Página#12 Libre

Esta noche, a las 21, en La Pacheta Cultural se llevará adelante la primera edición de "Un teatrito en el poema", ciclo de lecturas de poesía que, según los organizadores, estarán "orquestadas con imágenes, gestos, música, autofiguraciones y personajes". Tomando como título palabras de Arturo Carrera, el ciclo abrirá con las lecturas que Beatriz Vignoli, Mercedes Gómez y el poeta peruano Miguel Fuentes Gallegos realizarán junto a proyecciones y videopoemas. Además, se presentará la cantante lírica Natalia Bocco y el grupo de música y poesía Marcos Ramos y Los Nietos del Abismo.

Coordinadora junto a Cristian Molina, Irina Garbatzky repasó el proceso que derivó en la creación del ciclo: "Nuestra primer propuesta fue hacia los poetas que quisieran armar una lectura de su propia poesía, o de poemas de otros, con una puesta escénica. Les ofrecimos diferentes dispositivos, un proyector, una pantalla, la posibilidad de trabajar con sonido, y les dimos un tiempo de más o menos un mes para que ellos pudieran pensar en una lectura de poesía que al mismo tiempo tuviera características de puesta escénica".

"La idea es pensar también en cómo cierta teatralidad a veces condensa los poemas --explicó Garbatzky--. Que incluso puede darse en el diálogo entre poemas, o en el caso de la lectura de poemas de otros, el diálogo que se da entre la propia poética y la poética ajena. Hay diálogos que tienen que ver con los gestos, con la figuración, la historia personal. También un poco con la idea de jugar un poco, de distender esto. Entonces me parece que lo que va a salir en esta primer lectura va a tener bastante de varieté, de diferentes cosas".

Con una periodicidad mensual, "Un teatrito en el poema" buscará sumar voces de distintos países, y reunir en el ciclo a poetas que incluso no estén habituados a la performance. Por el momento, son ésos los lineamientos, ya que, según la coordinadora, todavía no se definieron criterios temáticos. "Aunque sí tenemos poetas a los que nos gustaría invitar", anticipó, dejando abiertas las puertas de este ciclo novedoso.

Las islas de la Madeleine conforman un archipiélago del golfo de San Lorenzo, a 200 kilómetros de la costa de Québec, en Canadá. Allí, en dialecto acadio la palabra éloize significa rayo de calor, y fue ése el término elegido por un grupo de artistas locales para fundar, en 1993, una pequeña compañía circense. Entre los siete integrantes se encontraba Jeannot Painchaud quien cinco años más tarde se convertiría en director general y artístico de un grupo que rápidamente se transformó en referente del arte circense de Canadá. Estrenada en 2004, Rain es la quinta producción del Cirque Eloize, con la que mañana (a las 21), el viernes y sábado (a las 22) y el domingo (desde las 19) arribarán al teatro El Círculo.

Después del debut con una obra que llevó su mismo nombre --y que se presentó en 1993--, el Cirque Eloize produjo Excentricus (1997), Cirque orchestra (1999) y Nomade, espectáculo estrenado en 2002 donde la compañía sumó por primera vez al director, autor y coreógrafo suizo Daniele Finzi Pasca. Dos años más tarde, fue él mismo el que le dio forma a Rain, un trabajo sobre el que suele explicar: "La historia se desarrolla en un teatro donde un espectáculo de circo se está ensayando, donde ficción y realidad se confunden. Las miradas de los protagonistas revelan pequeñas historias de amor, pasiones secretas y destellos de intimidad. Su fragilidad brota lentamente. Emerge en el último esfuerzo, en la búsqueda del equilibrio al extremo. Los artistas provienen de un tiempo pasado, de antiguos personajes salidos de viejos retratos, atractivos y fuertes como lo eran nuestros abuelos. Después, está el cielo, un vasto cielo".

Uno de esos personajes es encarnado por el estadounidense Jonathon Roitman, quien en su arribo a la ciudad, y en diálogo con Rosario/12, repasó algunas cualidades del espectáculo y de la propia compañía. "Uno de los aspectos que hace que el Cirque Eloize sea una propuesta diferente tiene que ver con la energía y creatividad de los integrantes, y el hecho de que los artistas se interpretan a sí mismos --apuntó--. En las obras no interpretamos personajes, sino que somos nosotros mismos. Incluso cuando reemplazamos a otro artista en un show, el show cambia en sí mismo".

En el carácter personal que cada participante imprime a la propuesta radica una de las características centrales del Eloize. "Es una de las cosas que más me gustan de estar en un circo --remarcó Roitman--. Pero incluso en algunos circos sólo se trata de mostrar lo que uno es capaz de hacer, mientras que en Rain estás pensando que todo el show se trata de tu propia historia, estás pensando en cosas que te pasaron cuando eras chico. Es un espectáculo sobre muchas cosas, pero especialmente la nostalgia por la juventud. Entonces durante todo el show vas construyendo tu propia historia, incluso para los que estamos sobre el escenario".

De esa manera, la obra ideada por Finzi Pasca se fue amoldando a la aparición de distintos intérpretes, según distinguió Roitman: "Parte del elenco que participaba cuando la obra se estrenó en 2004 ya no está más en el circo, entonces hicimos los cambios necesarios. Mucha de la escritura está relacionada con Daniele, con lo que quería expresar, y dependió también de los doce artistas originales, de sus historias y sus personalidades sobre el escenario. Cuando se fueron reemplazando, nosotros asumimos esas personalidades pero las interpretamos a nuestra manera. De todas formas, el orden de los actos, y los actos en sí mismos, se mantienen. Lo que ha cambiado es lo que ocurre dentro de esos actos".

En el show, Roitman realiza actos acrobáticos de fuerza, banquine, barra rusa, rueda cyr, trampolín, contorsión y malabarismo, además de tocar el saxo. Esa multiplicidad de roles se sostiene en el resto de los intérpretes, entre los que se cuentan las polacas Natalia Adamiecka (bungee, banquine, barra rusa, trapecio doble fijo, rueda cyr, balancín, tela acrobática, balanceo, malabarismo y pandereta) y Angelina Kogut (trapecio, banquine, barra rusa, balancín, tela y carillón), el inglés Ashley Carr (palos chinos, banquine, barra rusa, actos acrobáticos de fuerza, balancín, malabarismo y clarinete), las canadienses Valérie Doucet (fuerza y destreza, contorsión, tela, swinging club y concertina), Emilie Grenon Emiroglou (fuerza y destreza, trapecio doble fijo, tela, aro aéreo) y Anna Ward (rueda cyr, tela, balanceo, pandero y trompeta), el suizo Philippe Dreyfuss (fuerza, balancín, contorsión y malabarismo), el canadiense Yann Leblanc (banquine, barra rusa, balancín, fuerza, contorsión y malabarismo) y los polacos Tomasz Ludwicki (fuerza, balancín, mano a mano y platillos) y Lukasz Misztela (tabla balancín, contorsión y mano a mano).

A ellos se suman además Jocelyn Bigras y Benoit Landry en piano y acordeón, completando un elenco que recrea, desde el presente, la magia de otros tiempos.

Florencia Battiti, Cecilia Fiel y Adriana Lauria son las tres curadoras que convocó el Programa Argentina Pinta Bien para relevar la escena del arte contemporáneo en Santa Fe. El resultado es una muestra colectiva, Arte de Santa Fe, que se inaugura pasado mañana jueves en el Museo Castagnino + macro (Avenida Pellegrini 2202, Rosario).

Con esta muestra, Santa Fe se suma a las 21 provincias en las que se llevó a cabo el Programa Argentina Pinta Bien, que fue desarrollado en el año 2003 por la Fundación YPF, el Centro Cultural Recoleta - dependiente del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires- y su Asociación Amigos, con el objetivo de difundir la obra de artistas contemporáneos de las distintas provincias del país. Antes de la apertura, habrá una charla debate esta noche a las 19.30 horas en La Toma-Galería de Arte + Espacio Multidisciplinar (Tucumán 1349, subsuelo), Bajo el lema "Curaduría pese a todo", las curadoras dialogarán con los artistas Carlos Herrera y Fernanda Aquere sobre las complejidades de la escena del arte contemporáneo en Santa Fe.

Esta exposición llega a Rosario luego de casi un mes en el Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez (Santa Fe) desde el 12 de marzo. Fueron seleccionados 76 artistas y colectivos artísticos de distintas generaciones y de diversas ciudades. Se buscó dar un amplio panorama del arte contemporáneo de la provincia, abarcando una diversidad de técnicas y disciplinas. Los artistas son: Juan Andereggen, Carolina Antoniadis, Fernanda Aquere, Leo Battistelli, César Benzi, Corina Bolzico, Max Cachimba, Fabricio Caiazza, Eugenia Calvo, Lorena Cardona, Javier Carricajo, Luján Castellani, Leandro Comba, Ariel Costa & Pauline Fondevila, Nicola Costantino, Raúl Cottone, Leticia Cruz, Raúl D'Amelio, Claudia del Río, Alvaro Dorigo, Andrés Dorigo, Roberto Echen, Sergio Fasola, Ana Gallardo, Aurelio García, Daniel García, Gonzalo Gatto, Laura Glusman, Mauro Guzmán, Carlos Herrera, Pedro Iacomuzzi, Fabiana Imola, Alfonso "Ponchi" Insaurralde, Enio Iommi, La Herrmana Favorita, Florencia La Orden, Silvia Lenardón, Marcos López, Pablo Lovino, María Elena Machuca, David Maggioni, Enzo Mansilla, Fabián Marcaccio, Abel Monasterolo, Georgina Moschino, Virginia Negri, Adolfo Nigro, Andrea Ostera, Rodolfo Perassi, Sebastián Pinciroli, Norberto Puzzolo, Mariano Raffo, Jorge Luis Roces, Luis Rodríguez, Cintia Romero, Maxi Rosini, Graciela Sacco, Bárbara Sandoz, Nico Sara, Eduardo Serón, Lila Siegrist, Michele Siquot, Rosana Storti, Elisa Strada, Alejandra Tavolini, Mariana Tellería, Ariel Trevisan, Carlos Trilnick, Horacio Lacho Vallejo, Diego Vergara, Adrián Villar Rojas, Marcelo Villegas, Román Vitali, Leandro Yadanza y Dolores Zini Juan Maidagan.

Arte Santa Fe es una muestra compuesta por obras que recorren el amplio espectro de las expresiones contemporáneas: hay dibujo, pintura, collage, cerámica y escultura, disciplinas a las que se suman fotografía, video, arte digital, net art (arte para la red) e instalaciones multimedia que reflejan, en gran medida, la producción artística de la provincia.

En todas las provincias, los organizadores cuentan con la colaboración de instituciones y entes de gobierno, en este caso el Ministerio de Innovación y Cultura de la Provincia de Santa Fe y la Secretaría de Cultura y Educación de la Ciudad de Rosario. La muestra podrá visitarse de miércoles a lunes de 14 a 20 y los sábados, domingos y feriados de 14 a 19, hasta el 23 de mayo.

A partir de una larga tradición de grupos de familia y de mesas del domingo en el cine argentino, que parten de aquellos años treinta, y que ha convocado a actores que se movían por igual entre el teatro costumbrista y el sainete porteño, un título como Los Marziano puede llevar a pensar que estamos ante una historia que nos recuerde a films de la línea de Los Campanelli, o bien de Esperando la carroza, pasando por aquella entrega semanal, de hace ya algunas décadas, La Familia Falcón.

Quien vaya a ver Los Marziano esperando encontrarse con algunos de estos tan ya estereotipados rasgos puede llegar a sentirse desilusionado; a no ser que acepte este viraje que le imprime su directora a un disfuncional grupo familiar, en el que a partir de ciertas situaciones imprevistas y cotidianas alguien puede llegar, sin darse cuenta, a caerse en un pozo.

Desde este lugar, puedo afirmar que el nuevo film de Ana Katz, a quien ya conocimos por El juego de la silla y La novia errante (ambos con limitada permanencia en cartelera) en una propuesta que se conecta con un aparente formato televisivo, con reconocibles actores de este medio, pero que se aleja de las convenciones tranquilizadoras del relato Standard. Y en su transcurrir es probable que gran parte de los espectadores experimenten una sensación de asombro y de desconcierto, tal como aquellos que en un momento dado del film ven cómo el personaje que compone Guillermo Francella, Juan Marziano, atraviesa inmutable una puerta de vidrio que estalla en mil pedazos hasta su agigantada y estridente pulverización.

Y ¿cómo definir a Los Marziano, entonces, y de igual manera al film de Sebastián Borensztein, Un cuento chino?. Afortunadamente, como dos propuestas que se internan en un espacio al que el cine Standard sólo ha mirado de manera central y organizada. En tal caso, desde la temática de los enfrentamientos silenciosos de los grupos familiares, de los recelos asordinados, de los intentos de acercamiento, estamos ante un film que presenta algunas notas de humor y simultáneamente de dilatada tristeza; pese a que la primera tendencia y reacción de cierto sector de la platea es comenzar a reírse tan pronto el personaje que asume Guillermo Francella, desde su condición de visitante afectado por un problema de visión, se hace presente en la pantalla.

Si la emotividad se hace presente en este film, la misma no llega a partir de situaciones resueltas de manera reconocibles. La misma se va expandiendo desde los dos personajes femeninos, quienes pausadamente, obran de nexo y puente, particularmente el que cumple de manera sensible Rita Cortese, quien encarna a Delfina Marziano. Del otro lado del teléfono en su pendular insomne, el otro Marziano, Luis, junto a su mujer Nena, roles a cargo de Arturo Puig y Mercedes Morán, quienes habitan un country que se verá amenazado por algunas trampas; situaciones que le otorgan al film ese aire de lo absurdo que se vuelven localizables en otros pasajes. Trampas que abren grietas, que marcan tal vez, una ruptura con un estado de alienación.

Desde una mirada distanciada, que permite acentuar la observación, que escenifica esa locura cotidiana de lo que a veces algunos llaman "un sin sentido", Los Marziano se atreve a reformular aquellas fórmulas que aseguran sí un éxito de la taquilla y que invita a nosotros, los espectadores, a pensarse en la escena de sus afectos desde una perspectiva crítica, en la que se asoman por igual el dolor y la alegría, el deseo y las imposibilidades, los aciertos y los quiebres.

Los Marziano. 8 (ocho) puntos.

Argentina, 2011

Dirección: Ana Katz

Guión: Ana y Daniel Katz.

Fotografía: Julián Apesteguía.

Montaje: Andrés Tamborino

Intérpretes: Arturo Puig, Rita Cortese, Guillermo Francella, Mercedes Morán, Daniel Hendler.

Duración: 90 minutos.

Salas de estreno: Monumental, Showcase, Sunstar y Village.

La propuesta de Nunca me abandones parece acorde con otro cine, el de hace un tiempo atrás, cuando la ciencia ficción saludaba de manera imprevista a través del cine de realizadores como Stanley Kubrick (2001: una odisea del espacio), Andrei Tarkovski (Solaris), Jean Luc Godard (Alphaville) o, sobre todo, Volker Schlöndorff (Entre la furia y el éxtasis).

Es a partir de un relato en off, que sitúa la trama a la manera de un extenso racconto, como el film de Mark Romanek (Retratos de una obsesión) se sumerge en un tiempo pasado, mediando los años '70, en un correccional inglés donde niños sin padres son adoctrinados de modo severo. La amistad aparece a partir de la atención de una niña al maltratado reiterado sobre uno de los niños. Más una tercera en discordia que oscilará entre ambos, modelando el afecto de maneras tales como sólo el paso del tiempo puede saber.

Pero esto no es todo, porque para adentrarse en ese tiempo ocurrido, el breve prólogo escrito de la película oficia a modo de advertencia, ya que fue en 1952 cuando la medicina dio el gran paso y pudo curar, para siempre, lo incurable. Es entonces que Nunca me abandones --basada en el libro de Kazuo Ishiguro- se circunscribe desde un tiempo paralelo pero muy parecido, así como en la literatura de Philip K. Dick.

Pero nada de paranoia entre alteraciones temporales sino que, mejor dicho, el film se piensa como una ucronía, como un "qué hubiese pasado si" o, aquí la paradoja mejor, como un "qué pasaría si". Porque la ciencia médica necesita, para sus logros, para cumplir con la promesa de la vida prolongada, de un acervo experimental, de una fuente de provisiones.

Será una maestra la que abra los ojos a estos niños, para luego ser expulsada a ese otro lado de un mundo del que no se sabe demasiado, del que --se sospecha- debe ser más o menos como el que transcurre dentro de las paredes y sus límites. El tiempo ocurre, las relaciones se acentúan pero se distancian, y los desplazamientos se suceden hasta llegar al momento crítico previsto, aquél que significa el cumplimiento de la función para la que se los ha engendrado.

Deshechos sin alma: ésta podría ser una de las maneras de definir y entender el lugar que la sociedad les ha brindado, cuando ya adolescentes y curiosos crean encontrar un reflejo humano exacto allí donde el acceso social les ha sido vedado. Drogadictos, criminales, pobres, cumplirán, entonces, el lugar de la mejor hipótesis paterna. Algo que, de todos modos, no inhibe la aparición del amor y la corroboración de un alma tan humana como la de cualquiera.

Así como sucedía en Los amantes crucificados (1954), de Kenji Mizoguchi, es entre la muerte y el castigo donde todavía brilla el milagro de la sonrisa entre los seres amados, capaz de jaquear al orden más seguro, al mundo más gris, así como a una vida ilusoriamente inmortal.

Nunca me abandones. 8 (ocho) puntos.

(Never Let Me Go)

EE.UU./Inglaterra, 2010

Dirección: Mark Romanek.

Guión: Alex Garland, a partir de la novela de Kazuo Ishiguro.

Fotografía: Adam Kimmel.

Música: Rachel Portman.

Montaje: Barney Pilling.

Intérpretes: Carey Mulligan, Andrew Garfield, Keira Knightley, Charlotte Rampling, Izzy Meikle Small, Charlie Rowe.

Duración: 103 minutos.

Salas: Monumental, Showcase, Sunstar, Village.

El grupo Rosarioteatro presenta el próximo sábado a las 22, en Jekyll y Hayde (Mitre esquina Zabala) "La Culpa es de Niní", obra de Graciela Ballesteros dirigida por Mónica Toquero. Esta propuesta interpretada por Andrea López Mediza, Virginia Alvarez y Mariela Feugeas, se desarrolla a partir de distintos monólogos de humor que intentan abordar el tragicómico tema de la insoportable "levedad" del sexo femenino.

Tres dúctiles actrices serán las portadoras de las inquietudes y los desconciertos de tres tipos bien definidos de mujeres: las solteras, las divorciadas y las casadas, todas se plantean según la autora, interrogantes del estilo: "existe el hombre ideal", el divorcio es una experiencia aleccionadora", los hijos son la sal de la vida".

Rosarioteatro es uno de los grupos locales con más de 10 años de trayectoria y un repertorio que precisamente se ha caracterizado por abordar las distintas facetas del mundo femenino a partir de obras como "Mamaniáticas", "Igualita a mi mamá" o "Verona".

Sueltas de libros, leer la ciudad, leer las lápidas del cementerio "El Salvador" como patrimonio cultural fueron sólo algunas de las actividades de la muy convocante II Semana del libro y la lectura organizada por Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Rosario, signada por la idea de la lectura como concepto que supera al libro.

"A esto le sumamos la Noche de las Librerías", dijo el secretario municipal de Cultura, Horacio Ríos, en entrevista con Rosario/12, refiriéndose a la noche de librerías abiertas hasta medianoche, evento inspirado en experiencias similares realizadas en otras partes del mundo.

"No hay sectores en esto, como sí los puede haber en la literatura. Lo que buscamos es que la gente donde quiera atravesar esto lo pueda hacer. Si va a la biblioteca, si va a escuchar, si va a leer, si simplemente va a agarrar un libro en un parque, si va a ir a escuchar el Coloquio, si va a ir a la noche a una librería, o si se va a quedar escuchando un grupo de música. Por ejemplo sumamos la recuperación de la temporada de 'Hasta que se aviven', programa infantil para chicos de 4 a 8 años que habíamos hecho con Canal 3. Se trata de un sereno en la Biblioteca Argentina, que fomenta la lectura para chicos, recomienda libros y convive con marionetas que le enseñan los valores de la literatura. Por su parte el objetivo del Coloquio, avalado por una resolución ministerial, es atraer a docentes", explica Ríos.

"Rosario, hacia una ciudad lectora", fue la consigna del Coloquio organizado en el Centro Cultural Parque de España, que tuvo una amplia convocatoria. La intensidad de esta segunda Semana de la Lectura hace pensar que la frase va camino de convertirse en realidad. En la última jornada del Coloquio, el viernes, desde la primera mesa se plantearon propuestas inclusivas u "otras formas de lectura" consistentes en "Leer con las manos, escuchar con los ojos". Hablaron Adriana Andrada, del Proyecto "Cuentos a mano" de la Asociación de Artes y Señas (ADAS) de Buenos Aires, y Teresa Montero, del Servicio de Lectura Accesible para Personas con Discapacidad Visual de la Biblioteca Argentina de Rosario. Luego, las panelistas Claudia Martínez, del proyecto "La Cachilo te cuenta" de la Biblioteca Popular Cachilo, y Adriana Redondo, del Programa Biblioteca Nacional de Maestros del Ministerio de Educación de la Nación, compartieron sus experiencias de gestión de bibliotecas para la comunidad bajo el lema "La lectura y la biblioteca. Una relación que se renueva". La lectura al margen del libro y las nuevas formas de leer fueron el eje de las disertaciones de Gabriel Cirelli, uno de los editores de la revista electrónica rosarina ese, junto a Graciela Pérez Aguilar ("La Biblio de los Chicos") y la escritora y formadora de docentes María Cristina Alonso.

Más temprano tuvo lugar la Jornada de Inauguración de la Biblioteca Profesor Carlos Fuentealba, en la Facultad de Humanidades y Artes. La organizaron la Escuela de Ciencias de la Educación de la FHyA UNR, la Biblioteca Profesor Carlos Fuentealba y su equipo de trabajo, y la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Rosario en el marco de la Semana del libro y la lectura. En el primer panel, las ponencias respondieron a la pregunta: ¿Qué leen los cientistas de la educación? Participaron como disertantes la Dra. Marta Brovelli, la Dra. Silvia Serra, y la Prof. Natalia García, con la coordinación de Juliana Morán. En el acto formal de inauguración, coordinado por Diego Laporta, presentaron la Biblioteca la Magister Silvia Morelli, la Lic. Paula Caldo y la Prof. Julia Scialla. Finalmente, la Prof. Graciela Rabajoli (CEIBAL), el Dr. Fabiano Dos Santos (Brasil) y Fernando Tascón (Especialista en Educación Digital) fueron los panelistas de la mesa redonda que coordinó Julia Scialla.

Además, en una semana llena de actividades en toda la ciudad y a todos los niveles, se lucieron los escritores contemporáneos y su espacio de lucimiento fue la lectura como espectáculo, en ámbitos cálidos como librerías y bares. La escritora rosarina Patricia Suárez, radicada en Buenos Aires, viajó especialmente a Rosario invitada por la Secretaría de Cultura y conmovió a los oyentes con un cuento que leyó de un tirón en el marco del ciclo Arte por la Paz. Es el undécimo año en que Bernardo Conde organiza este ciclo, que tiene su propio público; Suárez leyó a sala llena. Con su histrionismo característico, primero se disculpó por la extensión del relato, temiendo que sus lectores se durmieran o se fueran; después sobrevino el encantamiento.

El cruce entre actividades de iniciativa pública y privada parece haber funcionado muy bien. Las expresiones de genuino entusiasmo de gente con la que esta cronista pudo conversar, como la subsecretaria de Cultura Flor Balestra o un Bernardo Conde que había quedado emocionado con el cuento de Patricia Suárez y no cesaba de celebrar tanto la alegría del público como los detalles de vestimenta de su autora ("¡medias de red rojas!") dejan claro que la Semana se instaló o está instalándose entre los rosarinos como una bienvenida costumbre.

Hay una nueva corriente de jóvenes realizadores en Rosario, una generación de actores y actrices que debutan a su vez como directores y autores y forman grupos nuevos que recuperan sorprendentemente la escritura teatral tantas veces bastardeada y otras tantas pobremente adaptada a una escena carente de sorpresas. El grupo Pasillo Teatro, integrante de ese contingente renovador, se presenta todos los viernes a las 20.30 en el Cultural de Abajo (San Lorenzo y Entre Ríos) con una versión propia de "Fraternidad", consagrada obra del marplatense Mariano Moro, un prolífico y destacado dramaturgo de los últimos años ("Quien lo probó lo sabe", "De hombre a hombre" ,"La Suplente", etc.)

La joven actriz Carla Saccani ("De nuevo la furia", "Martha Stutz") se lanza en este su primer trabajo de dirección, al abordaje de un texto complejo y plagado de guiños que resuelve a partir de el desafío siempre tentador de travestir a los actores para dar cuenta del universo femenino, un recurso que hace años perturbaba a la platea y que con el tiempo terminó por incorporarse a los nuevos códigos de expectación.

Pero en "Fraternidad", el recurso de presentar los cuerpos de Marta y Lucía, dos hermanas "al borde de un ataque de nervios", envueltas en la piel de los actores Cristian Mengoni y Carlos Chiappero, se constituye en una estrategia para resignificar el texto de Moro.

Estas dos hermanas pertenecientes a una típica familia de clase media alta, que parecieran encontrarse para enrostrarse todo un pasado de fabulaciones, en las que Marta fue siempre el ejemplo imperfecto en el que Lucía intentaba espejarse sin lograrlo, podrían haber sido representadas por algunas de las dúctiles actrices que abundan en esta ciudad.

Si recalamos en una de las tantas lecturas que genera la puesta de Saccani, podemos encontrar en las escenas de violencia verbal y los despliegues de desprecio que Marta lanza sobre su atribulada hermana, en esos momentos en que el rencor y el odio contenido parecieran estar a punto de estallar, aquel fatídico universo de las hermanas Jane que tan bien retratara Robert Aldrich en el film "¿Quién le teme a Baby Jane?".

Un tema llevado al teatro en "Baby Jane", otra obra que prestigia el teatro rosarino y que actualmente sigue en cartel en Espacio Bravo a cargo del grupo Hijos de Roche con dirección de Romina Mazzadi Arro.

No es casual que Saccani haya participado en la obra "Martha Stutz" que también dirige Mazzadi Arro, hay algo de esta poética teatral que se comparte y se percibe en la puesta en escena del dispositivo escénico y actoral de "Fraternidad".

Pero lo perturbador de la interpretación que estos actores hacen de estas dos hermanas, es justamente el lado siniestro que se esconde detrás del ropaje de estas mujeres que amenazan desencadenar un melodrama de telenovela, detrás está la piel desgarrada de una historia que compromete el quiebre de la fraternidad social.

Detrás aparece el pasado montonero y la sangre que finalmente fue negociada, las conspiraciones del poder, los intereses de clase, las discriminaciones a los "negros" y "provincianos", las marcas de una aristocracia decadente que celebra con champagne, siempre al borde de un fingido suicido personal como el que Marta amaga para atraer a Lucía y que será el desencadenante de una confesión inesperada.

Aquí están en esos cuerpos travestidos de estas hermanas patéticas, la maqueta de la historia argentina, plagada de cuerpos que devoraron a otros cuerpos, mientras otros cuerpos contemplaban indolentes o miraban para otro lado, favoreciendo la gran antropofagia nacional.

La directora contó con un invalorable equipo de colaboradores que acertaron a decodificar estos signos a partir del vestuario diseñado y creado por Renata Minoldo ,un dispositivo que debía entallar los cuerpos de los actores ,permitiendo el doble juego donde asomaran vestigios de lo femenino en pugna con lo varonil,de la misma manera en que el trabajo de maquillaje a cargo del talentoso Ramiro Sorrequieta, permitía destacar rasgos y atenuar otros.

Por su parte Cristian Grinolio responsable de la escenografía y los objetos escénicos, generó la atmósfera de un set de televisión para destacar la frivolidad y la exposición de lo íntimo en un espacio público ,signo de los tiempos que corren,sembrando pequeños indicios de los personajes en los libros y videos esparcidos debajo de la pequeña mesa del living.

La música de Esteban Sesso se acopló en distintos registros a estos climas que se inician con la banda de sonido de los acostumbrados y ruidosos anuncios de ciertos programas de televisión ,a cargo de la meliflua voz en off de la locutora de turno.

Todo sostenido por el despliegue de Cristian Mengoni y Carlos Chiappero: dos actores que aceptaron el desafío de la dirección, sosteniendo un trabajo que se aleja de ciertos estereotipos para bucear en la profundidad de dos personajes que impactan en el espectador y lo invitan a reflexionar en busca de la fraternidad perdida.

Luciano Pietrafesa y León Bertone son dos músicos rosarinos que desde hace diez años se encuentran radicados en Barcelona, donde desarrollaron una amplia carrera musical. Guitarristas los dos, iniciaron sus estudios desde pequeños en el Instituto Promúsica de la ciudad y fueron paulatinamente en búsqueda del perfeccionamiento técnico instrumental, estudiando con profesores como Felicitas Santone, Zulma Gómez, Adrián Ledesma y Claudio Bolzani, para Pietrafesa y Sergio Puccini, Néstor Mozzoni, Gabriel Data y Gustavo Marozzi, entre otros, para Bertone.

"En mi búsqueda musical, tuve la suerte de presenciar en Rosario el concierto de Robert Fripp Sting Quintet en mayo de 1993. A partir de allí, participé en diversos cursos y seminarios de Guitar Craft, escuela de guitarra fundada por el músico inglés, siendo éste el principal motivo por el cual decidí trasladarme a Europa a mediados del año 2000", relató Luciano.

Por su parte, León agregó: "He completado mis estudios como ingeniero de sonido y productor de música electrónica en la SAE de Barcelona. Mi decisión de ir a España fue simplemente un deseo personal de probar experiencias en otro país, en una época (principios del 2001) que no me agradaba vivir en Argentina".

Allí, en Barcelona, hacen un tipo de música que podría definirse como una fusión de tango y electrónica, junto también a composiciones del grupo que no están relacionadas con el tango. Argento es el nombre del grupo que los dos integran en guitarra, loop station, electrónica, programación y sintetizadores, junto a Lilian Giubetich en violoncello acústico y electrónico y loops. Su página web es www.sonidoargento.com, trío de música contemporánea para cello, guitarra y electrónica.

Argento nació en 2003, y de la mano del tango contemporáneo en sus comienzos, consolidaron la identidad del grupo a partir de novedosos arreglos sobre composiciones de Astor Piazzolla. Así, giraron por España, Francia, Inglaterra y Argentina presentando su primer álbum: Argento Tango Fusión.

Con este grupo, el pasado 4 de marzo se presentaron en Estonia, en el marco de un importantísimo Festival denominado "Tallin, Capital Europea de la Cultura 2011", en donde ofrecieron -a sala llena- el estreno de la performance sobre la película muda La antena. Junto a ellos, además, participaron Andrea Ballestero y Martín Pargana en tango bailado y Joan Ferran en diseño de vestuario.

"En noviembre de 2009 recibimos una invitación formal de los organizadores del ciclo Silent Pictures go Loud, quienes estaban al tanto de las actividades de Argento en España y Europa --contaron a Rosario/12--. En este ciclo participaron seis grupos representando un estilo de música diferente en cada screening y se llevó a cabo entre febrero y marzo de este año. El cierre del festival lo hizo Argento representando al Tango Nuevo sobre la película muda La antena. La consigna del festival era hacer un performance sobre una lista de películas a escoger, y La antena, del director argentino Esteban Sapir, estaba entre ellas: la decisión del grupo fue unánime. Fue todo un desafío, ya que todos éramos conscientes de la excelente e impecable banda sonora de Leo Sujatovich".

Para los músicos, fue importante hacer la experiencia, "principalmente porque se trataba de la construcción de una performance sobre el film, en donde fusionamos elementos de música electrónica, tango contemporáneo, coreografía narrativa e imágenes de la película, de manera tal que otros posibles puntos de vista quedaron al descubierto sin romper en ningún momento la historia narrativa y estructura formal de la película. Fue una noche mágica".

Este éxito en tan renombrado festival sin dudas les permitirá seguir adelante con los otros proyectos que el grupo tiene pensado realizar: además de varias presentaciones a confirmarse en algunos festivales del verano europeo, entrarán en estudios en este mes de abril para comenzar a grabar el nuevo álbum del trío.

"La mitad de nuestro repertorio está integrado por temas propios, y el material del nuevo álbum son todas composiciones de nuestra autoría. Otros de los proyectos incluye el seguir trabajando en la banda sonora original de la segunda serie de documentales Sustancias elementales del director y realizador rosarino Juan Mascardi", agregaron.

Paralelamente al grupo que los une, cada uno de ellos realiza una intensa actividad musical. "Estoy involucrado en el proyecto musical Zum (www.zumguitars.com/ www.myspace.com/zumguitars), trío de guitarras acústicas en donde toco con Shinkuro Matsuura y Fumihito Hatano de Japón, y en el grupo Robert Fripp & The League of Crafty Guitarists (ensamble de guitarras acústicas), con quienes hemos estado de gira durante los últimos cuatro años", dice Pietrafesa.

Bertone, por su parte, además de ser arreglador, programador y teclista para el espectáculo Argento Tango Fusión (www.myspace.com/argentotangofusion), trabaja en post producción de sonido, sonorización para espectáculos de teatro y composición de música para audiovisuales, programas de televisión y series de animación.

El devenir de la música contemporánea es una de las preguntas de rigor. "Para mí es muy difícil dar una opinión sobre un término tan amplio y que se presta a tantas interpretaciones", expresó Bertone. "Creo que con el advenimiento de internet, la utilización del samplig, el mushing up, hay una clara ruptura en el punto de la concepción de la idea musical. El compositor se transforma en 'productor' y nace la nueva tendencia. Sin ningún juicio valorativo de mi parte, es una realidad el hecho de que actualmente no es necesario ser músico para producir música, simplemente hay que conocer los medios y las nuevas herramientas para crearla", agregó.

A lo que Pietrafesa aportó su opinión. "Dependiendo de qué música tradicional tomemos como referencia vamos a encontrar diferentes acepciones y relaciones con la llamada música contemporánea. Si por ejemplo hablamos de la música tradicional japonesa, cuyas características primitivas eran eminentemente religiosas y cortesanas, la interpretación de la obra es dirigida por un maestro de ceremonia quien, además de dirigir el aspecto musical, está coordinando el ritual completo, el cual comprende movimientos, danzas e improvisaciones. Todo esto, en algunos casos, con la audiencia rodeando a los músicos. Este cuadro no se aleja demasiado de lo que puede uno encontrarse al presenciar alguna compañía de arte contemporáneo en alguna ciudad del mundo actual. Desde mi experiencia, mas allá de toda categorización terminológica, la performance es un evento único, es una comunión entre los intérpretes, la audiencia y la música en un lugar y tiempo en particular".

Los guitarristas no se olvidan de su ciudad y vuelven todos los años, coincidiendo también en los sentimientos al pisar suelo argentino. "Siempre las visitas quedan cortas y son muy intensas emocionalmente. Se extraña, sí, pero vale la pena el esfuerzo que conlleva el alejamiento de la familia y de los amigos", dicen a dúo.

Música

* Charango arriba. El charanguista y compositor Damián Verdún volverá a presentar su disco Aguarriba. En esta ocasión, estará acompañado por los percusionistas Viki Virgolini y Carlo Seminara, el guitarrista Coco Zambrano, el músico colombiano Alejo García y por Pablo "Yiyo" Pellegrini en samplers, en un show que se realizará a las 21.30 en El Espiral de Ituzaingo 1719.

* Carnota estrena. Compositor clave del folclore argentino contemporáneo, Raúl Carnota presentará en la Sala Lavardén su nuevo material, Runa. Anunciado para las 22, el concierto mostrará a Carnota en una faceta intimista: solo con su guitarra, el cantante repasará obras propias y ajenas, con las que demuestra su condición de referente de la música argentina.

* Orquesta deluxe. Después de la disolución de Asaltimbanqui, y de un receso dedicado a la reflexión y autocrítica sobre el quehacer musical mismo, el compositor Sergio Milioto fundó la Sergio Ivanovich Orquesta, propuesta "de amplios matices y abundante imaginación a la hora de crear un estilo propio con una visión universal del arte y la estética de nuestro tiempo". Con múltiples influencias y la participación de T. Nicolai Lopisich (guitarra y melódica), Gustav Cabrerisovich (bajo, guitarra y coro) y Lucien Freud (batería, percusión y coro), la Sergio Ivanovich Orquesta promete "hechizar a su auditorio con su atemporal y extraño sonido", además de abrir interrogantes con su búsqueda musical. Con esas bases, el grupo actuará hoy (a las 22.30) en La Chamuyera (Corrientes 1380).

Teatro

* Salvajismo. Premiada como mejor obra en los ACE 2010, Un Dios salvaje se presentará este fin de semana en el Auditorio Fundación. Escrita por Yasmina Reza, la puesta es dirigida por Javier Daulte y protagonizada por Gabriel Goity, Florencia Peña, Fernán Mirás y María Oneto, quienes interpretan a los dos matrimonios que buscarán resolver un incidente que afectó a sus hijos. "La pieza plantea algunas preguntas incómodas, poniendo a prueba los preceptos morales e ideológicos de sus personajes. ¿Es realmente posible la tolerancia, o ésta choca y estalla cuando determinadas situaciones nos tocan de manera directa?", apuntó Daulte respecto al trabajo que hoy y mañana, a las 21, se presentará en la sala de Mitre 754.

Otros

* Comunicación. Hoy a las 19 en el Instituto Movilizador de Fondos Cooperativos (San Martín 1371) se realizará la jornada "Comunicación, organizaciones y política". Se presentarán el libro Enredando prácticas de Teresita Vargas y la colección "Contextos/Comunicación" de la Editorial San Pablo que dirige Washington Uranga. El encuentro es el segundo del ciclo "Todas las voces, todas..." de la Biblioteca Popular Pocho Lepratti.

* Descentralización. Señal Santa Fe proyectará esta noche una nueva producción. Se trata de Entrelazados, ciclo de televisión de ocho capítulos de media hora de duración dirigido por Mauricio Minotti, y que relata un conjunto de historias marcadas por el encuentro, la cooperación y los vínculos entre sus protagonistas en las distintas regiones santafesinas. En calidad de pre-estreno se emitirá el primer capítulo del ciclo, en una función que se desarrollará a las 20.30 en El Cairo (Sarmiento 1120).

En su décimo aniversario, y una vez más dentro del espacio escénico del Centro de Expresiones Contemporáneas (donde hace apenas un año recorrieron buena parte de su repertorio), los integrantes del grupo La Percha presentarán un nuevo producto de su búsqueda e investigación. Como parte de un ciclo que se inició ayer con la presentación de la elogiada Debana, esta noche (a las 21.30) se llevará a cabo el estreno de El príncipe constante, puesta basada en el clásico de Pedro Calderón de La Barca que el grupo lleva al poco transitado terreno del teatro aéreo.

Mauricio Marc --responsable de la dirección del trabajo que protagonizan Magalí Eguiluz, Matías Beltramino, Corina Funes y Arturo Gimelli-- explicó que la obra es la resultante de una búsqueda por la exploración del espacio que el grupo inició ya al momento de su fundación. "El proyecto surgió por la necesidad de poder hacer teatro a otros niveles, otras alturas --apuntó--. Veníamos trabajando sobre esta hipótesis de un actor capaz de estar entrenado físicamente y que pudiera expresarse en todos los niveles del espacio. Así nos conectamos con las disciplinas circenses y vimos cómo podían aportar al enriquecimiento expresivo del actor, al que le daba un entrenamiento, una disciplina. A partir de éso buscamos que el actor pudiera lograr otra capacidad de movimiento".

En ese sentido, para el director de El príncipe constante La Percha mantiene aquí su intención de innovar. "Hasta el momento nuestras producciones teatrales estaban en un nivel del espacio, entonces empezamos a buscar la forma de superar esa actuación orgánica y pasarla a otros estados. Así empezamos a investigar sobre el teatro aéreo, con la intención de que todas estas obras pudieran provocar en el espectador algunos puntos importantes. Primero, que se identifique con la obra, que pueda asumirla como real. Segundo que provoque y haga reflexionar, algo que nos caracteriza".

Y si bien La Percha ya había experimentado con la puesta aérea, el desafío se amplió aquí a partir de la decisión de sumar texto, según detalló Marc: "Me volqué a la búsqueda de un texto clásico y busqué revitalizarlo con una nueva propuesta escénica. En particular El príncipe constante es un texto que me gusta mucho, que habla de los ideales, de cómo los personajes podían elevarse o llevar su ser al máximo potencial. Me pareció que en esto de la elevación entraba muchísimo el juego de la metáfora, que se plasma en escena y es muy atractiva por el espectador".

Y agregó: "En principio al texto le teníamos mucho miedo, porque como con cualquier texto clásico uno empieza a pensar en la rítmica, la forma del texto. Y a pensar el texto en las acciones, porque siempre uno piensa en la declamación. Ahí empezamos a jugar, con la intención de hacer propio al texto, internalizarlo, y ponerle acciones que no fueran cotidianas. Pensamos en escenas en el aire, que fueran ricas en la metáfora, en lo expresivo. Tomamos el texto, trabajamos con una licenciada en Letras, y buscamos que (manteniendo su originalidad rítmica) pudiera tener palabras más cercanas al espectador, para que no se sintiera atraído sólo por los personajes que están en el aire, sino también por la situación en la que deviene éso: qué es lo que se intenta contar".

La historia es la del príncipe Fernando, que prefiere la muerte a entregar su ciudad. Desde las alturas, La Percha buscó potenciar las metáforas, según concluyó el director: "Representamos la ciudad como lo hacían los árabes en su poesía, como una mujer dispuesta a casarse. Creo que lo más rico es jugar con las metáforas que propone el texto, que todo el tiempo hace referencia a bellezas naturales, las estrellas, el mar, el cielo. Esas metáforas que plantea el texto las contamos en escena, ayudados además por proyecciones, ya que era muy difícil pensar la obra en un espacio vacío, entonces buscamos otros lenguajes que pudieran aportar a ésas metáforas. La mixtura de lenguajes es también uno de los objetivos que La Percha tiene con sus producciones".

Dentro del Espacio Santafesino, que el Ministerio de Innovación y Cultura de Santa Fe ha inaugurado en sala de cine El Cairo (Santa Fe 1120), se estrena hoy, a las 20.30, uno de los proyectos beneficiados con el Programa Estímulo a la Producción Audiovisual. Se trata de Detrás de la línea amarilla, film escrito y dirigido por Arturo Marinho, con producción de Pablo Romano. El film podrá verse durante todo el fin de semana en la misma sala, así como también en la ciudad de Santa Fe, el día de mañana, a las 20.30, en el Cine América. El proyecto contó con el respaldo financiero del MIC, así como también el auspicio del Centro Audiovisual Rosario, el Aecid desde lo logístico, la Barcelona Film Commission y Digitalburo.

De admirable resolución narrativa, el film de Marinho indaga en la bruma que significa el exilio, el regreso, la historia de una vida (de muchas vidas) dividida. Es en ese límite que abre, que separa, que obliga a pérdidas, por el que transita la propuesta del realizador.

"El título tiene que ver con la idea de tomar algo común para cualquiera que haya hecho trámites ante un mostrador, donde alguien te pide estar detrás de una raya pintada, que en el caso de la película se vincula, como símbolo, con límites de tipo geográfico, psicológico; es decir, es una película que trata sobre los límites", señala Arturo Marinho a Rosario/12, y apunta: "Detrás de la línea amarilla es la narración del regreso de un exiliado a su ciudad de origen, ante una tragedia familiar; durante una semana, se va a encontrar con muchas cosas, algunas conocidas, otras no tanto. El título se relaciona con cruzar un límite que es real así como imaginario. La línea es una orden, y me parece que en realidad de lo que se trata es de desobedecer esa orden; al momento de hacerlo se te abre un mundo nuevo de posibilidades y complejidades. Si te quedás allí, quieto, vas a estar más seguro. Atravesar esa línea es una decisión que implica mucha dificultad, sobre todo si lo que se quiere es volver atrás. En la vida de un exiliado siempre está la posibilidad de no volver. Su vida está dividida por mitades, y en la película siempre hay un límite. La metáfora del exilio, del viaje, del regreso, amplifica las cuestiones".

Destaca en la película la manera desde la cual se trabaja la narración, desde la sugerencia, desde pistas pequeñas, permitiendo que sea el espectador quien "complete" la película.

Es el primer trabajo donde cruzo el documental con la ficción de una manera explícita. Si bien la historia responde a situaciones reales, a un personaje real, la idea fue dejar los datos en suspenso. Me pareció que era la mejor posibilidad de entender que la construcción narrativa no pasa sólo por el que propone sino también por el que recibe, que es quien construye su propio significado. El cine con el que me identifico es aquél que me permite construir como espectador qué es lo que falta, y como no existe un espectador prototípico las construcciones son múltiples. Quise que quedaran lagunas informativas, donde creo se puede suturar el trabajo entre espectador y obra, como si fuese una última puntada. Fue una intención pero también un desafío, porque en algún punto esos puntos muertos, esos letargos, esa falta de información, cuando son sólo una búsqueda estética pueden caer en el vacío por el vacío mismo. Me parece interesante borrar algunas huellas dentro de la misma trama de la película.

Que puedas estrenar el film desde la misma propuesta del Programa Estímulo es un dato relevante para todo realizador.

El programa Espacio Santafesino es una situación completamente atípica para la realidad audiovisual del país y la verdad es que somos muy privilegiados, ya que podemos imaginar, hacer, y mostrar historias al público, algo que no pasa en otros lugares de igual manera. Es una buena estrategia la de tener un lugar de exhibición, ya que quienes estamos en el mundo de la circulación de los bienes culturales sabemos que la distribución es un cuello de botella, mucho más en este momento, en el cual hay una enorme cantidad y proliferación de formatos e imágenes para exhibir. La exhibición es uno de los elementos que hace muy atractivo este plan de subsidio, puesto que no se queda sólo en el dinero que otorga sino que incorpora la posibilidad de contacto con el público, de lo contrario sería algo medio autista; es parte del riesgo el encontrarse con el público y que surja lo inesperado.

Luego de presentarse como invitada a un ciclo en el teatro La Máscara de Rafaela, Martha Stutz retomará sus funciones mañana en Rosario. El proyecto surgió durante una de las clínicas de producción que lleva adelante la directora Romina Mazzadi Arro, que propuso el texto para su posible puesta en escena. Escrita por Javier Daulte, la obra se inspira en la historia de Martha Stutz, una niña de 9 años que, en la década del '30, desapareció misteriosamente en la ciudad de Córdoba, en un caso que jamás pudo ser resuelto.

La actriz María Romano, quien ya había trabajado bajo la dirección de Mazzadi Arro en Criminal (también de Daulte), detalló el proceso de trabajo de esta obra estrenada en 2010: "Romina había realizado un curso de dramaturgia con Daulte, por lo tanto tenía relación con el autor. Nos propuso este texto y el grupo se interesó en la propuesta. Lógicamente hubo una reformulación, porque en nuestra puesta somos casi todas mujeres mientras que en el original son mayoritariamente hombres. Adaptamos el texto y la propuesta original y empezamos también a investigar en relación al tema. Fue muy fuerte saber que esto había ocurrido realmente y nos interesamos en poder ver qué era lo que había pasado".

El hecho de que profundizaran en el caso no modificó el texto, pero sí brindó elementos para la construcción de los personajes, según apuntó Romano: "En el texto no hay modificaciones en relación al discurso que se quería dar. El abordaje y la investigación nos sirvieron sí para la forma de encarar los personajes. Y lógicamente, para Romina, desde la puesta". Martha Stutz cuenta con las actuaciones de Romano, Mariana Brarda, Santiago Pérez, Carla Saccani, Maite Lanuza, Valeria Forcadell, Lumila Palavecino y María Gracia Villanueva, y continuará con sus funciones los jueves de abril y mayo, a las 22, en La Escalera, 9 de Julio 324.

En sintonía con los cambios en los hábitos de lectura impulsados por las nuevas tecnologías de la comunicación, y con un concepto de lectura que excede ampliamente (si bien incluye) a lo literario y al libro, comenzó anteayer en Rosario la II Semana de la Lectura, con la que la ciudad vuelve a conmemorar el Día Internacional del Libro. El plato fuerte de este megaevento es el "Coloquio Rosario, hacia una ciudad lectora", que tendrá lugar mañana y pasado en el Centro Cultural Parque de España (Sarmiento y el río).

Tempranito, a las 9.30, disertará la escritora Angélica Gorodischer y a las 11.30 está programada la primera mesa. Acerca de las políticas públicas en torno a la lectura disertarán Natalia Porta (Ministerio de Educación de la Nación), Mabel Zimmermann (Ministerio de Educación de la Provincia de Santa Fe) y Fabiano Dos Santos (Ministerio de Cultura de Brasil). De la mesa 2, a las 17, participan Carlos Silveyra y Susana Allori, expertos en literatura infantil que contarán experiencias de lectura. La mesa 3 tratará los soportes digitales y la promoción de la lectura, tema a cargo de los oradores Graciela Rabajoli (Uruguay), Fernando Tascón y Luis Baggiolini. La última mesa, la de las 18, reúne a dos escritores, Pablo de Santis y Ricardo Mariño, quienes dialogarán sobre "Qué leen los que escriben".

Para participar de las actividades del Coloquio (que continuarán el viernes), la inscripción puede realizarse llamando al 4804511 (interno 224) o vía web en www.rosariocultura.gob.ar/lectura. "El año pasado quedamos muy bien sorprendidos, y nos parecía que este año había que subir mucho más la apuesta generando más respaldo, generando este coloquio donde se discuta el concepto de la lectura, y con refuerzos de una transversalidad hacia toda la Secretaría, porque participan las bibliotecas, los centros culturales, los centros distritales", resumió en entrevista con Rosario/12 el secretario de Cultura, Horacio Ríos. "Este año está muchísimo más aceitado y coordinado, lo que nos da la sensación de que va a ser mucho más exitoso. Acá lo que buscamos es al lector, al que no lee, al que queremos que se acerque y participe".

En tanto, mañana a las 15.30, con entrada libre y gratuita, tendrá lugar la Inauguración de la Biblioteca Profesor Carlos Fuentealba: Bibliotecas, libros, lecturas, lectores en la encrucijada del presente, en la Facultad de Humanidades y Artes (Entre Ríos 758). La actividad es organizada por la Escuela de Ciencias de la Educación de la FHyA UNR, la Biblioteca Profesor Carlos Fuentealba, de la Escuela de Ciencias de la Educación, y su equipo de trabajo (dirección de contacto: bibliotecacseducacion@gmail.com), y la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Rosario en el marco de la II Semana del libro y la lectura.

Según los organizadores de la Jornada, la "coincidencia" con la Semana es deliberada y "refuerza el valor y la importancia de contar con una biblioteca especializada en problemáticas educativas. Leer, escribir, conservar los libros y fijar espacios de consulta colectivos son prácticas históricas cuyas condiciones de posibilidad deben repensarse al calor de cada presente. Por lo tanto, la inauguración se dará en el marco de una jornada de trabajo donde alumnos, docentes e invitados externos disertarán sobre la importancia de las bibliotecas, de la lectura y de los libros en un presente marcado por las nuevas tecnologías del conocimiento y de la información".

Los objetivos son: reflexionar en torno a los formas de leer y a los recorridos bibliográficos que realizan los cientistas de la educación; analizar el lugar de las bibliotecas, los libros y la lectura en la cultura contemporánea, y fomentar un espacio de encuentro entre la biblioteca, sus asociados y futuros usuarios en general.

Este viernes a las 20, en las Galerías del Centro Cultural Parque de España (Sarmiento y el río) se inaugura la muestra Paula Modersohn Becker y los Artistas de Worpswede. Es una muestra del IFA (Instituto para las Relaciones con el Extranjero/Alemania) presentada por el Goethe Institut Buenos Aires y el CCPE.

La exposición reúne obra gráfica realizada entre 1895 y 1906. Principalmente, incluye dibujos y grabados de la prolífica artista alemana Paula Modersohn Becker (1876 1907) y también del círculo de al que perteneció, una colonia de artistas radicados en la localidad de Worpswede, una pequeña aldea cerca de Bremen, Alemania. Los artistas de Worpswede fueron un movimiento que predicaba la unión entre el arte y la vida, el retorno a la naturaleza y a la vida campesina. En este grupo de artistas independientes se contaban entre otros Fritz Mackensen, Hans am Ende, Otto Modersohn (con quien Paula se casó en 1901), Heinrich Vogeler y la escultora Clara Westhoff.

Fallecida a los 31 años luego de concebir a una niña, Paula Modersohn Becker dejó, en 14 años de actividad plástica, unas 750 pinturas, varios grabados y más de mil dibujos. "Supiste comprenderla pues: la abundancia de los frutos./ Los ponías en fuentes frente a ti/ y con colores compensabas su peso./ Y así como a los frutos contemplabas a las mujeres/ y a los niños, impelidos desde su interior/ a las formas de su existencia. /Y por último te veías a ti misma como a un fruto/ te quitabas de tus ropas, te llevabas/ frente al espejo y lo dejabas penetrarte/ excepto a tu mirada; tu mirada excelsa quedaba afuera/ y no decía: esa soy yo, no. Decía: esto es. / Y así falta de urgencia era al final tu mirada/ tan despojada, tan auténticamente pobre/ que ni a ti misma codiciaba: santa". Así la recordó en el poema Réquiem por una amiga el poeta Rainer María Rilke, quien era estudiante de arte cuando en la mañana navideña de 1898 visitó Worpswede de la mano de Heinrich Vogeler. Con entrada libre, la muestra podrá verse hasta el 8 de mayo, de martes a domingos de 15 a 20. Se pueden solicitar turnos para visitas guiadas de instituciones educativas al 426 0941 o a: visitasguiadas@ccpe.org.ar.

Cuando cerró su local en avenida San Martín entre San Lorenzo y Santa Fe, a fines del año 2009, Krass Artes Plásticas cerraba un capítulo de la historia del arte de Rosario. Era, salvo un par de excepciones, prácticamente la última galería de arte que había resistido al achicamiento del mercado y al desprestigio de las técnicas tradicionales avalado por políticas culturales municipales.

Pero el viernes 1 de abril, luego de "un año sabático", al final de una semana de comienzo de año con tutti, el Fénix renació de sus cenizas y se instaló con todo su bagaje de historia, trastienda y afectos en su nuevo local con dos ingresos y dos salas en Urquiza 2030/34. Al lado, al ladito de FM Universidad y de la Editorial de la UNR. Bienvenidos. Acá está. Es el nuevo espacio Krass Artes Plásticas.

Sergio Krasniasky, hijo de Gilberto y hermano de Berta Krasniasky, está al mando ahora. Continúa con la amable costumbre de la charla con mate. Sillones, nuevos; piso, reluciente. La gata de la galería, dice, está bien: viejita, en casa. A la mesa otomana no se la ve, y al piano tampoco, pero en el centro de la sala principal hay un gran archivero con carpetas de grabados donde se leen los nombres de los artistas: Mele, Alonso, Bendersky, Zuloaga, Ottmann, Uriarte, Corvalán, Vanzo, Herrero Miranda. Un poema del georgiano Bulat Okudzhava, de los que Rubén Naranjo imprimía en sus tarjetas de fin de año, está ploteado en una pared: "Si quieres ser pintor, no tengas prisa,/ coloca ante ti viejos pinceles de pelo de tejón,/ toma pintura blanca,/ porque es el principio,/ después amarilla, porque todo madura...".

¿Por qué no La Nueva Krass? ¿Por qué no otro nombre?

No quise cambiar porque es el bagaje que traés: lo cortás, lo tenés y te identifican por eso. No es una cosa de la cual uno pueda renegar. Los últimos 20 años uno ha estado en eso. Es parte de mí, aquello. Uno es parte de esa historia. Aunque el dueño de la escena es mi viejo, sin embargo Berta y yo estuvimos en todo ese quehacer. Ahora, estoy yo solo. Me tomé un año sabático para cargar las pilas y luego dije: ¿por qué no? Fue el año necesario para organizarse, ordenar las cosas, ordenar la familia y salir a buscar un espacio. Un espacio para mí. Y acá estamos, tratando de conjugarnos en singular.

¿Qué es lo nuevo que se viene?

Está Nicolás Menza este año con una exposición de obra gráfica, El banquete. Va a haber para fin de año una exposición de cinco artistas plásticos de Buenos Aires que son del grupo de Menza. Ganadores del Belgrano, el Nacional. A estas dos muestras yo ya las tenía armadas. Estaban pendientes desde 2008, desde antes de cerrarse la galería. Es un grupo generacional, y de afinidad plástica y estética. En el medio están dando vueltas todos los pintores de la casa. Es cuestión de programar. Yo trato de programar de un año para otro. Este año va a ser una temporada bastante sui generis, con dos o tres exposiciones importantes. Hay muchos pintores locales, con mucho oficio, que están queriendo hacer exposiciones, y que yo también tengo ganas de exponer. Lo estoy definiendo en función de las posibilidades de la gente.

"Todavía no cerramos fecha", dice Sergio Krasniasky y cuando se le piden nombres, recorre los cuadros de la trastienda que cuelgan en la sala principal: "Clelia Barroso, Norberto Moretti, Paula Grazzini, Romina Carrara, Martha Magnani, Liliana Jones, Julio Roldán, Cati Tarsitano, Martínez Ramseyer, Nelly García, Carolina Viotti, Rodolfo Elizalde, Eduardo Piccione, Omar Henry, Luchi Collaud: la gente que nos acompañó siempre sigue estando. Porque yo tengo ciertos malos hábitos de lealtades. No he concebido la relación con el artista si no es una relación de mutua confianza, de creer en la obra del otro. El staff de la galería sigue siendo la misma gente de siempre, más toda la que se pueda sumar, que es la que yo estoy esperando y convocando, para acercar proyectos e ideas".

"Ya está funcionando el taller de Paula Grazzini --agrega--. La idea de los talleres y charlas no tiene una intención económica. Quiero retomar cierta mística de la actividad. Quiero tener una cuestión proactiva frente al tema de la no pintura, de este círculo vicioso que tenemos de artistas empobrecidos, de un medio que frente a diferentes posturas estéticas se siente ignorante. A cuánta gente he recibido en la galería que me pide disculpas porque no entiende. Y yo digo: pará, disculpame, esto no apela a tu entendimiento. Este lenguaje apela a tus sentidos. Primero preocupate por si sentís o no sentís. Y si te gusta o no te gusta. Y a partir de ahí podemos empezar a hablar. Y lo que ha pasado en estos años es que determinado tipo de vertientes, cerradas y herméticas, han sido refractarias del público. Entonces el público se aleja, creyendo que la pintura es para entendidos. No solamente han sido refractarias sino que han ido en contra de toda esa gente, gente como los que ahora están haciendo la muestra en Osde (Siete pintores rosarinos contemporáneos), esa gente ha pagado el pato de la fiesta de otro. Entonces mi postura es mucho más militante de esto. Trato de poder revertir la situación. Mostrar que sí hay gente que pinta. Que sí hay gente que se sacrifica en pro de la calidad, en una búsqueda sincera, honesta; que se pone la camiseta de pintor, o de grabador, o de escultor, o de dibujante, de artista con oficio. Este es un espacio para poder reivindicar a esos artistas que transpiran la camiseta. Así de sencillo: transpiran la camiseta. Hay otra gente que está haciendo cosas. Y que no tiene apoyo del Estado, ni de los grandes premios de los salones... ¡Que un gobierno socialista tenga una postura, dentro de la plástica, absolutamente elitista! Y lo peor, carente de contenido. ¡Que gente que se autotitula 'conceptual' no tenga el más mínimo concepto! ¡Tenemos un museo de patrimonio donde todo el patrimonio está guardado! Bueno, es hora de poner el cascabel al gato".

Ejemplo del mejor/peor sexploitation de los '70 es Escupiré sobre tu tumba (I spit on your grave, 1978, Meir Zarchi), cuyo título confunde intencionadamente respecto de la venerable novela de Boris Vian, llevada al cine en 1959, con guión del propio escritor y dirección de Michel Gast. Ante la escasa recepción del film norteamericano, cuyo título de origen era Day of the woman, el distribuidor lo altera astutamente para un re estreno que, ahora sí, captura la atención mediática y se vuelve nudo de debates ante la virulencia con la que su protagonista era violentada así como vengada. En síntesis, un film de encanto trash, tal vez pésimo, redescubierto para y por cultores del cine bizarro.

Entonces y ahora, la remake. Inevitable "puesta al día" de algo que no lo necesita. Porque nada más torpe que volver a filmar una película de trama tan pobre como Escupiré sobre tu tumba. En síntesis: una escritora --joven, bella, atlética - escapa de la ciudad a la calma de una cabaña donde terminar su nuevo libro; allí será asaltada y violada de manera salvaje; luego, su venganza.

La nueva versión no guarda "encanto" alguno porque no puede, ni quiere, escapar a tanto cine igualmente malo; es decir, otra de las muchas entregas fílmicas actuales donde la tortura ocupa un lugar nodal, que es eje en la película. Mismo tratamiento que el utilizado por el cine pornográfico más llano: diálogos que son rodeos tontos, de poca relevancia, hasta el momento del sexo; en el caso de este film, la violencia. Allí, en ese momento climático, el encanto visceral posterior de encontrar sangre derramada desde la justicia de la mano propia.

En última instancia, es éste el lugar desde el cual se estructuran tantos films: desde el problema con la ley. La mujer vejada sabrá cómo volverse repentinamente despiadada, con una capacidad de inventiva admirable al momento de dar muerte. Algo que, seguramente, habrá de haber divertido a los especialistas en trucos de maquillaje, con algunos buenos momentos de látex desgarrado. Situación que, por sí sola, tampoco es soberbia, a la vez que provoca la melancolía necesaria como para volver a querer ver mejores argucias escénicas, más perversas y bien filmadas, a través de artesanos admirables como Darío Argento o George Romero.

En fin, y de todos modos, qué lejos de las buenas propuestas ha quedado el cine de terror norteamericano, condenado a reiterarse estúpidamente. Ello obliga a ver más para encontrar propuestas mejores, es allí donde aparece el cine oriental, con mejor ánimo para el horror, con rostros maquillados de blanco fantasmal, una sensación que, con idioteces estilo "juego del miedo", el cine olvida mientras descuida su propia esencia, la de ser un eco que recuerda al mundo de los vivos.

Escupiré sobre tu tumba: 3 puntos

(I spit on your grave. EEUU, 2010)

Dirección: Steven R. Monroe.

Guión: Stuart Morse, a partir del guión de 1978 de Meir Zarchi.

Fotografía: Neil Lisk.

Montaje: Daniel Duncan.

Música: Corey Jackson.

Intérpretes: Sarah Butler, Jeff Branson, Andrew Howard, Daniel Franzese, Rodney Eastman, Chad Lindberg.

Duración: 107 minutos.

Sala: Monumental.

La sorpresiva noticia de su fallecimiento llegó a través del periodismo gráfico el domingo por la mañana. Algunos titulares destacaban su condición de gran cineasta prolífico, otros de su actividad tanto teatral como cinematográfica y televisiva; los menos, de su fascinación por su natal Nueva York. Al leer la información sobre su deceso pensé que en los últimos años y meses aquellos exponentes del cine, grandes maestros, ya nos habían hecho llegar su último gesto, su largo adiós.

Director no siempre reconocido, autor de films que participan de diferentes géneros y temáticas, Sidney Lumet ha legado una notable filmografía que comienza en 1957, cuando el realizador contaba con 33 años. Y su primer film, que ha sido motivo de numerosas remakes, Doce hombres en pugna, se sigue nombrando a la hora de recordar aquellos films que ponían en tela de juicio al accionar de la justicia, el peso de los prejuicios y estigmatizaciones. Afortunadamente, se puede admirar en formato DVD esta pieza que se juega en un espacio cerrado y ofrece una subrayada dirección de actores, aspecto que pasaría a identificar los films de su autor.

Algunas películas de Sidney Lumet fueron nominadas y otras elegidas a la hora de la entrega de los premios Oscars. Podemos recordar, ya a mediados de los '70, su aclamado film Tarde de perros, obra en la que se ponía en juego la relación de los acontecimientos con los mass media, de los modos en que los hechos trágicos se transforman en espectáculo; y, por otra parte, se ponía en escena no sólo un conflicto delictivo en manos de dos ex combatientes de Vietnam, sino, como móvil mismo de la acción de del robo de un banco, el hecho de que el personaje que interpreta Al Pacino le permitiría lograr una suma de dinero para concretar un cambio de operación de sexo de su amigo y amante.

No intento trazar un ajustado ordenamiento cronológico sobre la filmografía de este realizador que forma parte de una destacada generación de guionistas y directores que se ubicaron, inicialmente, con las mismas funciones en espacios televisivos. En esta observación, podemos tener presente a los nombres y obras de autores tales como Arthur Penn, Martin Ritt, Alan Pakula, ya fallecidos.

Atento a las expresiones del realismo en el nuevo teatro estadounidense, Lumet escenificó, tanto en cine como tevé, los escenarios de su amada ciudad, piezas de Eugene O'Neill y Arthur Miller, tales como Viaje de un largo día hacia la noche y Panorama desde el puente, a principios de los 60, un año antes de su cautivante versión de la pieza de Tennessee Williams, Orfeo desciende, que se dió a conocer con el título de The fugitive kind y que en algunos países de habla hispana se estrenó con el hoy recordado título de El hombre de la piel de víbora; ya que aquí, su personaje, poeta seductor y vagabundo, errante forastero interpretado por Marlon Brando, llega a un pueblo del sur y allí trama vínculos con dos mujeres, desatando una escalada de violencia y de estallido de represiones, de enfrentamientos y muerte.

Hay numerosos films de Sidney Lumet que pasaron al olvido. Como Daniel, el último testigo que conocimos en nuestra ciudad a mediados de los 80, cuando ya habíamos recuperado la tan añorada democracia. En ese espacio en el que tenían lugar los juicios a los miembros de la Junta Militar de los años de la dictadura, el film de Sidney Lumet colaboraba en la actitud de reconstruir la memoria histórica. Daniel... estaba basado en el libro homónimo de Edgard L. Doctorow y apuntaba a reconstruir, desde la mirada de un joven de los años sesenta, la tragedia vivida por sus padres: Ethel y Julius Rosemberg, víctimas de la política persecutoria del maccarthismo.

Fueron los años 60 los que saludaron a Sidney Lumet desde la respuesta del público y de la crítica internacional. En esta década, en 1966 para ser más preciso, se conocieron dos de sus films más trascendentes, según consigna Peter Bogdanovich en una de sus reseñas: El prestamista, que reconstruye desde la mirada de su protagonista (un usurero del barrio de Harlem) páginas de la historia del nazismo, marcando ciertas relaciones ambiguas entre carcelero y prisionero (lo que desató, cuando su estreno, numerosas polémicas). E, igualmente, La colina de la deshonra permitía reflexionar sobre los comportamientos autoritarios y violentos que deben sufrir en grado extremo los prisioneros confinados en un destacamento militar en el Norte de Africa, en los días de la Segunda Guerra. Elegido por Woody Allen como uno de sus favoritos, La colina de la deshonra lleva al primer gran protagónico de Sean Connery.

Uno de sus últimos films, Antes que el diablo sepa que estás muerto, llevó a que numerosas publicaciones extranjeras dedicaran dossiers monográficos sobre su filmografía. Recuperaban, por igual, a films que en el momento de su estreno no habían sido motivo de extensos comentarios, tales como su pasaje por el mundo de la narrativa y de los enigmas de Agatha Christie en Crimen en el expreso de Oriente, su versión con actores negros de la mítica El mago de Oz, con Diana Ross, o bien de aquel otro personaje que componía Pacino, el de Serpico. Pero sobre todo recordaban al Lumet de Poder que mata, film electrizante que se interna en los sets televisivos y en las acciones sensacionalistas que no reconocen límite alguno y en su recreación de la obra teatral de Peter Schaffer, Equus, pieza que fuera representada en nuestra ciudad a principios de los 80.

Sin ánimo de olvidar al personaje que compone Paul Newman en su galardonado film Será justicia, ni a la visión generacional que transmite en El grupo, admirable retrato de mujeres que logra a partir de la novela de Mary McCarthy, elijo para cerrar el film maldito por excelencia de Sidney Lumet, el menos visto en los países en los que se presentó: Garbo talks o como se la conoció aquí, El capricho de Stella, film deleite para cinéfilos que nos acerca a la búsqueda que hace un hijo, Ron Silver, para poder cumplir el sueño de su madre, como último deseo de su vida; rol que asume una siempre admirable Anne Bancroft. Y ese gran deseo, en sus labios, es el de poder conocer personalmente a su actriz favorita, la Garbo, antes de morir.

El sábado pasado el director Aldo Pricco estrenó su versión de "Una tragedia argentina", exitosa obra del reconocido dramaturgo porteño

Daniel Dalmaroni que se presentará todos los sábados de abril y mayo a las 22 en el CET (San Juan 842). Luego se trasladará a los viernes de junio y julio a las 21 al Cultural de Abajo (Entre Ríos 599). El elenco integrado por Ofelia Castillo, Mariano Raimondi, Juan Manuel Raimondi, Ana Laura Carrafiello, Dannae Abdalla de Sá y Bernardo Vitta; fue el que convocó al director para llevar adelante la puesta en escena de una obra que se ha constituido en los últimos años en la favorita de muchos grupos de todo el país que la han adaptado a diferentes enfoques y que ha concitado una respuesta favorable por parte del público y de la crítica especializada. Completan el equipo técnico de esta producción que cuenta con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro: Paola Fernández, responsable del vestuario, Mariano Braun creador de la música y Lucrecia Moras que tuvo a su cargo la asistencia de dirección.

Pricco, de una extensa trayectoria en esta ciudad tanto como docente, director e investigador teatral; registra entre sus últimos logros las recordadas puestas de "El soldado fanfarrón" de Plauto y "Troyanas" de Eurípides (2007), al frente de un proyecto de Teatro de la Universidad que impulsó en el marco de la Universidad Nacional de Rosario y que se presentó con éxito en diferentes ciudades del país.

-El tema de la familia sigue ocupando la escena central del teatro argentino y también está presente en tu búsqueda- le preguntó Rosario/12 a Pricco.

-Parece que la temática de las familias me persigue, o que de manera inconsciente uno la ronda y acaba insistiendo. Ya desde "Telarañas" de Eduardo Pavlovsky (La Compañía, 1989 1992) y "De los distintos modos de..." (La Caterva, 2000 2003), el entorno de lo siniestro dentro de la estructura de relaciones familiares parecía ser un terreno fértil para indagar acerca de las pasiones, el amor y las metáforas posibles sobre el poder y la historia política argentina, apelando al humor y el grotesco como herramientas.

Esta versión está considerada por sus responsables como un "melodrama de humor negro" en el que se plantea la historia de un grupo familiar unido por profundos y extraños secretos a punto de ser revelados. Como en toda tragedia que se precie de tal, algunos transgrederán ciertas normas y quedarán expuestos al castigo del cruel destino.

"En principio, el formato de la obra conducía a una de las típicas piezas sobre familias disfuncionales que se pusieron de moda en los últimos años. Sin embargo, y a pesar de la situación familiar de la obra y del clásico descubrimiento de secretos entre los integrantes del grupo, se trata de algo diferente, los vínculos de sangre ofician de fundamento para desplegar sobre el cuerpo de la convivencia las hipocresías más comunes sobre el respeto y la tolerancia por las diferencias", agrega Pricco.

El director que fue responsable también de una original y recordada versión de "Fuera de cuadro" de Javier Daulte, es invitado en esta oportunidad por un grupo de actores a los que les había interesado el texto de Dalmaroni y le proponen hacerse cargo de la dirección.

"Un grupo concertado de talentosos actores me invitó a dirigir 'Una tragedia argentina', pieza que los había entusiasmado ya desde su lectura por su atrayente temática y el inteligente guión, temáticas como la sexualidad, las creencias de todo tipo, las 'normalidades' consideradas sagradas, entran en crisis ante un episodio trivial que habrá de desencadenar una tragedia", agrega Pricco.

-A lo largo de distintas representaciones, el texto de Dalmaroni ha generado diversas interpretaciones por parte del público.

-Las lecturas posibles podrían presentar una amplia gama de sentidos, desde la más arraigada en el acontecimiento doméstico desgraciado hasta la homologación a situaciones históricas argentinas, pasando por la excusa de una plataforma dramática que oficia de muestrario de típicas hipocresías nacionales enfatiza el director.

En este sentido Pricco es uno de los realizadores que mayor énfasis pone en la riqueza de los textos dramáticos y a la hora de0 conceptualizar sobre el abordaje de su compromiso estético con esta propuesta se aparta de cualquier intencionalidad que modele la respuesta del público.

"Nuestro trabajo no baja línea al respecto sino que propone, mediante la búsqueda del efecto del grotesco, una experiencia directa con un entretenimiento de humor negro que, por lo vivido durante el estreno, pasa sin intermediaciones de la risa a la conmoción y viceversa".

En esta nueva incursión en la dirección teatral, Pricco vuelve a confiar en el trabajo de sus actores y recupera un estilo que ha utilizado anteriormente y que maneja con sobrada solvencia. "El estilo de actuación recurre a reminiscencias de un expresionismo que remite al melodrama", destacó el director.