan, escalan el viento, proyecto de teatro de objetos y arte digital que ganó una coproducción con el Centro Cultural Parque de España y para mayo lanzaremos el Primer Encuentro de Performance que estamos organizando junto al colectivo artístico Umbrales; en el que también participan algunas alumnas de la carrera bajo mi dirección; una convocatoria abierta a todos los que quieran participar, donde los títeres y objetos tendrán un espacio importante para mostrar su especificidad y mestizajes anticipa.

A la hora de plantearse el futuro de la actividad, la creadora involucra tanto a artistas, como docentes, productores, periodistas y público en general, que estén dispuestos a "pegar el estirón, crecer de una vez, salir de los microespacios loteados y abrir los cercos para que jueguen otros".

La temporada teatral local arranca el próximo sábado, con un estreno que seguramente motivará la atención del público por las características de la obra y por el lanzamiento de un nuevo grupo teatral que apuesta firmemente a la dramaturgia y a la posibilidad de contar una historia con sello propio. Se trata de "Moderna", escrita y dirigida por Sebastián Villar Rojas que al frente del Grupo Pause, se presentará todos los sábados de febrero y marzo a las 22 en Teatro Caras y Caretas (Corrientes 1518). El elenco está integrado por Natalia Dean, María Florencia Sanfilippo, Emilio Dei Cas y Gabriel Cejas. La escenografía fue confeccionada por Osvaldo González Rubio, el vestuario pertenece a Marcia Vitali, el sonido fue diseñado por Alexis Perepelycia y las luces estarán a cargo de Alan de la Cruz. Rosario/12 dialogó con Villar Rojas, joven escritor devenido dramaturgo y director teatral a partir de esta su prometedora ópera prima que cuenta ya con importantes premios y se estrenó el año pasado en el marco del CicloINcierto 2010, que se desarrolló en la sala Espacio TBK, de la ciudad de Buenos Aires.

"Este proyecto empieza en enero del 2009, cuando comienzo a escribir el texto y después surge la primera convocatoria de actores con los que se inician los ensayos, mientras continua el proceso de escritura que alcanza las 100 páginas,pero se transformó despues en una gran presión, ya que tenia que dirigir y seguir con la escritura, un desafío muy grande en un momento en el que todavía no estaba preparado". Villar Rojas, cuyos referentes directos son los creadores porteños, Javier Daulte y Rafael Spregelburd; se identifica con la forma de trabajo de estos dramaturgos argentinos y rescata la posibilidad de desarrollar una literatura dramática que incluya el trabajo en equipo junto con los actores, generando una verdadera dialéctica entre el trabajo del actor, el director y el dramaturgo.

-Paralelamente nace el grupo "Pause"

-En mayo del 2009 junto a Paula Valdés Cozzi, decidimos formar un equipo de trabajo, un intercambio creativo entre el teatro, la danza y la escritura dramática. Nuestro gran objetivo era poder darle coherencia narrativa a nuestros proyectos tanto de danza como de teatro: nuestro anhelo es poder contar cosas, y así nace el Grupo Pause con la obra "Todo se incendió de repente", que fue pre estrenada el año pasado en el Teatro del Rayo. comenta el director.

El grupo trata de generar sentido a partir del cruce de lenguajes, tratando de armar pequeñas historias, diferentes en su lógica, según se trate de la danza o el teatro, pero siempre enfatizando la necesidad de poder contar algo. "Creo que sin la instancia de un pensamiento sistemático como la escritura, las obras no quedan lo suficientemente sólidas,por eso fue una necesidad práctica la que hizo que empezaramos con un texto, yo no vengo del teatro, no tengo curriculum, y una manera de poder convocar gente era a partir de un texto dramático que convenciera y le gustara al actor para que se prendiera en el proyecto", afirmó Villa Rojas.

-En esta importancia que le das al texto, asoman tus maestros y formadores: la escritora Alma Maritano y el director y docente teatral Oscar Medina.

-Si comenzé un taller con Alma y desde ese momento no dejé de escribir y Oscar que es mi maestro de actuación y dirección, dice siempre, algo que en mi sintetizó muchas cosas: me gusta el cuentito, yo vengo de la escritura, me considero escritor fundamentalmente, no descarto lo otro, mi esencia es la escritura y al llegar al taller de Medina, esto se potencia. Aprendo a contar las microhistorias que es lo que él busca con su teatro, las tensiones y atmósferas, las pequeñas situaciones más cotidianas, al estilo del autor norteamericano Raymond Carver.

La literatura minimalista y el cine de Charlie Kaufman o David Lynch, son otras de las referencias que Villar Rojas cita siempre a la hora de intentar una definición de su poética dramática y que se filtran en su obra. "La escenografía de 'Moderna', es la reproducción de un living de un departamento, como si realmente fuera un montaje para cine. Me interesa esa complejidad para articular el mundo interno y el externo de los personajes, propio de la literatura y el cine anglosajón, provocando desvíos hacia lo extraño, hacia elementos de la ciencia ficción pero siempre manteniendo un piso real. Es la historia de una pareja que vive en Bahía Blanca en el 2008 y están esperando una amiga para cenar. Esa situación es casi costumbrista, y después trato de romper esa realidad provocando anomalías", dice Villar Rojas.

A la hora de definir la obra que se estrena el próximo sábado, este creador apela a una sintesis de alto vuelo poético: "Un cruce entre el amor y el fin del mundo". Y agrega que reflexiona "acerca de lo que pasa actualmente, esta cosa esquizoide de la simultaneidad y la fluidez llevada al límite, creo que estamos viviendo el apogeo del esquizoide, eso lo traté de plasmar en la obra, recuerdo que la vestuarista me señaló algo que le llamó la atención de la obra y es que los cuatro personajes , están cada uno en su propio mundo pero al mismo tiempo dialogan con los otros", plantea Villar Rojas.

En esta ópera prima, este joven dramaturgo se propone desarrollar cuatro líneas argumentales, generando una disputa a los efectos de ver cuál sería la que predomina, lo que plantea una complejidad desde el punto de vista de la estructura dramática que implica un desafío para el trabajo de los actores. "Quiero agradecer a todos los actores que pasaron a lo largo de el proceso de trabajo previo, con un año de ensayos a razón de cuatro veces por semana, eso me facilitó haber resuelto el texto,la claridad argumental. Es una historia cuyo desenlace se sabe en el último minuto, es una pequeña película y esa posibilidad me la dió ese tiempo de trabajo previo con los actores", asegura el director.

El año pasado, Villar Rojas obtuvo la Beca para Artistas y Escritores del Interior del País del Fondo Nacional de las Artes, en el área Teatro, y un auspicio a la producción de obra del Parque de España,logrando su obra el premio de dramaturgia CicloINcierto 2010, organizado por la Sala Espacio TBK de Buenos Aires.

"Trabajo con dos líneas conceptuales que son la simultaneidad y la casualidad, la hipotesis es que pasa si se suceden muchos sucesos extraordinarios que ocurren por casualidad en el mismo lugar y al mismo tiempo, pero finalmente se termina articulando todo en un orden causal,intento desarrollar la temática del apocalipsis sobre el fin del mundo, pero como una metáfora del amor, hay un momento en donde las dos situaciones ,amor y desengaño amoroso o amor y fin del mundo están en un nivel tan parejo que comienzan a funcionar una como metáfora de la otra", explica el autor.

Proveniente de una nueva generación de creadores locales, Sebastián Villar Rojas, cree firmemente en el lector y en el espectador, a quien dedica cada línea de su producción literaria y ahora dramática, esto genera una gran expectativa con respecto a la obra que inaugura la temporada teatral de este año.

Como resulta ya habitual en las evaluaciones que año tras año venimos realizando con respecto a la movida teatral rosarina, no podemos dejar de mencionar la importancia de algunas salas que son protagonistas de este fenómeno que implica albergar cada vez más proyectos que de no ser así no podrían mostrarse en la cartelera local. Por muchas razones, Amigos del Arte, sigue siendo uno de los refugios para la diversidad de poéticas que crecen y se multiplican y que paradójicamente no cuentan con el número suficiente de salas en una ciudad que es reconocida en el país como una plaza cultural cada vez más atractiva. El actor y director Raúl Marciani, responsable de la programación teatral de Amigos del Arte, dialogó con Rosario/12, evaluando la buena respuesta del público en la temporada anterior y las perspectivas para el año que se inicia.

"Me asombra la calidad del público que sostuvo con su presencia la permanencia en cartelera de cuatro espectáculos con marcadas diferencias estéticas como 'Babilonia', 'Nacidos vivos', 'Raspando la cruz' y 'La rebelión de las escobas', y creo que el secreto está fundamentalmente en que las tres primeras pertenecen a autores reconocidos como Discépolo, Pirandello y Spregelburd, lo que vuelve sobre el tema del retorno a los grandes textos, tanto clásicos como contemporáneos", explicó Marciani.

En amplia coincidencia con Eduardo Ceballos que en la nota del domingo anterior planteaba algo similar con respecto a lo acertado de su elección al dirigir "Babilonia"; Marciani pone sobre el tapete el tema de los gustos de un espectador que parece ser motivado por fórmulas dramáticas probadas atraves del tiempo. "Como programador de la sala me gusta ofrecerla a los grupos que convocan para volver a hacer la obra, no sólo por la calidad del producto sino por la calidad del público y resulta paradojal. Si la cosa no gusta el público no va, después discutiremos lo estético en una charla entre directores, yo me sigo preguntando si no hay que volver a los clásicos y dejar de lado un poco entre comillas el tema de la investigación", aseguró el creador de La Catapulta.

Marciani destacó además el compromiso de los grupos que participaron el año pasado, a partir de colaborar en la producción y la difusión de las diferentes obras con volantes y gacetillas o desde sitios en la Red, que garantizaron la presencia de nuevos espectadores. "Tengo que agradecer mucho a los elencos la confianza que han depositado en la sala, me han aportado mucho, se aprende de los debates y fundamentalmente al participar de las emociones, emocionarnos juntos con el aplauso que les tocó a ellos, qué bueno poder decir que estamos emocionados por el aplauso que reciben nuestros colegas".

Siguiendo con la política del año pasado, el programador de Amigos del Arte, sostiene que la permanencia de las obras en cartelera, a razón de tres meses para cada grupo, es una buena medida ya que es imposible ampliar el abanico de ofertas, debido a las características de una plaza como Rosario. "Ojalá se pudieran hacer todo el año, hacer funciones de miércoles a domingo por ejemplo. Pero el público rosarino no está acostumbrado a eso, habría que acostumbrarlo, recién en el tercer mes aparece el público genuino. Pasó con 'Babilonia' y con 'Nacidos vivos'", plantea Marciani.

La programación arranca en marzo con tres reestrenos del año pasado: los viernes "Babilonia" con dirección de Eduardo Ceballos, los sábados "La Fiaca", dirigida por Ana Provenzano y los domigos "ADN" (antes de nacer) con dirección de Paula Juárez.

"La sala se reinicia en marzo con algunas refacciones, se está levantando el piso para adecuarlo, contaremos con otro aire acondicionado, en parte gracias al subsidio del Instituto Nacional del Teatro. Pero especialmente por el esfuerzo de los teatreros, el año pasado se hicieron casi 70 funciones mucho más de las que pide el INT, con todo este funcionamiento, esperamos que nos recategorizen para que el subsidio sea mayor y poder seguir acondicionando la sala para que la gente de teatro y los músicos se sientan cómodos", enfatiza el director. Con respecto a sus proyectos personales, Marciani que el año pasado volvió a subir a las tablas en "Cabaret las Bacantes" del grupo Per Natura, dirigido por Aracelli Yacuzzi; se plantea un desafío mayor para esta temporada: La obra "Rojos globos rojos" de Eduardo Pavlovsky. "Hace un año que convoqué desde La Catapulta, al actor y director George De Bernardis, que viene del Teatro de La Acción, creado por Norberto Campos, para comenzar a preparar esta obra de Pavlovsky. Se estrenaría en la sala a partir de agosto, es una propuesta que siempre me gustó y en la que participan Romina Rodríguez que actuó el año pasado en "Protección al menor" y Corina González a la que conocí en el taller de Mariana Russo", comentó el creador.

Marciani que ya había experimentado anteriormente desde el rol de la dirección, con otro emblemático texto del notable actor, dramaturgo y director porteño ("Potestad"), cree que este es el momento justo para estrenar este clásico que el propio Pavlovsky trajo a Rosario hace algunos años. "Este texto de Pavlovsky habla de nuestra profesión, de la ética, de nuestra resistencia, de nuestra postura ideológica. Mi intención es despu{es de su estreno, sacarla de la sala y llevarla a lugares como La Grieta, para que tenga contacto con sectores del público que no acceden a las salas del centro".

Continuando con una serie de notas que se desprenden del balance del año pasado y que ha motivado una saludable reacción en algunos sectores de la comunidad teatral rosarina; Rosario/12 dialogó con el director Eduardo Ceballos, responsable de una exitosa versión de "Babilonia" que retorna este año a la cartelera local. Ceballos que el año pasado realizó una puesta homenaje al recordado director rosarino Pepe Costa, reflexionó acerca del intrincado tema de la producción local y la necesidad de un sinceramiento entre los teatristas y la crítica para recuperar nuevos espacios de acercamiento al público.

"Tomo como disparador tu evaluación en el balance del año pasado, donde se plantea la importancia de la reaparición de los textos clásicos argentinos con el objetivo de rescatar al espectador que dejó de ir al teatro, pero no porque dejó de gustarle, sino porque no se siente identificado con lo que pasa arriba del escenario", aseguró Ceballos.

Esta cuestión de la temática es un punto de referencia para algunos directores que en los últimos años han revisado algunos conceptos acerca de su propia producción para acercarse a otro sector del público. "Sumo a esto de la ausencia de espectadores -que en algunos casos parecieran poder recuperarse- el papel que cumplen los periodistas o críticos teatrales. Porque el público se orienta con esa opinión, pero sería bueno crear un foro coordinado por los pocos críticos que transitan todo el espectáculo de Rosario, porque a los teatreros también nos interesaría saber cuál es el criterio que toman estos periodistas para evaluar nuestros trabajos, ya sea para coincidir o debatirlo".

El planteo de Ceballos, apunta a abrir el abanico de un juego que interrelaciona distintos factores y que en general sigue funcionando sin grandes puntos de contacto entre los diferentes protagonistas del movimiento teatral rosarino.

"Los teatreros, por otra parte, no nos juntamos por prejuicios: Si aquel tiene más o menos experiencia, o yo no coincido con tal poética y por eso no la voy a ver. De esta manera estamos separados la gente que hace teatro entre sí y los periodistas a los que en algunos casos no sabemos de qué forma atraer para que vengan a ver nuestros espectáculos", explicó Ceballos.

A la ya clásica y remanida pregunta acerca de la ausencia de espectadores, este experimentado director se adelanta a conjeturar con otro interrogante: "¿Cómo se van a acercar los espectadores al teatro, si los que tienen que estar juntos no estan juntos?". Y agregó que "de eso se trata, de juntarnos y fortalecer algunos espacios como el que tuvimos el año pasado en el Centro Cultural Bernardino Rivadavia (Ciclo "Qué ves cuando me ves") para que podamos debatir acerca de nuestros trabajos y de la problemática del teatro en Rosario. Un espacio para acercar espectadores, un lugar donde podamos escucharnos y escuchar las voces de los que ven nuestros trabajos con una mirada crítica", señaló el director rosarino.

Pero este asunto es de vieja data, y el propio director que este año vuelve a reponer la obra "Una renga sin amparo", plantea que desde el comienzo su carrera teatral escucha los mismos planteos sin ninguna instancia superadora hasta el momento. "Yo empecé teatro en el año 1968 y ya en esa época venía escuchando que los grupos seguían discutiendo lo mismo, pasaron 42 años y seguimos con cuestiones como: Tal director no se junta con el otro porque cree que es mejor que el otro y el crítico no va por tal cosa, y en el medio de todo esto, el espectador queda como shockeado".

-Tu experiencia con "El Conventillo de la paloma" y con "Babilonia" difieren de esta situación, allí aparece un público genuino.

-El público agradece porque es lo que querrá ver más allá de la calidad. En "Babilonia" hay una escenografia sugerida, entonces no les resulta extraño el espacio, se sienten identificados, y por la ascendencia europea que todos en alguna manera tienen, se sienten ligados. Hay muchos casos de espectadores que vinieron dos veces a verla.

Frente a este fenómeno, el también responsable de uno de los talleres teatrales de mayor repercusión a nivel de la historia local, contrapone la mirada de ciertos actores jóvenes que destacaron su trabajo pero que no se sienten tentados por el abordaje de estos textos. "Quizás más cercanos a las llamadas `nuevas tendencias', a algunos actores jóvenes que fueron a ver la obra, les gustó el trabajo de puesta, la música en vivo. Pero me dijeron que ellos no harían ese texto, o sea no les interesan los clásicos nacionales. Yo opino todo lo contrario, creo que hay que volver a los clásicos y mantenerlos, sin dejar de lado lo experimental con lo que sigo trabajando en mis talleres", fundamentó Ceballos.

En marzo, "Babilonia" (Una hora entre criados) del siempre vigente Armando Discépolo, vuelve a la Sala Amigos del Arte (3 de febrero 755) para quedarse en esa sala que la vió nacer en su puesta histórica,por lo menos tres meses en cartel. "Quiero agradecer a la sala, poder encontrar una espacio como Amigos del arte que nos banque cinco meses seguidos el mismo día , en principio el año pasado habíamos acordado 3 meses, porque en los dos primeros sabíamos que el publico en su mayoría estaría integrado por las relaciones y los contactos del elenco, pero se agregaron 2 meses más por el boca a boca o los periodistas que habían destacado nuestro trabajo, esto suma y hace que aparezcan nuevos espectadores", se entusiasma Ceballos.

En el plano de lo experimental, el creador del Teatro Libre de Rosario, vuelve este año, con "Una renga sin amparo" otro de sus trabajos estrenado en el 2009 y que pertenece a la Compañía teatral "El quiebre".

"El grupo nace en el 2006 con `Juegos a la hora de la siesta', como desprendimiento de Teatro Libre Rosario que desde 1987 al 2005 funcionó ininterrumpidamente. El objetivo que se propuso esta compañía es que entre todos hagamos de todo, yo soy un integrante más porque la cuestión pasa por nivelar la información".

El grupo, además de Ceballos, está compuesto por Leo Zucca, Maria Borgobello, Tania Escaglioni e Irupé Vitali, responsable esta última de la dramaturgia de una obra que se podrá ver en bares pero que también apunta a un circuito social que incluya escuelas y barrios carenciados.

En la nota del balance teatral del año pasado algunas opiniones de los protagonistas de la movida teatral rosarina, volvían sobre el siempre polémico tema de la producción y su relación con la postergada profesionalización de los artistas locales y su incidencia directa en la conformación de un público que legitime la oferta vernácula. A fines del año 2009 un grupo de teatreros rosarinos, sientan las bases de lo que hoy es "Teatro en Rosario", un espacio que pretende abordar este y otros temas, tratando de mejorar las condiciones en las que se realiza la producción y la difusión de sus obras. Ricardo Arias, Esteban Goicoechea, Paula García Jurado, Yanina Mennelli y Bárbara Peters, en representación de este grupo de grupos, como les gusta denominarlo, dialogaron con Rosario/12 para intervenir en un debate que se abre a la comunidad toda, con propuestas integradoras y proyectos a corto y mediano plazo.

Para la actriz Yanina Mennelli, esta iniciativa nace a partir de la ausencia del público en las salas y las dificultades para mantener una programación con continuidad. Comienzan entonces las charlas con Paula Fernández, Gustavo Guirado, Romina Mazzadi Arro, Miguel Bosco, Claudia Shujman y Elisabet Cunsolo, que se suman integrando la movida.

El actor y director Ricardo Arias sale al cruce de estas apreciaciones para destacar la pluralidad de los integantes de un movimiento que sigue creciendo, mientras gestiona legalmente la forma de una Asociación civil sin fines de lucro. "Todos tenemos una visión distinta de nuestra realidad, pero compartimos muchos proyectos. Yo personalmente creo que la gente va al teatro pero no es mucha y tampoco regular: El problema es que vaya con cierta regularidad, para que se puedan sostener nuestros trabajos, sin pérdidas y sin tener que recurrir siempre a los consabidos subsidios oficiales".

Todos coinciden en que este intento por agruparse para difundir el trabajo y la proyección en el medio, se viene planteando desde hace un tiempo pero que recién ahora encuentran la herramienta precisa para llevar adelante estas propuestas.

-¿El proyecto admite la integración de nuevos integrantes?

-Ese tema fue y vino varias veces, al no tener desde el principio cerrados los objetivos, si lo abríamos demasiado iba a quedar como un estado de asamblea que no define posiciones. Surgió entonces la idea de convocar a la gente para que participe de la cartelera de la página web (www.teatroenrosario.com) o para que directamente se asocie comenta García Jurado.

Por su parte Arias, que es casi la voz cantante del grupo, admite que esta es una cuestión dificil de abordar ya que está en juego la identidad de cada integrante y las acciones a seguir, tratando de que no se pierdan los objetivos propios al sumarse a las propuestas de los otros. "Lo que nos ha movido históricamente a los teatreros, fueron las demandas a las instituciones gubernamentales con respecto a las políticas culturales que tenían que llevar adelante. Este es un tema delicado para hacer una convocatoria amplia y todavia no es nuestra prioridad, ahora lo que nos unió para llevar adelante este emprendimiento son los años de conocimiento y trabajos concretos, de producir obras juntos, de actuar, de relacionarnos a partir de nuestro hacer" agrega el protagonista de "El Hablante".

Los integrantes de "Teatro en Rosario" son referentes del quehacer teatral local, formando parte de grupos como "Hijos de Roche", "PuntoOteatro", "Pata de musa teatro" o la "Clínica de Producción de espectáculos". Colectivos con una trayectoria dedicada a la búsqueda de estéticas propias que han generado producciones destacadas a nivel nacional.

"Tenemos afinidad en el plano de algunas ideas, en los sentimientos, y en lo estético, en la concepción del trabajo. Pretendemos brindar un servicio a los otros grupos, a la comunidad, un trabajo solidario, ese es nuestro modo de invitar a la gente a participar. Sin asociados no podemos funcionar, ese es el modo que hoy encontramos para incorporar a la gente, no estamos conformando un nuevo grupo de teatro", aclara Peters ("Raspando la cruz", "Insoportable, el término de un largo día")

El actor, director y dramaturgo Esteban Goicoechea ("Pata de Musa teatro") comparte con Arias la importancia de plantear el tema de la profesionalización: "La gran mayoría no vive de este trabajo, en este grupo de grupos tratamos de dar un paso más allá con la temática de la producción, hay una organización interna que funciona en comisiones, eso es bueno para la producción de cada obra, y a un año de funcionar ya se ven los resultados".

Con respecto a esta cuestión, Arias ("Mujeres oscuras", "Ricardo III") cree que el tema aparece en primera instancia vinculado a la necesidad de poder vivir de lo que uno hace y se asocia inmediatamente a la posibilidad de vivir de la actuación. "Hay algo que salió en tu balance, en la nota del domingo pasado, y que rescato con respecto a esto de la profesionalización. Para mí se trata de producir sin perder la vinculación con lo que estamos haciendo, generar condiciones que nos permitan llevar adelante nuestro trabajo, no desvincular el arte para vincularse a la industria, no queremos formar una empresa teatral".

Una de las claves para entender la propuesta de este nuevo espacio que se abre en una ciudad que poco reflexiona acerca de sus propias creaciones, es precisamente el nombre que sus integrantes decidieron adjudicarle

"Son palabras claves: teatro y Rosario, somos una parte chica de lo que se produce acá y hay que subrayar que se hace acá, eso que alguna vez se dijo desde un lugar oficial ,"el son de acá", pero están allá, es muy fuerte en el discurso cultural, es como darle un reconocimiento al que triunfa afuera, nadie es profeta en su tierra, esto implica una elección de vida, ir a Buenos Aires, implica cambiar de forma de vida y de propuestas, aquí entablamos otros tipos de lucha" fundamenta Arias

Para finalizar,los integrantes de "Teatro en Rosario" ,reafirman dos de sus principales objetivos: " por un lado ampliar la cantidad de espectadores, pero también mejorar las instancias de producción y de presentación de las obras, tratando de mejorar las condiciones de las salas en las que se representan estos trabajos."

En el acostumbrado espacio del balance del año a nivel teatral, sería interesante intentar al menos este año, una mirada que sobrevuele más allá de las consabidas crónicas donde se destaca lo más logrado de lo que se produjo en el 2010. Estrenos y re estrenos, continuidades de búsquedas de algunos grupos con más o menos trayectoria, nuevas camadas de jóvenes artistas provenientes de talleres y escuelas de teatro, de eso venimos hablando ya en esta habitual reseña que domingo tras domingo trata de acercar un panorama más o menos completo de mucho de lo que se produce en Rosario. Pensando más a futuro, es importante destacar tres proyectos que tienen que ver con una forma de producción que de consolidarse inauguraría una nueva y necesaria etapa en el desarrollo de las artes escénicas de la ciudad.

Por un lado "Sacco y Vanzetti", obra ganadora del Concurso de Co Producciones 2009 de la Secretaría de Cultura de la Municipalidad, por el otro "Canillita", producción del Teatro La Comedia y la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad y finalmente,la puesta en escena de "Babilonia", un sentido homenaje al director teatral Pepe Costa, dirigido por Eduardo Ceballos.

Tres propuestas que más allá de sus logros a nivel artístico y las observaciones que desde una mirada crítica se pudieran hacer, representan el embrión de un compromiso estético político con una modalidad de hacer teatro que en esta ciudad siempre se quedó en el intento.

No es casual que en estos reconocidos productos estrenados este año,reaparezcan junto a una cantidad importante de actores y actrices de distintas generaciones teatrales,tres nombres asociados con lo mejor del teatro independiente local: el actor y director David Edery, responsable de "Sacco y Vanzetti", el escenógrafo Hugo Salguero, artífice directo de la escenografía de "Canillita" y el desaparecido Pepe Costa que al frente de Teatrika logró con "Babilonia", uno de los éxitos más aplaudidos del teatro local.

Edery que recibió este mismo año el Premio Podestá otorgado por la Asociación Argentina de Actores a renombradas figuras del quehacer teatral nacional, inició su carrera en 1957 formando parte del histórico grupo "Centro Dramático del Litoral".

Salguero, un pionero de la puesta en escena,junto a Norberto Campos, creador de memorables trabajos como "La Casa de Bernarda Alba" en 1979 y la exitosa "Inodoro Pereyra", estrenada a principios de los 80.

En el caso de Canillita, la metodologia para la selección de actores, nucleando actrices y actores de diferente formacion y experiencia, habla de un indicio para consolidar la profesionalización.

En los tres grupos el intento por formar un elenco estable que inician una experiencia inédita para una ciudad donde no se conocen muchos antecedentes y a la que le hace mucha falta la profesionalizacion de sus artistas.

La elección de autores clásicos de la dramaturgia nacional, como Florencio Sánchez en el caso de Canillita, y Armando Discépolo en "Babilonia" y el prestigioso y contemporáneo Mauricio Kartun,creador del texto de "Sacco y Vanzetti".

Temáticas que pueden interesar a un amplio espectro de espectadores, obras comprometidas con lo social, pero al mismo tiempo llevadas a escena con un concepto del entretenimiento y pensando siempre en ese público ausente.

Proyectos que intentan generar una estrategia de producción, abriendo el abanico de posibilidades en una ciudad que hace tiempo es testigo de una movida de jóvenes directores, actores y grupos que intentan experimentar sin encontrar los lazos de pertenencia con la historia del teatro local.

Opinan los creadores (subtítulo)

La idea de esta nota fue compartir también el balance del año con los protagonistas de la movida teatral rosarina, aquí van algunas de las reflexiones de los que se sumaron a esta invitación.

La reconocida bailarina, coreógrafa, directora y docente Cristina Prates que reestrenó este año su último trabajo "Dolce Far niente" al frente de su grupo Seisenpunto, prefirió referirse a las actividades de sus colegas y seleccionó algunos trabajos que se presentaron a lo largo de este año.

"Me parece oportuno enumerar los logros de Cobai (Asociación de coreógrafos y bailarines independientes de Rosario), que reeditó "El Cruce" en su 10º aniversario, un encuentro que como siempre, reunió a bailarines y actores de nuestra ciudad, del país y del exterior, con una importante afluencia de público en salas y en espacios urbanos".

A manera de primicia para Rosario/12, Prates adelantó una noticia que servirá de estimulo para los organizadores de "El Cruce", ya que la edición número 11 de este Festival que se llevará a cabo el año que viene, acaba de recibir un subsidio otorgado por el programa de Cooperación Internacional Iberescena.

Prates que fue reconocida este año, como "Artista Distinguida de la Danza", por el Concejo Municipal de Rosario, es una de las pocas creadoras que asiste frecuentemente a los espectáculos de sus colegas, por eso su visión es más que calificada a la hora de seleccionar algunas propuestas de lo que vió en el año.

"Si bien no vi todo lo que se produjo, me gustaría destacar en danza teatro a `Oh Imperfecta`, de Paula Manaker, `Fiesta', de Ana Varela y `Después de mí', de Andrea Ramos. En teatro: `La familia argentina' y 'Rezo por mí', ambas de Rody Bertol, 'Canillita' , 'Sacco y Vanzetti' las producciones del grupo `Pata de Musa', `El Hablante' de David Farías y `Dionisos Aut', de Aldo El Jatib y en el rubro teatro de objetos, la obra de Mónica Martínez: `Omnis Terra'".

A la hora de fundamentar su elección, la creadora del emblemático Grupo Seisenpunto que festejó sus 30 años de trayectoria, reconoció que estas propuestas "enriquecen la escena local por lo que plantean, por sus ideas innovadoras y por el excelente empleo de distintos lenguajes entretejidos".

Por su parte el actor, docente y director Ricardo Arias, reflexionó acerca de su producción y a de los grupos relacionados con su entorno creativo.

"En lo personal este año hicimos funciones desde marzo a noviembre, con `Ricardo III`, `El Hablante' e `Insoportable', más el trabajo con `Teatro en Rosario', que aúna el esfuerzo de varios grupos y muchos compañeros, nosotros hacemos lo que hacemos a pesar de las condiciones y luchamos todo el tiempo por mejorarlas,sobre todo, en lo que respecta la difusión de nuestra actividad", dijo Arias.

"Hacemos teatro para pequeños grupos de espectadores y queremos compartir nuestro trabajo con la mayor cantidad de personas posible, lo de pequeños grupos es una elección, esto implica un posicionamiento claro frente a nuestra actividad, no somos parte de ninguna industria y no queremos serlo", señaló el creador e integrante de "PuntoOTeatro".

Arias adhiere a una postura que considera decisivamente ideológica y política con respecto a una forma de hacer teatro que no incluye lo comercial: "No hacemos productos vendibles, somos artistas, hacemos obras de arte y tratamos de hacerlo en un campo de dignidad en lo que hace a las relaciones de poder, relaciones que trascienden a nuestro ámbito en lo que hace a las políticas culturales de las que formamos parte".

Por su parte el actor, director y dramaturgo Esteban Goicoechea, integrante del prolífico grupo Pata de Musa Teatro, considera como muy positivo lo realizado en este año. "Estrenamos la cuarta producción del grupo, `Capot', tercera de nuestras obras que recibe el premio coproducciones, las cuatro obras estuvieron en cartel y con las mismas participamos en más de diez festivales de teatro en diferentes provincias (Capital Federal, Río Negro, Santa Fe, Entre Ríos, Córdoba, Tucumán, etc.), entre ellos `Mirta Muerta' que fue seleccionada en la Fiesta Provincial para participar en la Fiesta Regional del INT".

Los Pata de Musa parecen haber encontrado a partir del estreno de su performance callejera "Capot", alguna de las claves para llevar más espectadores al resto de sus trabajos teatrales.

"La respuesta, tiene que ver con uno de los objetivos propuestos y fue mejor de lo que esperabamos: gente que antes no concurría a nuestras propuestas de sala, ahora no sólo vieron esta obra callejera sino que se movilizaron a ver los otros espectáculos del grupo", afirma Goicoechea.

Otro de los temas que siguen desvelando a los teatristas locales, es la producción y en este caso, Pata de Musa, reconoce haber aceitado mecanismos del funcionamiento interno del grupo que profesionalizaron más la labor.

"Pero la inversión de tiempo y energía en cada nueva producción sigue estando limitada porque los recursos económicos no alcanzan para percibir honorarios por actuar, dirigir o escribir y cada uno de los integrantes, como la inmensa mayoría en la ciudad, debe solventarse con otro trabajo paralelo", plantean a manera de sintesis de una realidad que se repite año tras año.

Este tema es compartido por el actor, director y docente Gustavo Guirado que este año tuvo una destacada actuación como protagonista en la reposición de "Ricardo III" y como director en su última obra "La quema" y en España al frente de "Naturaleza Rota".

"Yo noto que una porción importante del público habitual de nuestros trabajos nos ha abandonado, no digo definitivamente, pero es la primera vez que sucede, todo un núcleo de espectadores que esperaba los estrenos de algunos de nosotros, ahora no va a ver las obras, pero insiste en decir que quiere verlas", explicó el actor.

Extraña paradoja la que plantea Guirado ya que se trata de trabajos que han obtenido el reconocimiento tanto de la prensa como de el público que sigue de cerca su búsqueda estética. "Es la primera vez que nuestro tan mentado `boca a boca' no funciona, seguramente tenemos responsabilidad de que esto sea así, además la precariedad de los espacios en los que funcionamos tienen que ver con esto y desde luego la falta de políticas culturales que nos den una mano", plantea el realizador de "Medea", que también confirma por otra parte la agudización de la pérdida del interés del público por ver teatro.

La actriz y directora de Rosarioteatro, Mónica Toquero, seleccionada este año para integrar el elenco de "Canillita" se plantea una doble lectura de la realidad teatral, tanto desde el lugar de artista independiente como integrante de un elenco consensuado por un ente oficial.

"En lo que respecta a los grupos independientes este fue un año muy difícil en cuanto a la ardua tarea de interesar al público, creo que entre todos debemos plantearnos de una buena vez qué debemos hacer para que esto se modifique, tantas cosas podríamos hacer si cada uno dejara de cuidar "su quintita", afirmó Toquero.

Como actriz, la creadora del grupo Rosarioteatro, destaca la posibilidad de integrar un proyecto como el de "Canillita" que se presentó este mes en el Teatro Cervantes de la ciudad de Buenos Aires

" Fue muy importante la producción de "Canillita" que culminó con esa función soñada en el Cervantes, fue un casting abierto y claro, donde todos tuvimos la misma oportunidad, tan clara que culminó formando un elenco de una heterogeneidad pocas veces vista , pero que, merced al exigente trabajo realizado resultó de una homogeneidad fuerte y conmovedora. Espero que este sea un puntapié inicial para otras producciones como esta".

La actriz ("Ricardo III", "Raspando la cruz") se refirió a las dificultades que implica hacer teatro en los últimos años debido a la poca afluencia de espectadores en las salas. "A diferencia de los años anteriores, decidimos juntarnos un grupo de actores y directores para ver qué hacíamos al respecto y así formamos `Teatro en Rosario', que consta de un sitio web, con cartelera que esperamos incluya toda la actividad teatral de nuestra ciudad, y un folleto trimestral para ser repartido en bares, salas, cines, centros culturales y hoteles".