Página#12 Libre

En su décimo aniversario, y una vez más dentro del espacio escénico del Centro de Expresiones Contemporáneas (donde hace apenas un año recorrieron buena parte de su repertorio), los integrantes del grupo La Percha presentarán un nuevo producto de su búsqueda e investigación. Como parte de un ciclo que se inició ayer con la presentación de la elogiada Debana, esta noche (a las 21.30) se llevará a cabo el estreno de El príncipe constante, puesta basada en el clásico de Pedro Calderón de La Barca que el grupo lleva al poco transitado terreno del teatro aéreo.

Mauricio Marc --responsable de la dirección del trabajo que protagonizan Magalí Eguiluz, Matías Beltramino, Corina Funes y Arturo Gimelli-- explicó que la obra es la resultante de una búsqueda por la exploración del espacio que el grupo inició ya al momento de su fundación. "El proyecto surgió por la necesidad de poder hacer teatro a otros niveles, otras alturas --apuntó--. Veníamos trabajando sobre esta hipótesis de un actor capaz de estar entrenado físicamente y que pudiera expresarse en todos los niveles del espacio. Así nos conectamos con las disciplinas circenses y vimos cómo podían aportar al enriquecimiento expresivo del actor, al que le daba un entrenamiento, una disciplina. A partir de éso buscamos que el actor pudiera lograr otra capacidad de movimiento".

En ese sentido, para el director de El príncipe constante La Percha mantiene aquí su intención de innovar. "Hasta el momento nuestras producciones teatrales estaban en un nivel del espacio, entonces empezamos a buscar la forma de superar esa actuación orgánica y pasarla a otros estados. Así empezamos a investigar sobre el teatro aéreo, con la intención de que todas estas obras pudieran provocar en el espectador algunos puntos importantes. Primero, que se identifique con la obra, que pueda asumirla como real. Segundo que provoque y haga reflexionar, algo que nos caracteriza".

Y si bien La Percha ya había experimentado con la puesta aérea, el desafío se amplió aquí a partir de la decisión de sumar texto, según detalló Marc: "Me volqué a la búsqueda de un texto clásico y busqué revitalizarlo con una nueva propuesta escénica. En particular El príncipe constante es un texto que me gusta mucho, que habla de los ideales, de cómo los personajes podían elevarse o llevar su ser al máximo potencial. Me pareció que en esto de la elevación entraba muchísimo el juego de la metáfora, que se plasma en escena y es muy atractiva por el espectador".

Y agregó: "En principio al texto le teníamos mucho miedo, porque como con cualquier texto clásico uno empieza a pensar en la rítmica, la forma del texto. Y a pensar el texto en las acciones, porque siempre uno piensa en la declamación. Ahí empezamos a jugar, con la intención de hacer propio al texto, internalizarlo, y ponerle acciones que no fueran cotidianas. Pensamos en escenas en el aire, que fueran ricas en la metáfora, en lo expresivo. Tomamos el texto, trabajamos con una licenciada en Letras, y buscamos que (manteniendo su originalidad rítmica) pudiera tener palabras más cercanas al espectador, para que no se sintiera atraído sólo por los personajes que están en el aire, sino también por la situación en la que deviene éso: qué es lo que se intenta contar".

La historia es la del príncipe Fernando, que prefiere la muerte a entregar su ciudad. Desde las alturas, La Percha buscó potenciar las metáforas, según concluyó el director: "Representamos la ciudad como lo hacían los árabes en su poesía, como una mujer dispuesta a casarse. Creo que lo más rico es jugar con las metáforas que propone el texto, que todo el tiempo hace referencia a bellezas naturales, las estrellas, el mar, el cielo. Esas metáforas que plantea el texto las contamos en escena, ayudados además por proyecciones, ya que era muy difícil pensar la obra en un espacio vacío, entonces buscamos otros lenguajes que pudieran aportar a ésas metáforas. La mixtura de lenguajes es también uno de los objetivos que La Percha tiene con sus producciones".

Desde el tono de comedia que la atraviesa, Venado Tuerto propone un abordaje a algunas cuestiones que, en apariencia cotidianas, tienen vinculación con la propia historia política y social. Surgido a partir de la inquietud de las actrices Angie Ambrogi, Marcela Sartini y Anabela Agostini, el proyecto comenzó a delinearse con la convocatoria al dramaturgo Leonel Giacometto y al director Miguel Franchi. Fueron ellos, precisamente, quienes en diálogo con Rosario/12 adelantaron las características de un trabajo que fue premiado en el concurso de coproducciones municipal, y que esta noche a las 22 estrenará en el Centro de Estudios Teatrales de San Juan 842.

Convocado por el trío de actrices, Giacometto fue quien encontró la posibilidad de dar un nuevo enfoque a aquello del "universo femenino". En su texto, pudo además desarrollar el humor, que funciona como marco para la aparición de temáticas cotidianas, donde lo banal puede cruzarse también con la política o los desaparecidos. Según se explica en la gráfica del espectáculo, tras dispararse en una conversación cotidiana, "la obra circunda por varios hilos de interpretación en el discurso se hablara de traición, de abandono, de abusos, de temas ocultos como lo es la 'magia' y de creencia popular, de unión homosexual, de desgarros, de ausencias, de locura, de 'desaparecidos'".

Sobre esa base comenzaría a desarrollar su dirección Miguel Franchi, que a su vez apuntó: "Trabajamos mucho con las chicas, hicimos muchos ensayos. Para mí desde la escritura, pasando por cómo las actrices se apropiaron del texto, se me facilitó mucho la cosa. Es una obra muy bien escrita y son tres muy buenas actrices".

Para Andrea Enzetti --productora de un grupo que para este proyecto sumó además la labor de Lucas Comparetto en diseño escenográfico, Laura Perales en diseño de vestuario, Fernanda Molina en diseño de iluminación, Marco Zampieron y Martín Neirone en diseño gráfico y Pablo Palumbo en musicalización-- el objetivo del espectáculo es que "todo el mundo pueda ver la obra, desde la señora de barrio hasta el aficionado al teatro. Que todos puedan venir y al salir debatan. Esta obra va a generar que la gente tenga un intercambio sobre lo que vio, no es una obra de la cual vayan a salir en silencio".

En esa misma línea, Franchi agregó: "Estoy seguro que, como dice Andrea, la gente va a salir de la sala con ganas de debatir, de plantearse algunos interrogantes. La obra no está escrita para que estés de acuerdo con los personajes. No tenemos que hacer solamente obras en las que se pueda acordar con lo que dicen los personajes. Lo que va a ocurrir seguramente es que la gente va a sentir que hemos trabajado intensamente, no hemos descuidado nada".

- Leonel, una de las características de sus textos es que no suelen ser condescendientes con el espectador.

- L.G.: El tema del texto tiene que ver con que ellas querían que escribiera sobre el universo femenino. A mí me parece horrible el costado de darle existencia al universo femenino, me parecía que si queríamos hablar de lo femenino podíamos hacerlo desde otro lugar. Entonces les propuse hacer una comedia. Tenía puntuado hacer dos o tres cosas con una peluquería, con algo banal, hacer una comedia brillante en donde todo empiece y no pare. Y buscarle el artilugio para que en un momento la obra te detenga, explote y termine. Esa fue la intención con la escritura de la obra, que transcurre en la segunda mejor peluquería de la ciudad de Venado Tuerto, donde un sábado a la tarde están la peluquera (que no es la dueña) y la podóloga, que esperan a una clienta que se casa al día siguiente. Esta chica se demora y en ese demorarse nos vamos enterando de cosas comunes de la vida de estas chicas de 30 años de una ciudad de mediana categoría dentro de la provincia, donde lo máximo que consiguió una fue recibirse de especialista en colores acá en Rosario. Hasta que llega la tercera, una chica que vive hace poco en Venado Tuerto y se casa. Entre todo éso hay un nombre de varón que sobrevuela, y que a las tres les hizo algo, que es lo que se resuelve en la obra. Hay un argumento que quería además para la obra, que tiene que ver con un tema que me viene dando vueltas con todo lo que escribo y que es la década del 70, desde Montoneros al golpe de Estado. Eso está en la obra, es una resolución y quizás donde la obra se transforma en otra cosa. Es un interés personal que tengo sobre cierto egoísmo histórico que me atraviesa, con 34 años, sobre algo que no viví. Me da mucha curiosidad y si me empiezo a preguntar cosas se me dispara un abanico de más preguntas. Algo que justamente me interesó cuando las chicas me dijeron que las iba a dirigir Franchi, que es de una generación que vivió la época. Me interesaba mucho la confrontación de meter, en una comedia, un tema de desaparecidos.

- Considerando esta apreciación, ¿desde la dirección el tono de comedia del texto se sostuvo durante toda la obra?

- M.F.: Sí, lo sostuvimos. De hecho, ahora mientras hacemos la nota me acabo de enterar de cuál era la intención de Leonel, y estoy conforme con el trabajo que hicimos. Me parece que el autor no me va a correr por calle San Juan... (risas). Cuando leí la obra me interesó y a la vez me provocó algo. Me preguntaba si tenía que hacerla, si quería hacerla. Lo consulté con gente con la que compartí muchas cosas, desde este lugar: tipos más grandes que vivieron en aquella época, y en un momento pasó a urgirme hacer esta obra. Creo que promueve un debate, para el que quiera verlo así, que necesitamos. Si para promover ese debate que necesitamos, tengo que pagar el costo de que alguien diga "Miguel se fue al carajo", lo pago tranquilo. No podés salir ileso de todos lados, y tampoco me interesa. Estoy muy contento de haber hecho esta obra, porque en mi generación (y en otras) si alguien quiere ver algo para debatir, lo va a encontrar. Durante el proceso de trabajo con las chicas fuimos compartiendo información, viendo material, y hay algo de la puesta en escena que tiñe un poco todo. Hemos hilado muy fino.

- L.G.: Hay algo que tiene que ver con que, por ejemplo, vos vivís en Echesortu y te enterás que tu vecino, a quien conociste toda tu vida, es hijo de otra cuestión. Me interesó trabajar sobre la retransmisión de información sobre un tema muy complicado, que ni siquiera la parte afectada puede llegar a dimensionar, en un traspaso de información que tiene que ver con el chisme, se va elucubrando y al final no se sabe nada. La obra también tiene éso de las elucubraciones sobre lo que le pasa a las personas. Me resultó interesante porque es una forma de transmisión que también se utiliza en el teatro: nadie vio todas las obras que dice que vio, y todas las obras que se hicieron antes de un registro audiovisual, vienen por lo oral y lo escrito. No sabemos cómo era una puesta de Shakespeare.

Durante algo más de diez años, la dupla conformada por Juan Carlos Baglietto y Lito Vitale unió distintas generaciones de autores en un abordaje personal del repertorio popular argentino. De Cobián y Cadícamo a Adrián Abonizio, de Falú y Dávalos a Jorge Fandermole, de Roque Narvaja a Fito Páez, el repertorio del dúo quedó registrado en discos como Postales del alma, por el que lograron un Grammy latino en 1999. Después de colmar los teatros más importantes del país durante una década de trabajo compartido, el proyecto entró en un impass hasta que, en 2010, los músicos decidieron regresar al ruedo, esta vez junto a Guido Martínez en bajo y Julián Baglietto en batería. Con esa formación, hace apenas algunas semanas fueron ovacionados en el festival de Cosquín, donde presentaron una versión reducida del espectáculo que esta noche, a las 23, brindarán en el Casino Victoria.

En esencia, el concierto estará dividido en dos segmentos. El primero encontrará a Baglietto y Vitale en su clásica formación de dúo, para luego sumar al tándem de bajo y batería. Al respecto, fue el cantante rosarino el que anticipó: "El repertorio de la primera parte tiene que ver con una cosa más relacionada al tango, en versiones `a la nuestra`. En la segunda parte se incorporan Guido y Julián y hacemos temas un poco más folclóricos, y también algunas canciones".

En relación al formato de cuarteto, Baglietto adelantó: "Tenemos ganas de grabar con esta formación, editar un formato de Dvd y disco. Con Lito nos gusta la imagen, y tenemos conciertos grabados en el Luna Park, el Teatro Opera, el Gran Rex, pero nunca sacamos nada de éso. Además esas imágenes se hicieron hace más de diez años, y hoy somos un poco distintos... Nos parecía que estaba bueno actualizar la imagen y actualizar también la música".

Y si bien la intención es lograr un registro en vivo, la grabación no se llevará a cabo durante una función pública, sino en un espacio seleccionado especialmente para el rodaje. "La intención es grabar en vivo dentro de una locación que inventaremos --apuntó el cantante--. Y después vamos a seguir haciendo shows. De hecho estamos muy contentos porque en Cosquín tuvimos una acogida extraordinaria".

En ese sentido, la actuación en el festival folclórico cordobés no sólo le dio mayor impulso a esta nueva etapa del proyecto Baglietto-Vitale, sino que internamente los reconcilió con el público de la plaza Próspero Molina. "La última vez que habíamos tocado en Cosquín compartíamos la noche con Horacio Guarany, y toda la gente estaba esperando a que él tocara. La verdad es que esa noche más que de tocar, disfrutamos que el show se terminara", recordó el rosarino, que sin embargo destacó que ese antecedente no influyó en el armado del repertorio para la reaparición en esta edición 2011.

"Armamos un repertorio que nos parecía que valía la pena y ahí fuimos --explicó--. En realidad si te ponés muy analítico terminás analizando una cosa que no requiere de mucho análisis: fuimos y tocamos lo que nos parecía que salía bien y que nos iba a gustar tocar ahí. Nosotros no somos festivaleros, pero lo que sí creo que estuvo bien como criterio de elección, y eso sí fue un plan, fue bajar un poco. Lo que sucede en los festivales es que, como te dan media hora, todos los artistas tocan al mango los cinco o seis temas más fuertes que tienen. No se para nunca, es raro que suceda esa cosa de bajar, entonces me parece que eso estuvo bien. Y está buenísimo saber que el público está dispuesto a aceptarlo. Cuando comprobás que eso pasa deja de ser un riesgo".

De repasar los antecedentes de sus miembros, resulta curioso que el gen fundacional de Do Amor esté relacionado con la intención de mixtura musical. ¿Acaso la fusión de géneros no es clave en la obra de Caetano Veloso y, especialmente, dentro de su banda Cê? ¿No fue Los Hermanos una de las grandes bandas surgidas de la ecléctica escena rockera de Brasil? Pero con sólo escuchar algunas de las canciones del disco debut (y homónimo) del cuarteto, las dudas se disipan: el grupo que integran Marcelo Callado (batería y voz), Ricardo Dias Gomes (bajo y voz) --ambos miembros de Cê--, Gabriel Bubu (ex bajista de Los Hermanos que aquí aporta guitarra y voz) y Gustavo Benjâo (guitarra y voz) amplía el espectro y no sólo absorbe las raíces del Brasil sino que se extiende hasta el Africa, transita el rock por carriles de lo más diversos y suma al humor como un componente clave en su obra.

Desde Buenos Aires (y previo al show en Niceto), es Benjâo el que sintetiza el proceso de construcción del grupo, que esta noche (a las 22) actuará por primera vez en Rosario, como parte de las Fiestas Eclécticas que se desarrollarán en Mano a Mano (Ovidio Lagos 790) y que tendrán como banda invitada a la también brasilera Macaco Bong. "Somos amigos desde hace mucho tiempo, y tocábamos en otros proyectos, con otros artistas. Pero en 2006 hablamos de la posibilidad de hacer una banda donde pudiéramos mostrar nuestras músicas, nuestro trabajo. Un trabajo que tuviera nuestra cara. Esa era la idea básica de Do Amor", apuntó.

- En las canciones de Do Amor hay mucho de las raíces musicales de Brasil, pero también una gran mixtura con otras músicas. ¿Era a lo que apuntaban al momento de armar la banda?

- Sí, con certeza. Cuando nos juntamos para hacer la banda sabíamos que todos tenemos influencias de lo más diversas, porque escuchamos todo tipo de música. Entonces es natural que eso aparezca en las canciones que componemos. Incluso nosotros seguimos tocando con otros artistas, otros proyectos, entonces de alguna forma esos otros trabajos tienen su influencia en Do Amor. Ya sea en la manera en cómo se produce en esos otros trabajos o sólo por la música. Nuestra vivencia como músicos profesionales es una parte muy importante dentro de lo que hacemos. Todos nuestros proyectos se mixturan un poco en Do Amor.

Con su proyecto compartido, los integrantes del cuarteto participan activamente de la escena alternativa de Brasil, ésa que difícilmente puede ser consumida por el público argentino. Al respecto, Benjâo apuntó: "Esa escena ha crecido mucho en los últimos años. Hay un circuito de bares muy fuerte. En los últimos tres o cuatro años esa escena se mixturó mucho. Las bandas tienen muchas influencias distintas, entonces es un movimiento que se está haciendo. En Brasil hay una generación que tiene muchas influencias distintas, donde se engloban los ritmos tradicionales de Brasil con el rock, el dub, el reggae, los ritmos internacionales".

Lógicamente, el fenómeno crece web mediante: "Internet abrió las puertas para conocer otras cosas, más músicas, bandas, festivales que no se conocían antes de la explosión de internet, myspace y demás. Pienso que ha contribuido mucho para esta mixtura que viene ocurriendo tanto en Brasil como en el resto de Latinoamérica, de bandas que están dialogando, conversando con otros ritmos. Y el intercambio de bandas es producto de la explosión de internet".

En ese marco, Do Amor llegará a la ciudad junto a Macaco Bong, banda instrumental conformada por Bruno Kayapy (guitarra), Ynaié Benthroldo (batería) y Ney Hugo (bajo), sobre la que Benjâo anticipó: "Tienen muchas influencias del rock, soul y funk. Son muy creativos y muy buena gente. Son amigos nuestros, siempre nos encontramos en festivales. Y son grandes músicos".

En una Rosario donde la sonoridad de los 80 seguía marcando el pulso, en una escena en la que, apenas iniciados los 90, el punk y el metal eran movimientos minoritarios (y enfrentados), Los Buenos Modales irrumpieron con una propuesta estética quizás incomprendida para la época. Es que, con el correr del tiempo, la fusión de las líneas más extremas del rock con géneros de espíritu bailable (algo de ska, un poco de reggae) y aires latinos, se transformaría en una característica distintiva de numerosos grupos nacionales y, también, locales. A casi veinte años de su formación --y a más de diez de su separación--, el grupo regresó a los escenarios con tres de sus miembros originales, el mismo espíritu independiente y un set de vientos que hace honor a sus intenciones originales.

Liderada por Julio (voz), Eduardo (guitarra) y Pachuli (bajo), la nueva versión de LBM se completa con Federico (batería), Adrián Fontana (trombón), Franco Santángelo (trompeta) y Julián Sanzeri (saxo). Y no es menor la aparición del baterista --joven integrante de la histórica Muerto en pogo-- y de los tres últimos, que aportan sus vientos a algunas de las bandas más importantes del rock actual. Así lo distingue Eduardo Vignoli: "Cuando empezamos en LBM éramos un cuarteto punk, y era imposible encontrar un trompetista que tocara. Tengo una lista de más de veinte trompetistas de esa época, y eran todos cumbieros o jazzeros. Y cuando escuchaban lo que hacíamos me decían que estábamos locos. Por éso empecé a tocar la trompeta. Pero básicamente se trataba de mezclar el sonido crudo con lo que me gustaba, como la salsa, lo árabe, lo africano".

En esa misma línea, es el bajista el que agrega: "Lo que no pudimos hacer en todos los años anteriores lo estamos haciendo ahora, que es tratar de sonar bien con vientos acordes a lo que nosotros queríamos. Cuando empezamos, en el 92, en el rock no había vientos. Estaban los Cadillacs o Mano Negra (NdR: la banda fundada por el francés Manu Chao a fines de los 80), pero en Rosario no había ninguno que tocara rock. Ahora los temas de ese momento suenan realmente como nosotros queremos".

En una escena donde comenzaba a brillar también la banda ska Scraps, Los Buenos Modales abrieron una brecha en la fusión de géneros, con el punk y el hardcore como base fundamental. Una brecha que a nivel nacional tenía a grupos como Todos Tus Muertos y Las Manos de Filippi (o la casi olvidada Las Plantas de Shiva), y por la que, en Rosario, más tarde aparecerían proyectos como Estúpidas Partes, Carmina Burana o El Hombre Ascensor.

Para Pachuli, todo ello ocurrió de manera inconsciente: "En ese momento no nos planteamos armar una escena. Creo que se fue dando naturalmente, todos estábamos en la búsqueda de algo. Sí me parece que LBM era un grupo muy desfasado de la época, fuera de ese tiempo. No existía nada como éso, porque tenía cosas latinas pero no llegaba a ser latino, no llegaba a pegar como Los Fabulosos Cadillacs o el mismo Mano Negra. Sí me parece que cuando volvimos de nuestra gira por Alemania, se empezó a generar algo interesante, donde mucho tuvo que ver el Galpón Okupa. Ahí sí se empezó a mestizar más la cosa".

En aquellos viejos galpones del ferrocarril --los mismos que hoy ocupa La Casa del Tango--, fue donde el grupo fortaleció su condición de referente de un movimiento. Al respecto, Eduardo admite: "Puede sonar medio agrandado, pero es verdad que antes no se daba esta mezcla musical. Y respecto al Okupa, cuando en el 94 volvimos de Europa (en una gira de dos meses a la que nos fuimos como kamikazes) con Julio nos metimos de lleno en la organización del Galpón. No sólo tocando, sino agitando movidas, yo daba un taller, Julio construía cosas. Estábamos activos".

A través de internet (y de Taringa, donde pusieron a disposición la descarga de sus viejos registros), LBM mantuvo viva la llama para los viejos seguidores, y sentó las bases para sumar nuevos escuchas. Esta vez, la escena local sabrá comprender la personal sonoridad de una banda que ya comenzó a crear nuevas obras. Que ya emprende nuevas búsquedas. Y que esta noche, a las 22, lo demostrará en el Café de la Flor de Mendoza 862.

Desde su formación a fines de los '80, la productora santafesina Matecosido/Imágica Cooperativa buscó trabajar en la representación de lo popular, aportando continuidad cultural e histórica desde el terreno audiovisual, como así también fortalecer los procesos organizativos a partir de la comunicación. Volcados a numerosas producciones, esos preceptos se sostienen en La patria emprendedora, proyecto ganador del concurso de Contenidos para la TV Digital del Incaa, y que ayer culminó su etapa de pre-producción. En un alto de la jornada de trabajo en Mendoza, el director Pablo Testoni dialogó con Rosario/12 para detallar algunas de las características de un ciclo que (con ocho capítulos de 26 minutos de duración) profundizará en diversas experiencias de economía solidaria a lo largo del país, y que se emitirá durante este primer semestre.

Entre esas experiencias se cuentan las recogidas en la provincia de Santa Fe: la granja ecológica Naturaleza Viva de Guadalupe Norte (que desde hace dos décadas pone en práctica la agroecología y la agricultura biodinámica) y la Cooperativa Telefónica de San Genaro, que hace medio siglo se convirtió en pionera en su rubro. En la actualidad, la Cooperativa presta además el servicio de televisión por cable, y cuenta con el canal local al que Matecosido/Imágica se asoció para participar del concurso del Incaa. El listado se completa con las Ferias Francas de Misiones, la asociación de consumidores y productores El Arca de Mendoza, la Cooperativa de Servicios Públicos de General Acha en La Pampa, la Comisión de Lucha contra las Inundaciones y la Contaminación (Colcic) de Quilmes, la Cooperativa Cauqueva en Jujuy y la Cooperativa Renacer de Ushuaia.

Lo cierto es que la relación de la productora con distintas organizaciones sociales y no gubernamentales no es nueva. Y, desde su formación en 1989, Matecosido/Imágica forjó vínculos que derivaron en trabajos relacionados con distintas experiencias de economía solidaria. "Nos metimos mucho en un tema que nos parece integrador y globalizante de otras temáticas, no solamente la económica, sino también la organizacional, la relación con el poder, el rescate de las culturas. Así fuimos haciendo una serie de producciones educativas, materiales para la formación de líderes y organizaciones", explicó Testoni.

Sobre esas bases, diagramaron La patria emprendedora, proyecto que resultó seleccionado entre más de mil propuestas de todo el país. Y si bien la visibilidad de estas ocho experiencias particulares puede derivar en la replicación de proyectos de economía social y solidaria por todo el país, Testoni prefiere centrarse en objetivos puntuales. "Esto va a interpelar mucho al poder político, va a interpelar también a los poderes económicos. Y, por sobre todo, nosotros queremos que interpele al ciudadano, al televidente activo, que puede colaborar con estos emprendimientos desde su condición de consumidor. Tenemos un montón de expectativas, pero planteamos nuestros objetivos en la visibilización de un sector que, desde hace mucho tiempo, viene trabajando desde muy abajo", concluyó el director de un proyecto que suma entre otros a Manuel Allende, Pablo Martín Cruz, Fabián Alarcón y Mariana Rabaini.