Página#12 Libre

Las islas de la Madeleine conforman un archipiélago del golfo de San Lorenzo, a 200 kilómetros de la costa de Québec, en Canadá. Allí, en dialecto acadio la palabra éloize significa rayo de calor, y fue ése el término elegido por un grupo de artistas locales para fundar, en 1993, una pequeña compañía circense. Entre los siete integrantes se encontraba Jeannot Painchaud quien cinco años más tarde se convertiría en director general y artístico de un grupo que rápidamente se transformó en referente del arte circense de Canadá. Estrenada en 2004, Rain es la quinta producción del Cirque Eloize, con la que mañana (a las 21), el viernes y sábado (a las 22) y el domingo (desde las 19) arribarán al teatro El Círculo.

Después del debut con una obra que llevó su mismo nombre --y que se presentó en 1993--, el Cirque Eloize produjo Excentricus (1997), Cirque orchestra (1999) y Nomade, espectáculo estrenado en 2002 donde la compañía sumó por primera vez al director, autor y coreógrafo suizo Daniele Finzi Pasca. Dos años más tarde, fue él mismo el que le dio forma a Rain, un trabajo sobre el que suele explicar: "La historia se desarrolla en un teatro donde un espectáculo de circo se está ensayando, donde ficción y realidad se confunden. Las miradas de los protagonistas revelan pequeñas historias de amor, pasiones secretas y destellos de intimidad. Su fragilidad brota lentamente. Emerge en el último esfuerzo, en la búsqueda del equilibrio al extremo. Los artistas provienen de un tiempo pasado, de antiguos personajes salidos de viejos retratos, atractivos y fuertes como lo eran nuestros abuelos. Después, está el cielo, un vasto cielo".

Uno de esos personajes es encarnado por el estadounidense Jonathon Roitman, quien en su arribo a la ciudad, y en diálogo con Rosario/12, repasó algunas cualidades del espectáculo y de la propia compañía. "Uno de los aspectos que hace que el Cirque Eloize sea una propuesta diferente tiene que ver con la energía y creatividad de los integrantes, y el hecho de que los artistas se interpretan a sí mismos --apuntó--. En las obras no interpretamos personajes, sino que somos nosotros mismos. Incluso cuando reemplazamos a otro artista en un show, el show cambia en sí mismo".

En el carácter personal que cada participante imprime a la propuesta radica una de las características centrales del Eloize. "Es una de las cosas que más me gustan de estar en un circo --remarcó Roitman--. Pero incluso en algunos circos sólo se trata de mostrar lo que uno es capaz de hacer, mientras que en Rain estás pensando que todo el show se trata de tu propia historia, estás pensando en cosas que te pasaron cuando eras chico. Es un espectáculo sobre muchas cosas, pero especialmente la nostalgia por la juventud. Entonces durante todo el show vas construyendo tu propia historia, incluso para los que estamos sobre el escenario".

De esa manera, la obra ideada por Finzi Pasca se fue amoldando a la aparición de distintos intérpretes, según distinguió Roitman: "Parte del elenco que participaba cuando la obra se estrenó en 2004 ya no está más en el circo, entonces hicimos los cambios necesarios. Mucha de la escritura está relacionada con Daniele, con lo que quería expresar, y dependió también de los doce artistas originales, de sus historias y sus personalidades sobre el escenario. Cuando se fueron reemplazando, nosotros asumimos esas personalidades pero las interpretamos a nuestra manera. De todas formas, el orden de los actos, y los actos en sí mismos, se mantienen. Lo que ha cambiado es lo que ocurre dentro de esos actos".

En el show, Roitman realiza actos acrobáticos de fuerza, banquine, barra rusa, rueda cyr, trampolín, contorsión y malabarismo, además de tocar el saxo. Esa multiplicidad de roles se sostiene en el resto de los intérpretes, entre los que se cuentan las polacas Natalia Adamiecka (bungee, banquine, barra rusa, trapecio doble fijo, rueda cyr, balancín, tela acrobática, balanceo, malabarismo y pandereta) y Angelina Kogut (trapecio, banquine, barra rusa, balancín, tela y carillón), el inglés Ashley Carr (palos chinos, banquine, barra rusa, actos acrobáticos de fuerza, balancín, malabarismo y clarinete), las canadienses Valérie Doucet (fuerza y destreza, contorsión, tela, swinging club y concertina), Emilie Grenon Emiroglou (fuerza y destreza, trapecio doble fijo, tela, aro aéreo) y Anna Ward (rueda cyr, tela, balanceo, pandero y trompeta), el suizo Philippe Dreyfuss (fuerza, balancín, contorsión y malabarismo), el canadiense Yann Leblanc (banquine, barra rusa, balancín, fuerza, contorsión y malabarismo) y los polacos Tomasz Ludwicki (fuerza, balancín, mano a mano y platillos) y Lukasz Misztela (tabla balancín, contorsión y mano a mano).

A ellos se suman además Jocelyn Bigras y Benoit Landry en piano y acordeón, completando un elenco que recrea, desde el presente, la magia de otros tiempos.

La sorpresiva noticia de su fallecimiento llegó a través del periodismo gráfico el domingo por la mañana. Algunos titulares destacaban su condición de gran cineasta prolífico, otros de su actividad tanto teatral como cinematográfica y televisiva; los menos, de su fascinación por su natal Nueva York. Al leer la información sobre su deceso pensé que en los últimos años y meses aquellos exponentes del cine, grandes maestros, ya nos habían hecho llegar su último gesto, su largo adiós.

Director no siempre reconocido, autor de films que participan de diferentes géneros y temáticas, Sidney Lumet ha legado una notable filmografía que comienza en 1957, cuando el realizador contaba con 33 años. Y su primer film, que ha sido motivo de numerosas remakes, Doce hombres en pugna, se sigue nombrando a la hora de recordar aquellos films que ponían en tela de juicio al accionar de la justicia, el peso de los prejuicios y estigmatizaciones. Afortunadamente, se puede admirar en formato DVD esta pieza que se juega en un espacio cerrado y ofrece una subrayada dirección de actores, aspecto que pasaría a identificar los films de su autor.

Algunas películas de Sidney Lumet fueron nominadas y otras elegidas a la hora de la entrega de los premios Oscars. Podemos recordar, ya a mediados de los '70, su aclamado film Tarde de perros, obra en la que se ponía en juego la relación de los acontecimientos con los mass media, de los modos en que los hechos trágicos se transforman en espectáculo; y, por otra parte, se ponía en escena no sólo un conflicto delictivo en manos de dos ex combatientes de Vietnam, sino, como móvil mismo de la acción de del robo de un banco, el hecho de que el personaje que interpreta Al Pacino le permitiría lograr una suma de dinero para concretar un cambio de operación de sexo de su amigo y amante.

No intento trazar un ajustado ordenamiento cronológico sobre la filmografía de este realizador que forma parte de una destacada generación de guionistas y directores que se ubicaron, inicialmente, con las mismas funciones en espacios televisivos. En esta observación, podemos tener presente a los nombres y obras de autores tales como Arthur Penn, Martin Ritt, Alan Pakula, ya fallecidos.

Atento a las expresiones del realismo en el nuevo teatro estadounidense, Lumet escenificó, tanto en cine como tevé, los escenarios de su amada ciudad, piezas de Eugene O'Neill y Arthur Miller, tales como Viaje de un largo día hacia la noche y Panorama desde el puente, a principios de los 60, un año antes de su cautivante versión de la pieza de Tennessee Williams, Orfeo desciende, que se dió a conocer con el título de The fugitive kind y que en algunos países de habla hispana se estrenó con el hoy recordado título de El hombre de la piel de víbora; ya que aquí, su personaje, poeta seductor y vagabundo, errante forastero interpretado por Marlon Brando, llega a un pueblo del sur y allí trama vínculos con dos mujeres, desatando una escalada de violencia y de estallido de represiones, de enfrentamientos y muerte.

Hay numerosos films de Sidney Lumet que pasaron al olvido. Como Daniel, el último testigo que conocimos en nuestra ciudad a mediados de los 80, cuando ya habíamos recuperado la tan añorada democracia. En ese espacio en el que tenían lugar los juicios a los miembros de la Junta Militar de los años de la dictadura, el film de Sidney Lumet colaboraba en la actitud de reconstruir la memoria histórica. Daniel... estaba basado en el libro homónimo de Edgard L. Doctorow y apuntaba a reconstruir, desde la mirada de un joven de los años sesenta, la tragedia vivida por sus padres: Ethel y Julius Rosemberg, víctimas de la política persecutoria del maccarthismo.

Fueron los años 60 los que saludaron a Sidney Lumet desde la respuesta del público y de la crítica internacional. En esta década, en 1966 para ser más preciso, se conocieron dos de sus films más trascendentes, según consigna Peter Bogdanovich en una de sus reseñas: El prestamista, que reconstruye desde la mirada de su protagonista (un usurero del barrio de Harlem) páginas de la historia del nazismo, marcando ciertas relaciones ambiguas entre carcelero y prisionero (lo que desató, cuando su estreno, numerosas polémicas). E, igualmente, La colina de la deshonra permitía reflexionar sobre los comportamientos autoritarios y violentos que deben sufrir en grado extremo los prisioneros confinados en un destacamento militar en el Norte de Africa, en los días de la Segunda Guerra. Elegido por Woody Allen como uno de sus favoritos, La colina de la deshonra lleva al primer gran protagónico de Sean Connery.

Uno de sus últimos films, Antes que el diablo sepa que estás muerto, llevó a que numerosas publicaciones extranjeras dedicaran dossiers monográficos sobre su filmografía. Recuperaban, por igual, a films que en el momento de su estreno no habían sido motivo de extensos comentarios, tales como su pasaje por el mundo de la narrativa y de los enigmas de Agatha Christie en Crimen en el expreso de Oriente, su versión con actores negros de la mítica El mago de Oz, con Diana Ross, o bien de aquel otro personaje que componía Pacino, el de Serpico. Pero sobre todo recordaban al Lumet de Poder que mata, film electrizante que se interna en los sets televisivos y en las acciones sensacionalistas que no reconocen límite alguno y en su recreación de la obra teatral de Peter Schaffer, Equus, pieza que fuera representada en nuestra ciudad a principios de los 80.

Sin ánimo de olvidar al personaje que compone Paul Newman en su galardonado film Será justicia, ni a la visión generacional que transmite en El grupo, admirable retrato de mujeres que logra a partir de la novela de Mary McCarthy, elijo para cerrar el film maldito por excelencia de Sidney Lumet, el menos visto en los países en los que se presentó: Garbo talks o como se la conoció aquí, El capricho de Stella, film deleite para cinéfilos que nos acerca a la búsqueda que hace un hijo, Ron Silver, para poder cumplir el sueño de su madre, como último deseo de su vida; rol que asume una siempre admirable Anne Bancroft. Y ese gran deseo, en sus labios, es el de poder conocer personalmente a su actriz favorita, la Garbo, antes de morir.

Como el año pasado, Rosario vuelve a conmemorar el Día Internacional del Libro a través de un gran encuentro de la ciudad con los libros, las letras y fundamentalmente, el ejercicio de leer. Con el objetivo fundamental de despertar y fomentar el hábito de la lectura entre los rosarinos, la iniciativa incluirá una intensa agenda de actividades para todos los gustos y edades. Con los lectores como protagonistas exclusivos, desde mañana y durante toda una semana Rosario se convertirá en un gran libro abierto.

Sueltas de libros, lectura de epitafios en el cementerio El Salvador, actividades para personas con diversas discapacidades, actores que irrumpirán en medio de alguna anodina espera descerrajando versos a los transeúntes y hasta un "Arma de Instrucción Masiva" son algunas de las ingeniosas propuestas de esta semana, cuyo plato fuerte es el Coloquio internacional "Rosario: hacia una ciudad lectora" que tendrá lugar los días 14 y 15 en el Centro Cultural Parque de España, donde, con el objeto de analizar el estado de situación de la lectura en el país y la ciudad, a lo largo de dos jornadas expertos nacionales y del exterior se encontrarán para intercambiar opiniones y experiencias y proyectar nuevas estrategias en la promoción de la lectura. El ADIM (Arma De Instrucción Masiva), es un viejo automóvil (un Falcon modelo 1979, verde para más datos) convertido en una biblioteca con ruedas que su creador, el artista Raúl Lemesoff, pasea por escuelas carenciadas, villas miserias y barrios con un arma que tiene la funcionalidad de ofrecer paz regalando libros.

El miércoles, dos días antes de la conferencia de prensa, en entrevista con Rosario/12, la organizadora Fernanda González Cortiñas anticipa las novedosas propuestas de la segunda Semana de la Lectura, que comienza mañana: "hemos organizado junto a las distintas instituciones culturales de la ciudad, a propuesta de cada una de ellas, diferentes acciones vinculadas con la lectura. Por mencionar solo algunas de las más novedosas, la Dirección de Imagen Urbana, cuyo responsable es Dante Taparelli, organizó una lectura de imágenes y epitafios en el Cementerio El Salvador; el Museo de la Ciudad preparó una charla que plantea la ciudad como texto, la Isla de los Inventos hará un recorrido por las recetas de Petrona C. de Gandulfo de la mano de un importante cocinero de la ciudad; el Centro Audiovisual Rosario armó una lectura de guiones de cine, en donde actores siguen el relato con la proyección de los storyboards de las películas, algo realmente novedoso y el Museo Castagnino+Macro organizó una lectura de imágenes con una performance a cargo del artista Adolfo Nigro, la poeta Laura Haimovich y el músico Pichi De Benedictis".

Desde su primera edición en 2010, la Semana de la Lectura, como resume González Cortiñas, "es una acción que surge como un plan de sensibilización del tema desde el proyecto Biblioteca del Bicentenario. El año pasado llevamos adelante algunas acciones de bajo presupuesto, para tratar de empezar a instalar el tema y ver qué pasaba y la verdad es que nos sorprendimos con el grado de participación de la gente. Por eso este año decidimos subir la apuesta y organizamos, por ejemplo, un coloquio internacional para charlar sobre lectura con la gente a la que le interesa el tema: docentes y bibliotecarios, pero también voluntarios de lectura, padres, abuelos y lectores en general. Para eso traemos a los representantes de los distintos planes de lectura que existen en la Argentina, pero también de Brasil y Uruguay. Tendremos mesas relacionadas con los nuevos formatos de lectura no sólo la computadora o el e book, sino las redes sociales, los blogs, los celulares , con otras formas de leer vinculadas a las discapacidades, dado que la inclusión es uno de los ejes fundamentales de la Biblioteca del Bicentenario , analizando la relación entre lectores y bibliotecas, conociendo el rol social de la lectura, o a través de los voluntariados. También habrá mesas con escritores en las que éstos conversarán con el público acerca de sus caminos lectores".

Otra de las grandes propuestas de esta segunda edición es La Noche de las Librerías, que tendrá lugar la noche del viernes 15 de abril, desde las 18 y hasta la 1, al cierre del coloquio. Participan las librerías: El Ateneo, Stand EMR/UNR, Ameghino, Puerto Libro, Ross, Logos, Buchín, Homo Sapiens, Técnica, El Aleph. "La idea es replicar lo que ya se hace en otras ciudades del mundo: mantener abiertas las librerías de noche por esta vez, y por cuestiones de seguridad, sólo las de la peatonal Córdoba y aledañas con distintas acciones vinculadas al estímulo a la lectura. También habrá algo de lo que se hizo el año pasado: intervenciones urbanas, como las invasiones de lectura actores irrumpen en distintos espacios públicos donde la gente espera, y los sorprenden con pasajes de cuentos o novelas , una acción de bookcrossing o liberación de libros masiva, para lo cual recibimos el apoyo de las distintas editoriales de la ciudad que nos donaron un número importante de ejemplares". La agenda día por día está en www.rosariocultura.gob.ar/lectura.

Si bien la esencia de San Telmo Lounge no perdió (ni perderá) su carácter tanguero, el cuarteto que conforman Martín Delgado (guitarra, arreglos, programación y dirección musical), Maximiliano Natalutti (violín, viola y cuerdas), Lucas Polichiso (piano y sintetizadores) y Pablo Gaitán (bandoneón) demuestra en Al filo que en ocasiones los límites no son más que una autoimposición. Y si el debut con McDougall Tango presentaba al grupo como una novedad dentro del mercado del tango electrónico, con este cuarto disco los STL se separan claramente de un estrato musical desgastado y repetitivo. Sosteniendo sí a la electrónica como complemento, en este trabajo juegan con nuevos estilos y empiezan a perfilar un camino con el tango canción.

Sin embargo, para el compositor Martín Delgado el cambio sustancial tuvo que ver con una ampliación en la instrumentación, según afirmó a Rosario/12: "La premisa con la que arrancamos desde el proceso compositivo del disco tuvo que ver con que en vivo ya veníamos tocando con batería y bajo, entonces queríamos que esos instrumentos estuvieran grabados y no secuenciados".

En el proceso de grabación, esos roles fueron ocupados por el baterista Sebastián Mamet y el bajista Tutu Rufus, quienes participarán además del concierto de presentación de Al filo, ése que esta noche a las 21.30 se realizará en la Sala Lavardén, y que sumará como invitados a Fabián Gallardo, Coki Debernardi, Daniel Pérez y Lisa Polichiso. La presencia de los cantantes no es azarosa: en su nuevo disco, STL amplía aun más su acercamiento a la lírica. "Sentía cada vez más la necesidad de pasarme al formato de la canción --explicó Delgado--. Mantener la idea de experimentar entre el tango y otros géneros, pero con un formato de canción. Por ese motivo decidimos incorporar más letras, por una necesidad de incursionar en una búsqueda por un nuevo tango".

Sin embargo, no fue solitaria la labor lírica de Delgado, que en "Tristezas de monoblock" contó con la colaboración de un especialista, Adrián Abonizio, que además participó de la grabación en un inédito rol rapero. Dentro del listado de invitados, Al filo suma al ex Bersuit Juan Subirá (que establece un interesante dueto con Abonizio), a Palo Pandolfo (también en dupla con Debernardi en "Tour de France"), el bandoneonista Pablo Mainetti y a Limón García con un recitado en "Confundido".

Desde lo musical, si bien el tango sigue siendo la marca esencial de STL, aquí es justamente la canción la que empieza a preponderar, dando la base para la aparición de nuevos géneros. "Una de las cosas que empezamos a ver que sucedían con el llamado tango electrónico es que tenía ciertos límites cerrados. Quisimos seguir innovando, entonces buscamos qué cosas nuevas podíamos aportarle al género. Ahí aparece la intención de jugar con ciertos aires folclóricos argentinos, el hip hop, un bajo de cumbia, cosas del folclore europeo. Siempre la idea es llevar un poco más allá los límites del tango".

- Si se va siguiendo la discografía del grupo, es difícil pensar qué puede venir después de Al filo. De hecho con el correr de los discos se han focalizado más en el tango, donde la electrónica es más bien un complemento.

- Sí, de hecho creo que fuimos electrónicos solamente en el primer disco, y un poco en el segundo. Después siempre usamos a la electrónica como un complemento. No lo digo porque seamos mejores ni peores, ésas fueron las miradas que surgieron. Tal vez porque ninguno de los músicos somos esencialmente electrónicos, con el tiempo nos va quedando más cómodo que la electrónica sea un complemento, un color para la canción. Creo que la línea de este disco es más cercana a lo que San Telmo va a seguir siendo, el tango con formato de canción, pero siempre con un coqueteo con algún otro género. Lo que sí trato de respetar es que el tango sea el eje conductor, después todo lo demás es bienvenido.

Actor, profesor de música y teatro de títeres, licenciado en gestión educativa, y autor de libros como Los lenguajes del arte en la EGB, El taller de educación artística en la escuela especial (Homo Sapiens 1998, 2001 y 2003) y Títeres y máscaras en la educación (Homo Sapiens 2003 y 2005), Daniel Tillería Pérez le dio forma a una nueva investigación. Publicado por Germinal, Del lenguaje a la lectura, de la lectura a la escritura y al mundo de las ideas es el flamante trabajo de un autor que se focalizó en niños con discapacidad y en situación educativa irregular, y pudo así derrumbar algunas hipótesis instaladas en la sociedad. En particular, aquella que indica que en Argentina el nivel de lectura es crítico.

"Hay toda una cosa de echarle la culpa al país, pero me dí cuenta que en relación a la lectura estábamos mejor que otros países de la región, que no andábamos tan mal. Que nuestros chicos, de una u otra manera, leen", apunta Tillería Pérez, que durante el proceso de escritura de su nuevo libro se relacionó con docentes de Perú, Chile y Bolivia, para comprobar que en otros puntos del sur americano la situación era aún más caótica. "En Argentina el libro no paga IVA, entonces es más barato, hay más acceso a la lectura --explica--. En el país existen las bibliotecas populares. Son muchísimas y están en las ciudades, comunas, en todos los barrios, lo que representa otro punto a favor. Los chicos leen porque tienen acceso a los libros. Ese fue uno de los disparadores para ver dónde estaba la falla. Trabajé fundamentalmente entrevistando docentes de Chile y Perú, dos países que han aplicado el neoliberalismo a rajatabla. En los dos tienen graves problemas con la educación y con la lectura. Los 90 nos marcaron por el neoliberalismo. Estamos tratando de salir, entonces es un buen momento. Hay una nueva mirada sobre la educación, hay más recursos hacia la educación y hay una propuesta nacional circulando para que el chico se acerque a canalizar inquietudes. Y una de ellas es ésta, la lectura".

El libro, ante ese panorama, aparece como una herramienta democratizadora. "Fue bueno contactarnos con docentes para ver cómo cambiamos esta mirada del `deber ser` por el `yo quiero hacer`. Buscamos lograr este pensamiento de lo interpluritransdisciplinario. Es decir, no hay solamente un área que tiene que ver con la lectura, porque todos los docentes trabajamos con la palabra escrita. Es bueno pensar en grandes temas de conocimiento y que todos confluyamos. Todos podemos aportar hoy a la lectura", apunta Tillería Pérez.

En su obra, la mirada está puesta también en el trabajo puntual de los docentes y sus alumnos, en una tarea donde influyó su propia experiencia como educador: "La falla está principalmente en las metodologías que se usan en las escuelas. Este libro fue pensado entonces para los padres y para los docentes, para acercar a los chicos a la lectura desde otros lugares. Y a la lectura placentera, no a la lectura obligatoria. Al chico se le entrega un libro y se le obliga a leerlo. La cosa no es así, la cosa es conquistarlo, que el chico lea por placer. Allí fuimos haciendo un trabajo con docentes y alumnos míos en situaciones prácticas. La última práctica fue muy buena, porque se trabajó con chicos discapacitados y llegaron a trabajar con Viaje al centro de la Tierra, un texto que no es fácil de trabajar. Pero lo hicieron con teatro de títeres. Para poder armarlo tuvieron que recurrir a una ayuda que mediara entre la lectura y el niño. De éso se trata, de buscar nuevos recursos para acercar al niño a la lectura".

Para el docente, apelar a herramientas poco utilizadas resultó "una gran ventaja". "Había dos caminos, uno era leer un cuento y teatralizarlo y otro era crear personajes y armar un cuento propio. Ambas cosas llevaron como resultado a la palabra escrita, y volvíamos al libro. Después trabajamos con el kamishibai, una técnica japonesa en la que los chicos construyen sus propias escenas con papel transparente y van contando. Hay que buscar técnicas entretenidas, novedosas. Todo esto fue rescatando la palabra, y el chico también podía producir textos propios. O al revés, ir al texto y modificarlo, entonces un texto servía de pretexto", describe el autor.

En ese marco, el acercamiento de los niños a la lectura permite descubrir problemáticas que pueden ser tratadas por equipos especializados: "Vimos que la lectura podía servirnos para ver qué problemas traía un niño. Porque muchas veces no se trata de no querer leer, sino que muchas veces el niño no lee porque tiene problemas, y entonces se puede derivar a un gabinete. La lectura es liberadora, transformadora, y por éso nace este libro, es la razón por la cual se fue gestando".

En Del lenguaje a la lectura... hay también lugar para el análisis de aquello que ocurre por fuera del aula. "Vimos otros lugares que ocupa la lectura en la vida cotidiana --distingue Tillería Pérez--. Si los niños están influenciados por los medios masivos, tan contaminados, porque no se le dan programas ricos, se va desvirtuando el pensamiento del niño, que no se acerca al libro porque es más fácil mirar estos programas en circulación. Por éso en un momento pensamos en un trabajo conjunto entre padres y escuela. Volver a esa unión indisoluble que en un momento fue tan importante. Pero los padres en la década del 90 fueron expulsados de la escuela. El tema educativo también cayó en la década del 90. Es el momento de retomar muchas cosas".

- Incluso en ciertos sectores se da una confrontación entre padres y docentes, con culpas cruzadas sobre quién debe hacerse cargo del chico.

- Exactamente, fue ése momento. Hubo un quiebre en el que se desvalorizó la profesión docente. La escuela comenzó a ser mal mirada. Entonces vemos hoy que, mientras otras instituciones se van desmembrando, la escuela sigue aportando, sigue estando, dando respuestas al niño y a la educación. Entonces creo que es el momento preciso para retomar esto, lo más importante, la lectura. Porque el niño se apropia del mundo a través de la lectura. El bebé mismo comienza a recibir el lenguaje de los adultos, pero luego quiere conocer más palabras, cuando aparece el libro de cuentos, la palabra escrita. Si sabemos rescatar esto tan rico, que está en ebullición, vamos a retomar un muy buen camino.

De allí que la obra no esté destinada exclusivamente al ámbito escolar, según concluye el autor: "Es un trabajo para todos los adultos que trabajen con chicos, para centros culturales, centros barriales. Incluso un capítulo está dedicado a cómo armar proyectos de lectura en barrios, en comunas", concluye.

De la basura o los deshechos, de aquello que cumple su ciclo vital, surge el compost. En un punto de madurez que ya se traslucía en su música, Cielo Razzo puso en zona de descomposición algunas viejas experiencias y las transformó en un área fértil para la creación. El resultado son once canciones en las que la banda alterna momentos de alta tensión rockera con pasajes de cuidado tinte acústico. Lanzado en noviembre, Compost se presentará hoy a las 21.30, cuando la banda brinde su primer concierto del año en el Salón Metropolitano.

Ya se ha dicho en estas mismas páginas: con cada nuevo disco, Cielo Razzo demostró que sus objetivos están marcados más por honestidad que por interés comercial. En Compost no hay condescendencia con su inmensa cantidad de seguidores, que sí comprendieron que la identidad del grupo no está atada a fórmulas. "Pero no son decisiones que hemos tomado -aclara el cantante Pablo Pino . Nos encantaría hacer un disco con todos hitazos, con temas que le gustan a todo el mundo. La realidad es que el tiempo y los discos nos fueron llevando a lo que hacemos. Estamos seguros que queremos que cada disco nos sorprenda y sorprenda a la gente. Estos discos son el reflejo de esa idea. Las canciones las trabajamos, queremos transformarlas para que sean bonitas. En este disco encontramos cosas que no encontramos en otro disco, se expandió el juego. Nos sentimos exactamente igual que diez años atrás. Las canciones se van moviendo, son distintas y eso nos divierte".

Entre la furia irónica de "Dulce nana" a las intimistas "Murciélago" y "De Ogro", o a los ricos matices de "Reacción", la amplitud de Compost es, probablemente, aun mayor que la de Grietas. Y, en ese marco, refleja la madurez de un grupo que transformó experiencias pasadas en un suelo fértil. "Como todas las cosas que van pasando en el tiempo y creciendo, nosotros tenemos enfermedades y problemas propios de una banda que, si bien no es vieja, está cerca de cumplir los 20 años. Estamos todo el tiempo conviviendo con cuestiones de edad de grupo, de personas. Si bien sabemos que no somos viejos, ni mucho menos, no estamos fuera de órbita, empiezan a aparecer nuevas cosas. En el disco nos encontramos con que estábamos con muchas cuestiones, problemas, decisiones que tomar. Nos costó mucho sacarlo, tardamos mucho. Estamos en Argentina, en un proceso que nunca fue ni será fácil. Somos músicos del tercer mundo, sin ninguna multinacional atrás. Todo eso causa ciertas complicaciones. Nos sentimos músicos under más allá de la gente que vaya a nuestros recitales. El nombre del disco de alguna manera es eso, el transcurso y la energía que se mueve. Y nosotros somos insectos tratando de hacer canciones de eso".

Para Cielo Razzo, el camino de la independencia no es uno obligado por la circunstancia, sino más bien una elección que se sustenta en la capacidad de producción del grupo y en la experiencia obtenida en vínculos previos, según analiza Pino: "Si bien las compañías ya no nos llaman, ya lo hicieron en su momento. Hemos tenido charlas con compañías independientes y multinacionales. La experiencia que hemos tenido nos vino bien en su momento, pero a largo plazo terminó complicando la existencia. Trabajamos con las canciones como nos parece que tenemos que trabajar y no estamos pendientes de la movida o de lo que está mandando la moda del momento. Todo eso las compañías ya lo saben. El hecho es que no tenemos ganas que nos metan palos en la rueda o que haya problemas que podemos solucionar siendo independientes. La compañía te da y quita tranquilidad a la vez. Pero seguiremos así hasta que cambiemos de opinión. Hay muchas cosas, somos una banda con sus mañas, conocemos el negocio y que las cosas que te puede ofrecer una compañía ya no existe. Para las compañías la industria está muy mala. Ahora en nuestro caso intentan sumarse al trabajo que hemos hecho durante todos estos años".

Lo cierto es que Cielo Razzo es un número tentador para cualquier empresa, pero la ilusión empresarial se desvanece detrás de formas propias de una banda cuyo espíritu tiene más de barrio que de oficina lujosa. Esa consecuencia con las raíces es la que ha llevado a los Cielo Razzo a sumar como invitadas a algunas de las mejores bandas de la ciudad en los masivos shows que suelen ofrecer en Buenos Aires.

Si de masividad se trata, y en sintonía con la presentación oficial de Compost, el de esta noche en Metropolitano será seguramente un concierto de gran convocatoria. Allí estarán entonces Pino (voz, guitarras, sikus, armónica y ocarina), Cristian Narváez (bajo y coros), Javier Robledo (batería y coros), Diego Almirón y Fernando Aime (guitarras y coros), a quienes se sumarán buena parte de los invitados del disco, entre ellos Fabricio Simeoni (quien aporta prosa y recitado en "Cascarudo"), Nahuel Marquet (voz y acordeón), Maxi Natalutti (violín), Andrés Abramowski (mandolina) y Paolo Ferrara (violonchello).

El próximo mes de octubre, el Coro Polifónico de la Universidad Nacional de Rosario habrá alcanzado los 44 años de una historia que, el último cuarto de siglo, estuvo a cargo del maestro Francisco Maragno, quien luego de fundar el Coro Polifónico Provincial de Santa Fe tomó la conducción del organismo que, por estos días, va diagramando una nueva temporada y completando sus cuerdas. Sin restricciones de cara a la conformación de su cuerpo, el proyecto dirigido por Maragno sí establece objetivos precisos al momento de la selección de un repertorio en el que sólo caben obras trascendentes. "Hay una filosofía que inspira nuestra tarea", distingue al respecto Maragno.

Crítico y analítico, desde el Coro Polifónico el director busca establecer parámetros que concuerden con una ideología clara respecto al valor que debe otorgársele al quehacer cultural. "El tema cultural es casi inabordable y la sociedad misma es imprevisible --apunta--. Todas las cosas que han sucedido a través de la historia se han hecho con un objetivo, pero después se han concretado otras cosas distintas. El cristianismo, por ejemplo. ¿Qué tiene que ver el evangelio de Jesucristo, de los primeros cristianos y los apóstoles con lo que es el cristianismo hoy? ¿Qué pasó con la revolución francesa, con la revolución rusa? Todo ocurre así. Incluso en la música, ¿qué pasó con el dodecafonismo? Es evidentemente un hecho histórico, que tiene cosas muy importantes para rescatar, pero hay otras cosas que evidentemente fallaron, que no respondieron a las expectativas. Por éso en este momento, donde hay todo un movimiento de invasión populista, que no solamente se da en la política sino también en el aspecto cultural, es un tema que vale la pena tratar seriamente, no aceptarlo simplemente".

- ¿Desde el Coro Polifónico se busca generar un espacio de resistencia ante esa situación que menciona?

- Es lo que nosotros tratamos de hacer. He tratado persistentemente hacer éso. Incluso me he dado cuenta que la misma gente del Coro no creía mucho en éso hasta que escucharon la última grabación que hicimos. Es un repertorio donde hay de todo, música profana, romántica, pero nada de eso lo hemos hecho con un sentido determinado, sino que lo único que determina su presencia en el repertorio del Coro es su calidad. Y el hecho de que todos los temas tienen algo trascendente, relevante, algo que vale la pena. En cambio ahora, mucho del repertorio que uno escucha es irrelevante, intrascendente. Yo, francamente, lo percibo con claridad.

Director del organismo desde hace 25 años, Maragno asegura que desde ese lugar ha tratado de "dar testimonio de la actividad creativa de un amplio período histórico, comprendido desde el temprano Renacimiento a nuestros días, y a lo largo de una trayectoria que felizmente ha perdurado en el tiempo 43 años". En ese marco, distingue: "El repertorio que ha tomado el Coro no se limita a hacer un determinado sector. Algo que sí ocurre con algunos directores, como (Sergio) Siminovich en Santa Fe, con el Coro Polifónico Provincial que yo fundé y dirigí durante 34 años. El hace sólo música barroca, Häendel, Bach, Vivaldi. Nosotros tratamos de tomar todo, porque entendemos que hay una línea creativa que permanece, y que incluso está presente también en el Siglo XX, y que tiene que ver con los contenidos relevantes".

La postura de Maragno se cristaliza en las actuaciones de un organismo que en su función del pasado 16 de diciembre interpretó obras como "Madonna sua mercé" de Marenzio, "O vos omnes" de Casal, "Judaskuss" de Hindemith, "Indio" de Dublanc y el "Salmo 129" de Virtú Maragno, entre otras. "El mundo ha cambiado, y da la impresión de que las obras creativas del pasado remoto o inmediato hubieran perdido vigencia, y la intención, pareciera, es un reemplazo por una cultura de masas que 'democráticamente' involucra a todos y no es excluyente como el denominado arte clásico o académico, que sólo convoca a las elites iniciadas. Esto es sin duda una gran confusión que se irá despejando con el tiempo, pero mientras tanto habrá que soportar las agresiones que provocan el mal gusto y la irrelevancia. Precisamente, la característica de los repertorios presentados por el Coro Polifónico de la UNR son sus contenidos relevantes, enriquecedores de la espiritualidad del oyente, sea en las cuerdas líricas dramáticas, o en el mero entretenimiento lúdico sonoro, de obras menores que juegan un poco con el sonido y con la trama. La calidad estética está claramente caracterizada en todo el repertorio. Por otra parte, el coro universitario interpreta así la proyección cultural y educativa que la UNR tiene la obligación de procurar a su entorno ciudadano, que la sostiene y estimula a crecer", expone el director.

Con ese precepto el Coro Polifónico inició las actividades del 2011, y continuará sumando voces de cara a la conformación de su nueva temporada. "La convocatoria para el ingreso es amplia, sin restricciones. No quiero asustar a nadie. Todos pueden participar, estudiantes, docentes, no docentes, aficionados en general. Este año, el coro llevará adelante la grabación de un disco, y que recibirá inscripciones los martes y jueves, desde las 19.30, en la Escuela de Música de Berutti y Riobamba.

En menos de un lustro, Aymama le dio forma a dos discos destacados. De hecho, a poco de su formación, el proyecto que integran Mora Martínez (voz y percusión), Florencia Giammarche (guitarra y voz) y Paula Suárez (piano y voz) obtuvo un Premio Gardel por su disco debut, en el que le daban forma a versiones personales de obras como Campo Afuera de Carlos Di Fulvio, Canto al Río Uruguay de Ramón Ayala o la Chaya de la albahaca de Armando Tejada Gómez y Cuchi Leguizamón. Para su segunda experiencia discográfica, el trío también decidió focalizarse en la música de raíz folclórica argentina, aunque con un denominador común: la obra de María Elena Walsh. Y será precisamente ese material el que esta noche presentarán en la Fábrica Cultural El Molino de Boulevard Gálvez y Pedro Víttori (en la ciudad de Santa Fe), y que mañana recorrerán nuevamente en la Sala Lavardén de Sarmiento y Mendoza. Ambas funciones darán comienzo a las 21.30, con entrada libre y gratuita.

En diálogo con Rosario/12, Suárez narró el proceso de creación de un disco que se publicó algunos meses antes de la muerte de una autora fundamental. "Este disco era un proyecto que teníamos en la cabeza desde hace un tiempo. Había pasado un poco más de un año de la salida del primer disco, empezamos a pensar concretamente en el contenido de un segundo material y reflotamos esta idea de dedicarle una obra a María Elena Walsh, algo que teníamos preconcebido. Era el momento para hacerlo porque las tres teníamos el recuerdo muy fresco de lo que había significado para nosotras María Elena, y no queríamos dejarlo pasar en el tiempo", explicó la integrante del trío.

En Las Aymama cantan María Elena Walsh aparecen obras como Zamba de los días, Chamarrita de Colonia, Barco Quieto, Sin señal de adiós, Las estatuas o la infaltable Como la cigarra, dentro de un repertorio que se completa con En el país del no te olvides, canción que Teresa Parodi compuso especialmente para el homenaje. En ese marco, el criterio de selección que primó en la confección del repertorio estuvo vinculado con la raíz folclórica presente en las obras de Walsh. "El principal criterio fue hacer canciones folclóricas, con estructuras folclóricas para poder comprenderlo dentro de lo que hacemos nosotras --apuntó Suárez--. Con éso se nos acotó la selección, porque cuando nos pusimos a revolver en la obra de María Elena Walsh nos encontramos con muchísimas más canciones de las que conocíamos. Cada una era más linda que la otra, pero no todas eran folclóricas. De todas maneras, también tuvimos que hacer una selección dentro de ese recorte, y empezaron a jugar también otras cosas, como con qué canciones nos sentíamos más identificadas. Realmente hicimos una preselección de bastantes temas, unos treinta, los tocamos, hicimos los arreglos y buscamos cuáles nos quedaban mejor. Así nos quedamos con los temas del disco".

Y si bien el trío se manejó dentro de ese espectro, también hubo margen para cierta relectura, según apuntó la cantante y pianista: "Nos tomamos algunas licencias. Para hacer la Serenata para la tierra de uno ahondamos un poco sobre qué significaba el ritmo de serenata dentro de la Argentina, dentro de América, e intentamos meterlo dentro de esa estructura. Y creo que la canción que más tergiversamos, por decirlo de alguna manera, fue Como la cigarra, que la hicimos más tirando a un rasguido doble".

Hastiados de una escena teatral que parecía cerrarse sobre sí misma, en 2006 algunos jóvenes actores de la ciudad decidieron salir al encuentro del público con propuestas accesibles y de calidad. Y, a partir de una convocatoria de la Secretaría de Cultura municipal, el grupo concursó con su intención de montar un teatro móvil. "Quizás no era una idea muy original, porque todo el mundo alguna vez quiso tener un teatro móvil, un teatro con el cual poder salir a recorrer las ciudades --analiza hoy Nicolás Jaworski, actor y director del grupo Tablas Rodantes--. Fue como retomar lo que se hacía en Venecia en el 1700, donde las compañías salían con sus carromatos para llevar sus comedias a todos lados. Ese es el origen de la comedia del arte".

Seleccionados en esa misma convocatoria, con el subsidio obtenido se lanzaron a la construcción artesanal del vehículo-escenario-depósito. "Ninguno es experto en construcción de este tipo de cosas, pero empezamos a hacerlo, a convocar gente para que participara del proyecto y hoy ya está funcionando, empezando a rodar", apunta Jaworski, conductor de una compañía que por estos días se completa con los actores César Artero, Ani Cortarello, Daniel Covacevich, María Franchi, Martín Ovando, Mariano Oviedo y Lumila Palavecino (a los que se suma el propio director); los músicos Alejo Castillo y Mauro Orizi, Marcela Ruiz en asistencia general y Ulises Moset en difusión.

Ese es el staff completo de Arlequín, tercer trabajo del grupo que hoy, a las 21.30, se presentará frente a las escalinatas del Parque de España (Sarmiento y el río). El concepto, en tanto, es el mismo que marcó los primeros pasos del grupo: "La idea, siempre, fue hacer teatro para el espectador común. No hacer más teatro para gente de teatro. Entonces buscamos hacer espectáculos que cualquiera pueda entender, que a cualquiera le gusten, le interesen".

En ese sentido, el teatro independiente rosarino atravesó una etapa en la que, quizás motivados por la ausencia de público, los creadores se tornaron algo crípticos. "Es cierto, estaba sucediendo éso --coincide Jarowski--. Estábamos buscando hacer teatro que le gustara a nuestros propios colegas. ¿Por qué? Porque la gente no llegaba al teatro, y eso pasaba porque a lo mejor no entendían los espectáculos, o porque el teatro independiente hacía éso. A nosotros, sin irnos a un lugar comercial (porque tampoco queremos llegar a algo comercial, porque no queremos hacer teatro de revista, que salga en la tele o sea chabacano), nos interesa conservar el espíritu clásico de la comedia del arte y no cerrarnos en que solamente lo entienda el público que está acostumbrado a ver teatro".

"Por éso también vamos a la calle, ahora al Parque España, después iremos a la plaza del barrio, al club --agrega--. Vamos a ponerles el teatro en la puerta de la casa, para que no tenga excusas para no ir. Sabemos que para el teatro es difícil sacar a la gente. Es difícil llevar gente a las salas, salas enormes donde si no se hace teatro comercial no se superan las treinta personas. Entonces buscamos que la gente pueda acceder a esto sin ningún sacrificio. Caerle a la gente y que lo vea".

En esa acción, el grupo colabora en la formación de públicos, en una línea similar a la propuesta de la Asociación argentina de actores, delegación Rosario, que desde principios de mes propone espectáculos a la gorra frente a las mismas escalinatas del Parque España. De hecho, esta tarde a las 19.30 se presentarán Los Nadies con su obra Paisajes humanos, para darle luego paso a la aparición del carruaje y Arlequín. Al respecto, el director reconoce: "La idea es apoyarnos entre todos, que sirva para todos. Tenemos los mismos objetivos, encontrar gente que se interese por ver lo que hacemos".

Desde su formación, Tablas Rodantes buscó que ese encuentro con el público se lograra mediante obras diversas. Así, el debut se dio con La pecera, concentrada en dos adolescentes. "Después tomamos El reñidero, un clásico de Chèjov sobre letra de Sófocles, que si bien es una adaptación de una tragedia griega, era algo muy cercano a nosotros, al complejo de Edipo, cosas que a todos nos pasan. Era una historia muy clara", repasa Jaworski, que en relación al nuevo proyecto detalla: "Arlequín es una comedia de enredos a lo Darío Vittori. En esa obra lo que nos aleja a nuestra realidad serían nada más que los vestuarios y las máscaras, pero la historia es la de un muchachito que consigue un trabajo en el que no le pagan, sale a buscar otro y entonces tiene dos trabajos simultáneos. Como no puede atender a los dos, se la pasa cometiendo enredos, hace locuras que provocan que todos los personajes que están alrededor de él no entiendan nada de lo que está sucediendo. Es una comedia de enredos para toda la familia. Es para ir a divertirse y pasarla bien".

A un año y medio de su designación como secretario de Cultura de Rosario, Horacio Ríos siente que se va aproximando a lo que, imaginaba, sería el perfil de su gestión. Abierto al diálogo con los actores culturales de la ciudad, afín al proceso descentralizador que ha caracterizado a los gobiernos socialistas, Ríos es consciente de que en un año marcado por las elecciones, la cultura también jugará un rol destacado, según expresó en diálogo con Rosario/12.

Por julio de 2009 explicaba que el inicio de su trabajo debería estar dedicado a un proceso de organización, relegando la impronta personal de su gestión. Transcurrido un año y medio, ¿cree haber alcanzado algunos de los objetivos que se planteó al momento de asumir el cargo?

Creo que sí. Obviamente algunos de los objetivos personales estaban metidos en esta especie de rueda que venía adelante mío, que tenía que acompañar como proceso de gestión. En ese marco el Museo de la Memoria es uno de los objetivos grupales en los que también hay algo personal, porque pudimos lograrlo, porque formé parte del proceso de recuperación del espacio hasta la propia inauguración. Tanto eso, como los programas que venimos haciendo a partir de encontrarnos con otros sectores culturales, con el resultado del Foro que se organizó en el Centro Cultural Bernardino Rivadavia. Planteando también un segundo encuentro a fines de marzo para volver a escuchar las opiniones de todos los sectores. Además de lo que está pasando con nuestros propios espacios, con una puesta en valor no sólo de los edificios, sino también lo que consideramos un reimpulso de las programaciones, la impronta de cada uno de los directores.

¿Qué panorama imagina para el área de cultura en un año que estará atravesado por distintas instancias eleccionarias?

Obviamente el proceso electoral y el cruce de discursos van a atravesar un área tan importante para la ciudad. Cada vez se va ensanchando más la propia definición de la palabra cultura. Si para el resto de los candidatos cultura es lo que para nosotros (un modo de vida, de vestirse, de comer, hablar, vincularse, consumir espectáculos, disfrutar de la vida cotidiana, leer, cantar, bailar), entonces evidentemente vamos a estar presentes en la mayoría de los discursos. Y no se trata de ser superados, pero si estás muy seguro y tranquilo por estar haciendo lo que considerás que corresponde (en una ciudad con tanta amplitud, que nuclea tantos sectores, formas de pensar, de ver y hacer las cosas), si sos todo lo democrático que se puede, creemos que no deberíamos tener problemas. Todo lo contrario, deberíamos trascender toda posible discusión, pasarlas a un segundo plano, para poder trabajar a partir de lo que queremos hacer como gestión. No voy a correr un centímetro lo que consideramos que tiene que ser la gestión por una coyuntura política.

¿En el marco de esa coyuntura política el Puerto de la Música puede ser uno de los principales puntos de debate?

Sí. Nosotros tenemos la certeza de que es un proyecto absolutamente positivo. Es muy difícil encontrar a un gestor cultural hablando mal, discutiendo o siquiera considerando la posibilidad de no darle lugar a un proyecto de esa magnitud. Lo que pasa es que se cruzan otros debates, y me parece que ahí van a estar el Ministerio de Innovación, el propio gobernador y toda la estructura política que forma parte de la cocina del proyecto, que obviamente va a participar de ese debate. Creo que nosotros acompañamos muy bien al debate a partir de darle una valoración espacial, y hasta simbólica, al propio Anfiteatro. Si hubiésemos dejado ese espacio, no hubiésemos establecido la relación que establecimos con los músicos de Rosario, con el Sindicato de Músicos, con los independientes, y probablemente ese debate hubiese sido mucho más complicado. Nosotros tenemos que aportar desde nuestro lugar, y tenemos cosas para proponer. Y me parece que de cara a las elecciones las grandes discusiones pueden estar en otros lugares. Para nosotros hubiese sido mucho más fácil hacer cinco o seis acciones grandes en espacios públicos, seguir con esa tónica, generar un impacto comunicacional a partir de eso y gastar la plata que gastaron otros lugares, otros sectores, otros gobiernos, y generar repercusión a partir de eso. Sin embargo no lo hicimos así. Imaginate que poner medio millón de pesos en un escenario al lado del Monumento, me puede dar seguridad en cuanto a convocatoria y repercusión. Pero ese medio millón lo tengo que sacar de otros lugares, y no estamos demasiado de acuerdo con eso. Hay que equilibrarlo. Podemos hacerlo, pero también podemos hacer otras cosas y no depender específicamente de esas exposiciones.

La última semana se inició la programación cultural de verano, que volverá a mostrar el espíritu descentralizador que viene marcando a las propuestas de la Secretaría. ¿Profundizarán en esa política de apertura hacia los barrios?

Sí, creo que por suerte cada vez va a ser mejor, de más llegada e impacto. Y digo lo del impacto porque para nosotros fue muy fuerte lo que pasó en las piletas, donde nosotros nos jugamos una carta importante: no estamos llevando música al barrio, sino que estamos poniendo un escenario al lado de la pileta del barrio. Llevar la actividad a los espacios de los barrios es también una definición de lo que estamos buscando. Y buscamos que haya una propuesta permanente. La estructura de la Secretaría es muy grande, y el presupuesto sostiene también gran parte de la actividad.

En relación al presupuesto para Cultura, hay un monto importante que se destina a los proyectos de coproducción, que quizás no tienen una gran visibilidad.

Sí, este año hicimos una cosa inédita y que quizás no tuvo la repercusión comunicacional que merecíamos: concursamos dos etapas de proyectos grupales o individuales hacia la producción en barrios. Concursamos todo, y el volumen que se puso en subsidios entre las bibliotecas populares, el presupuesto participativo y los concursos nuestros, llegó a los 600 mil pesos. Si se suman los 300 mil pesos que se invirtieron en la Biblioteca del Bicentenario (entre el concurso y la puesta en escena del proyecto) realmente es un volumen de concurso y participación elevado. Creo que también el proyecto tiene que ver con sumar estas definiciones para generar un concepto de gestión. Apostamos a eso.

En el transcurso de 2011, en el cine público El Cairo tendrá lugar el estreno de una docena de largometrajes de realizadores fundamentalmente rosarinos y santafesinos. Respaldados por el programa de subsidios impulsado por el Ministerio de Innovación y Cultura, esos proyectos son apenas una parte del extenso listado de producciones que, a lo largo de este año, alimentarán el mercado cinematográfico local (ver recuadro). Y si bien la realidad del medio es más que auspiciosa, resultaría pretencioso referirse al fenómeno como al surgimiento de una industria cultural audiovisual.

Para Rubén Plataneo, director e integrante de Calanda, una de las productoras más prolíficas del medio rosarino, "salvo pocas excepciones de un par de realizadores o productoras que hace mucho tiempo que vienen trabajando como en el caso de Gustavo Postiglione o Héctor Molina, en general hemos venido trabajando con criterios que no sé si alguno se animaría a llamar industrial". En ese marco, Plataneo resaltó el incremento en la producción, donde las nuevas tecnologías disminuyeron los costos de realización. "Por otro lado agregó hubo también un soporte a nivel de fondos tanto a nivel internacional como nacional. Eso se notó mucho porque se establecieron algunas líneas para fondear proyectos que antes no existían".

Programas como Quinta Vía que el Incaa diagramó para realizaciones en soporte digital, o el de estímulo a la producción del Ministerio de Innovación y Cultura, son algunos de los que se destacan en ese espectro. Pedro Cantini, secretario de industrias culturales del MIC, coincidió en destacar la importancia de las nuevas tecnologías, mientras que en relación al rol del Estado analizó: "Es muy difícil imaginar la posibilidad de desarrollo de estos sectores, no solamente el audiovisual sino todos los que acostumbramos a englobar en el concepto de industrias culturales, sin una participación del Estado en el diseño de políticas orientadas al desarrollo de esos sectores. La producción audiovisual nos interesa en su aspecto industrial, pero también como fuerte productor de bienes simbólicos, en términos estrictamente culturales. Creo que se puede hablar de un desarrollo del sector audiovisual, y me inclino a pensar en el sector como un conjunto de productores, realizadores y técnicos que producen bienes simbólicos en un medio determinado, vinculados y surgidos de ese medio. En cuanto a lo audiovisual, más allá de lo estrictamente cinematográfico, como sector económico, se puede desarrollar a nivel local. Y muy especialmente en Rosario, una ciudad que ha ido sumando masa crítica para que eso ocurra. Un sector que actualmente está constituido por gente que, en términos económicos, trabaja de manera industrial, que obtiene su medio de vida de esa actividad. Y de mucha gente que realiza esas tareas en otras condiciones, por lo tanto hay que poner un tamiz al aspecto industrial de la actividad".

Pensada desde ese lugar, la constitución de una auténtica industria cinematográfica debería estar dada por la profesionalización de realizadores, guionistas, técnicos y, claro, actores. Así lo entiende Postiglione, que remarcó: "Creo que en Rosario y Santa Fe, fundamentalmente a partir de las escuelas de cine y carreras afines, se ha creado un espacio que tiende a que haya mucha gente capacitada para producir o que está produciendo. Gran parte de la formación se da en el ámbito académico y gran parte en el de la producción misma. En este punto quizás es donde haya que hacer más hincapié. En Rosario se ha desarrollado un pequeño polo productor, pero hablar de industria significaría que haya fuentes de trabajo permanente, donde haya gente que permanentemente vive de esto. Eso todavía no se generó. Hacen falta políticas desde lo público y privado. Porque, por ejemplo, en los canales de televisión de Rosario no se produce ficción. La televisión rosarina jamás se ha interesado en producir ficciones".

A punto de participar de la muestra oficial del festival internacional de Rotterdam con su cortometraje Los teleféricos (obra premiada por el Incaa y por el programa de estímulo a la producción del Ministerio de Innovación), Federico Actis consideró que el apoyo del Estado puede generar el acercamiento de fondos privados, fundamentalmente desde la posibilidad de generar públicos afines a consumir producciones de calidad. "Los sectores privados se van a acercar si los aportes del Estado generan públicos que consuman esas producciones apuntó . Si no hay un público que se sienta atraído por las producciones que se están haciendo, que tenga la sensibilidad, pueda entenderlas, divertirse, llorar o pensar con esas producciones, los privados no se van a acercar. Por eso me parece interesante que el Estado intente apoyar producciones de calidad. Un ejemplo es Encuentro, que ha sabido ganarse un público, han logrado que haya un montón de gente que quiere ver esa programación. No alcanza sólo con que se hagan buenas películas, sino con una oferta sostenida para generar esa demanda".

Creador activo ya en tiempos en los que la tecnología todavía no permitía reducir los costos de producción, el director Mario Piazza tiene su mirada personal respecto a la posibilidad de pensar en una industria cinematográfica: "En lo personal no comulgo con la palabra industria. No quiere eso decir que no reconozca por ejemplo la magnífica labor de la Secretaría de Producción e Industrias Culturales de la Provincia en la promoción de nuestro cine, en defensa de la posibilidad de hacer cine desde el propio lugar. Si se le llama industria a un estado de condiciones por las cuales quien quiere llevar adelante su proyecto audiovisual puede encontrarlo posible y viable sin morir en el intento, es decir tener después la posibilidad de persistir e iniciar un nuevo proyecto, entonces, ok, estoy con la industria, aunque no me guste la palabra, como tampoco me simpatiza del todo la palabra profesional por el costado desapasionado y materialista que implica".

Por fuera del respaldo estatal, la búsqueda de fondos para la realización es fértil en el exterior, e implica también una cierta profesionalización. Plataneo, ya un especialista en el desarrollo de proyectos con los que ha cosechado numerosos premios a nivel nacional e internacional, explicó: "Hay muchos amigos y realizadores que tienen muchísimas ideas y pasión por sus trabajos, pero desconocimiento respecto a las condiciones de lo que se llama el mercado. Tiene que ver con confrontar con productores, con fondos que tienen determinadas condiciones para que los proyectos puedan entrar. Entonces hay que saber elaborar tanto un guión como un presupuesto. Eso requiere de experiencia".

En los últimos años, la producción audiovisual mostró en Rosario un crecimiento en el orden cuantitativo como, también, en relación a la calidad de las propuestas. Desde la labor de núcleos de producción profesionalizados hasta la participación de aquellos que entienden a la independencia como una elección ética (y estética), el mercado audiovisual de la ciudad se encontró con nuevas posibilidad de financiación, producción y exhibición. Enriqueciéndose, siempre, por la capacidad de sus recursos humanos, esos que se beneficiarán con la profesionalización del área, y que continuarán alimentando la producción aun cuando las luminarias jamás lleguen a encandilar con el brillo metálico de Hollywood.

Una vez más, Andrea Fiorino colaborará para que la agenda cultural de la ciudad no se desvanezca en los meses de verano. Mañana, a las 19.30, la actriz reunirá entonces algunos de sus monólogos para ofrecer un espectáculo en el patio abierto de Baraka (Callao 120 bis), donde continuará con funciones hasta fin de febrero. Así lo anticipó Fiorino en su diálogo con Rosario/12, en el que profundizó además en torno al rol que cumplen (o, mejor dicho, deberían cumplir) los medios de comunicación locales, como así también sobre el comportamiento del público rosarino.

"La idea es utilizar ese espacio al aire libre que tiene Baraka, con árboles, y armamos algo como para que la gente a la tardecita se tome una cerveza y pueda comer una picada, mientras escucha monólogos surtidos --explicó Fiorino--. La idea era ofrecerle a la gente distintas cosas para comer y escuchar, algo que surgió a partir de la demanda del público, que me pedían algunos monólogos puntuales. En función de éso hago parte de mi último espectáculo, Para la cartera de la dama y el bolsillo del caballero, aquel stand up que hice hasta el 2009, y en el medio inserté otros dos personajes que eran de Pequeñas terapias ilustradas".

En ese marco, la experiencia de actuar en el verano rosarino no es nueva para la actriz y directora, que desde hace más de una década ha generado distintas propuestas en los escenarios de la ciudad. Sin embargo, y consultada sobre la posibilidad de desterrar esa visión instalada que denuncia un letargo cultural veraniego, la actriz amplía el análisis: "En el 97 fue novedoso que con Andrés Leyton, un titiritero chileno que vivió muchos años acá y ahora está en España, decidimos hacer el verano en el bar La Muestra. Después, y salvo algunos veranos en los que fui a Mar del Plata, siempre trabajé en Rosario. Pero no sé si la demanda aumentó, porque creo que en general con el tema del espectáculo local en los últimos tres años el público disminuyó. Hasta hace tres años se venía gestando algo, pero creo que lo de la Gripe A terminó de aniquilar esa historia. Yo estaba en la Mateo Booz y fue llamativo cómo la gente, aun después de pasada esa paranoia, dejó de ir a los espectáculos".

"De hecho, ya no hay tantos bares con espectáculos como había hasta el 2006, 2007 --amplió Fiorino--. Lo digo con dolor, pero de hecho hace un año y medio, casi dos, que hago cosas esporádicas en Rosario, porque es muchísimo esfuerzo hacer que la gente se entere que uno está en la ciudad y que puede ir a ver los espectáculos. Entonces lo de los veranos es una opción, porque la gente sale más, el que no se fue de vacaciones se da el gusto, siempre como un pequeño lujo. Todavía no está instalada la idea de decir: `A ver qué vamos a ver hoy`. Uno siempre sigue intentando, como artista, ir al lugar donde está el público, pero no porque el público no se acerque, sino porque no se enteran. Hay muchos medios, al menos los más masivos, que no están abiertos a transmitir esa información".

- Pensando además en el accionar del público, la gente va buscando nuevas paranoias: si no se trata de la Gripe A, será entonces la inseguridad...

- Exactamente, y si no tiene que ver con que no consigue taxi. Que son cosas reales, que a mí también me pasan, pero creo que si se instalara otra situación, de ver más para adentro, de ver más espectáculos de Rosario... Pero reitero: no es culpa del público, porque ha demostrado que cuando se entera de algo va a verlo, acepta y agradece al artista rosarino. El tema es que nadie da una mano. No quiero entrar en polémica, pero es verdad, entonces el verano por ahí aparece como una buena opción, porque además la mayoría de los espectáculos de Buenos Aires están en temporada, entonces no hay nada acá para ver. Con Juan Pablo Geretto hace dos veranos hicimos teatro en la Mateo Booz, él en un horario, yo en el siguiente, y se llenaban las dos cosas. No sé ahora cómo funcionaría éso. Pero siempre es una buena opción trabajar en verano.

- Durante algún tiempo tuvo una participación activa en medios radiales y televisivos de la ciudad, como actriz y conductora. Su última aparición tuvo lugar hace ya algunos años. ¿Su alejamiento tuvo que ver con alguna circunstancia particular o con un cansancio general respecto al medio mismo?

- Tiene que ver con esto último. A ver, yo no me quejo por mí. Quizás por el hecho de haber trabajado en las AM más escuchadas, o en los canales, la verdad es que siempre los periodistas me hacen notas, me escuchan y comunican lo que necesito decir. Pero digo ésto por el resto de los compañeros. La sensación es que uno, en lugar de trabajar, va remando y luchando contra la corriente. Por éso digo lo de la Gripe A, como una marca, porque me acuerdo que en la televisión o algunos diarios comentaban todo lo de la reprogramación de las funciones de los espectáculos que venían de Buenos Aires y a mí, a Silvina Santandrea, a Muchas Muchachas, nos querían ver y nadie sabía si estábamos o no, porque nadie se encargaba de transmitir esa información. Tiene que ver con cierto cansancio, con el cansancio de que ciertas instituciones instalen en Rosario esto de la mirada siempre afuera. Hace mucho tiempo que lo vengo diciendo. Espero que algún día cambie.

Para cada uno de sus integrantes, Mulas de nadie representa el grupo en el que se profundizaron sus experiencias musicales previas. Y si bien el abanico estilístico es diverso, el folclore predomina en las creaciones de una banda formada en Casilda, pero que en sus letras pinta paisajes y realidades sociales que se amplían al territorio provincial, a la política nacional e internacional; a la realidad del hombre más allá de las fronteras. Después de editar un primer disco a fines de 2008 y mientras preparan la publicación del proyecto Monteurbano (que contempla la edición de un documental, un libro y un disco), esta noche el grupo repasará su repertorio en Berlín (Pasaje Zabala 1128), en un show que dará comienzo a las 23.

Con mucho de las mixturas de rock y folclore que músicos como León Gieco, Gustavo Santaolalla y compañía han elaborado en las últimas décadas, en sus obras Mulas de nadie deja traslucir referencias a subgéneros como el metal y el reggae. Todo ello convive prolijamente, por caso, en composiciones como "El grito", mientras que en canciones como "Educaditos" se marca la postura social del grupo --"La dignidad del pueblo/, que lucha siempre unido/ ya no se puede esperar/ si no es de nosotros mismos/. Qué absurda historia,/ no se puede repetir/ educaditos sólo para reprimir/ Qué absurda historia/, no se puede repetir/ hoy entre todos escribamos otro fin"--. Concentrada en el terruño, la mirada se sostiene en otras como "Santa Fe" (reflejando un norte provincial que sigue retrocediendo luego del desmonte y la desarticulación de los ramales ferroviarios) o la chacarera "Somos más, ¿o no?".

Para el cantante y compositor Gastón Honczaruk la diversidad musical tiene sus explicaciones, como así también el acercamiento a temáticas vinculadas con lo social. "Viví hasta los 8 años en el norte de la provincia de Santa Fe. En esa época, que no había televisión donde yo vivía, se escuchaba solamente la radio. Por esa zona, El Nochero, había muchos polacos, ucranianos, entonces se escuchaba mucho chamamé, por la influencia de la polca, así que cuando llegué a la zona de Casilda ya venía con una carga folclórica. Acá empecé a escuchar otra música, y el rock fue parte de toda mi adolescencia, pero no se podía dejar de lado lo que fue mi infancia. Toda esa combinación musical se nos da para preguntarnos qué es el folclore, que es precisamente el canto del pueblo. Y el folclore de Santa Fe son justamente sus diferentes estilos", explicó la voz líder de un grupo que se completa con Teo Izaguirre (batería), Germán Lucero (bajo), Virginia San Juan (violín), Mariano Carradori y Leandro Meneghello (guitarras).

-En "Santa Fe" hacen una descripción muy puntual sobre la realidad del norte provincial. Y, en otras de sus canciones, la banda sostiene también una línea temática vinculada con lo social.

-Sí, generalmente lo que yo escribo, y la banda quiere contar, es lo que vivimos diariamente. Más allá de tocar y dedicarnos todo lo que más podemos a la música, todos tenemos un trabajo que nos permite hacer todo esto. Por mi trabajo viajo por la ruta y lo que veo todos los días lo vuelco a las canciones. Se trata de reflejar lo que uno vive cuando anda por la ruta. Recorriendo la provincia fuimos a lugares como San Javier, y nos encontramos con la realidad de los pueblos originarios. Todo eso tratamos de volcarlo en canciones, esperando que esas canciones sirvan para algo.

-¿El proyecto Monteurbano, que contempla la edición de un disco, un libro y un documental, tiene que ver con el registro de esas realidades?

-Para esta fecha generalmente vamos con la banda a Cosquín, y el año pasado nos vinimos con la sensación de que Santa Fe quizás no estaba bien representada. Entendíamos que Santa Fe tiene una riqueza folclórica cultural muy grande, pero que por ahí faltaba que eso estuviera más presente, entonces volvimos con la idea de hacer un video que recorriera la provincia. En el armado de este proyecto se fue sumando gente, un chico que hace cine, otro que sacó fotos, una chica que escribió el libro, un estudiante de antropología que nos dio una mano para buscar los puntos más estratégicos a los que teníamos que ir. Lo que tratamos de hacer con este trabajo es demostrar que en Santa Fe hay gente como Soledad Pastorutti, León Gieco, Fito Páez, Jorge Fandermole, el grupo Los Palmeras, que hay muchos grupos y artistas reconocidos, que son santafesinos, en una provincia que se caracteriza por su diversidad. Entonces salimos con un colectivo a recorrer la provincia y encontrarnos con esa diversidad. Y en cada pueblo nos fuimos encontrando con músicos, tocando con grupos que hacen cumbia, otros que hacen rock y punk (como nos pasó en Rosario tocando en el Monumento a la Bandera), con grupos que en el norte hacen chamamé, con otros que hacen tarantela. Realmente entendimos que Santa Fe es diversidad.

Con el marco propicio brindado por la nueva Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual, la creación de la Radio y Televisión Santafesina Sociedad del Estado (RTS) ya se había planteado como una de las grandes metas del gobierno socialista. En esa línea, ayer el gobernador Hermes Binner encabezó la presentación del proyecto de ley que crea la estructura jurídica para la conformación de RTS y que, ahora, buscarán sea tratado y aprobado en Diputados (durante las sesiones extraordinarias de febrero) y Senadores. "Confiamos que la Legislatura le va a dar la sanción al proyecto. Tenemos una ley nacional que lo posibilita, por lo tanto me parece que estamos en un buen camino para contar con un medio de comunicación para la provincia", expresó Binner en el acto desarrollado en el Salón Blanco de Casa de Gobierno

Además, el gobernador consideró: "Estamos cambiando a Santa Fe y el cambio en materia de comunicaciones significa que la provincia pueda ofrecer en su extenso territorio igualdad de oportunidades e inclusión para todos a partir de la información. No hay hecho más democrático en cualquier rama del conocimiento, que el conocimiento en sí, y eso es lo que tenemos que preservar: el derecho de todos los ciudadanos de conocer".

Finalizada la presentación, fue Rubén Galassi --secretario de Comunicación Social provincial que secundó a Binner junto al ministro de Gobierno y Reforma del Estado, Antonio Bonfatti-- quien reconoció a Rosario/12 que "lo que el proyecto de ley hace es dar uno de los pasos para la conformación de la estructura jurídica que lo va a regir".

"Nosotros planteamos que sea una Sociedad del Estado, con todas las obligaciones, objetivos, la estructura de dirección con directorio --agregó--. Además de otras instancias que prevé la ley, como la participación de otros poderes como la comisión de seguimiento en el ámbito legislativo o el consejo consultivo. Y también planteamos la creación de la figura del defensor del público, que está en sintonía con lo planteado a nivel nacional. Y planteamos que a ese defensor del público lo proponga la Legislatura".

El proyecto de ley --que puede ser consultado en www.santafe.gov.ar-- fue presentado en un acto que contó con la presencia de funcionarios provinciales de distintas áreas, representantes de gremios y sindicatos vinculados con la cultura y la comunicación, organizaciones no gubernamentales y radios comunitarias, entre otros. En ese sentido, y de cara al tratamiento en las Cámaras, Galassi afirmó: "Creemos que hay un consenso social muy importante y, en general, en Diputados hay un acuerdo para que esto prospere. Entendemos que el Senado debería acompañar también este proyecto, pero éso lo veremos con el correr de los días. Nosotros vamos a plantear que el proyecto de ley se trate en las extraordinarias de febrero y, en paralelo, estamos trabajando en un plan técnico que nos va a permitir tener una perspectiva de la inversión necesaria".

Más allá de que la constitución de Radio y Televisión Santafesina Sociedad del Estado está supeditada a la aprobación en ambas cámaras, las expectativas son, cuanto menos, las de poder establecer las bases necesarias para que el proyecto no sea descartado una vez culminada esta gestión. "Aspiramos a llegar al fin de nuestro mandato, si es posible, con el sistema de medios públicos funcionando. Y, sino, dejar un grado de desarrollo para que al que venga en el 2011 le resulte imposible volver atrás. Es complejo, y quiero ser realista en éso, porque la inversión es importante. No por los montos, sino por la diversidad de tecnología que hay que incorporar", indicó Galassi, quien durante la presentación expresó que el financiamiento de RTS estará dado por "los productos que genere, la venta de publicidad y, obviamente, lo fundamental para un medio público: la asignación que en cada ejercicio presupuestario haga el Poder Ejecutivo provincial".

En cuanto a la materialización de RTS --cuya conducción estará a cargo de un directorio conformado por dos miembros designados por el Poder Ejecutivo, dos por el Legislativo y un quinto integrante en representación de los trabajadores de la empresa--, en una primera etapa se iniciaría la transmisión de televisión abierta y FM. Luego deberían emplazarse los equipamientos para la emisión de frecuencia de amplitud modulada. En cuanto a los montos totales de inversión, los mismos no podrán precisarse hasta la culminación del citado informe técnico, que evaluará la instalación de equipos de transmisión medianos y pequeños en una importante cantidad de repetidoras a lo largo del territorio.

Dentro de ese marco, el secretario de Comunicación Social fue claro al asegurar que las transmisiones no se iniciarán en tanto no esté garantizada la cobertura en toda la provincia. "La ley lo plantea y nosotros queremos cumplir a rajatabla el hecho de tener las repetidoras necesarias para cubrir el territorio --distinguió--. No queremos salir, aun en una primera etapa, sólo para los grandes centros urbanos. Cuando salgamos queremos estar cubriendo todo el territorio. Porque éso no es un hecho simbólico, sino la esencia de este proyecto, poder tener un medio que llegue a toda la provincia. Entonces hasta que no estemos en condiciones de transmitir en toda la provincia no vamos a salir. Vamos a hacerlo lo más rápido posible, pero también quiero ser realista. Hacer una transmisión experimental para Santa Fe y Rosario por el sólo hecho de apurar los tiempos, desnaturalizaría la esencia del proyecto".

"Los esfuerzos hay que ponerlos en construir el medio, hacer las inversiones necesarias. Después, una vez que tengamos el medio, con los recursos técnicos y humanos que hay en Santa Fe, va a ser más fácil empezar a resolver los contenidos", remarcó además el funcionario, que reconoció la posibilidad concreta de utilizar las producciones audiovisuales que se vienen realizando desde la Secretaría de Producciones e Industrias Culturales del Ministerio de Innovación y Cultura. "El proyecto de Señal Santa Fe, que es la generación de contenidos que desarrolla el Ministerio de Innovación y Cultura y que nosotros hemos acompañado sobre todo consiguiendo las pantallas donde difundirlo, va a continuar como un proyecto autónomo", concluyó Galassi.

Dos años después de haber fundado su empresa en Colonia San Carlos, la sociedad conformada por Boero, Lupotti y Franchino instaló en Santa Fe su molino harinero. Corría 1895 y, desde entonces, la empresa se fue convirtiendo en una postal emblemática del Boulevard Gálvez. Después de sobrevivir a un incendio a principios de los 60 y a diversas reestructuraciones societarias, el Molino Franchino cerró sus puertas durante los primeros años de la década del 90. Adjudicado en remate público al Banco de Santa Fe en 1997, el edificio continuó deteriorándose, mientras muchos se ilusionaban con una recuperación que estuviera a la altura de su historia y significancia.

Luego de un extenso proceso de trabajo conjunto entre la Unidad de Proyectos Especiales del Ministerio de Obras Públicas y Vivienda y el Ministerio de Innovación y Cultura (a cargo de la planificación conceptual del espacio), el Molino reabrirá mañana sus puertas, en la inauguración de la primera etapa de conversión del molino, que funcionará ahora como Fábrica Cultural. La arquitecta Silvana Codina, una de las principales responsables de la obra junto a sus colegas Luis Lleonart y Francisco Quijano, remarcó la importancia de una recuperación que, además, brindará un merecido homenaje al arquitecto argentino Amancio Williams (ver recuadro).

"Cuando asumió esta gestión y se creó el Ministerio de Innovación y Cultura, el Molino ya era una propiedad provincial y administraciones anteriores habían vislumbrado la idea de una función cultural para el edificio, pero no estaba perfilado que fuera una fábrica cultural, ni tampoco este proyecto arquitectónico que la sustenta", explicó Codina, y agregó: "Trabajamos con un equipo muy grande de profesionales de la cultura y arquitectos que interpretábamos las necesidades que iban a ser el sostén de la fábrica cultural".

Mañana, a las 20, un espectáculo multidisciplinario acompañará a la inauguración de la primera etapa de trabajo. La compañía de danza aérea de Brenda Angiel y el grupo de percusión La bomba de tiempo serán dos de los números centrales de una propuesta que, lógicamente, se realizará con entrada gratuita y que congregará a un centenar de artistas. De esta manera, la Fábrica Cultural Molino Franchino se convertirá en realidad.

Al respecto, Codina resaltó: "El sentido de la fábrica cultural, funcionalmente, es brindarle a Santa Fe un espacio cultural que hoy no tiene, participativo, que incluye la educación formal y la no formal, que incluye a la familia y una serie de actividades donde el ciudadano se hace protagonista sin necesidad de erogación monetaria alguna".

Por último, la arquitecta distinguió los ejes sobre los cuales se planificó un proyecto que le devolverá valor al Boulevard Gálvez, y que abrirá nuevas posibilidades en lo que a producción cultural se refiere. "El edificio tiene un sentido, donde cada uno puede expresarse y crecer en vinculación con los demás, y nosotros lo materializamos a partir de tres ideas --especificó Codina--. Por un lado un rescate cultural y arquitectónico de las bóvedas cáscaras, una idea del arquitecto argentino más grande para nuestro país, que fue Amancio Williams. Otro de los pilares tiene que ver con el rescate de lo que fue un molino harinero. Ahí el edificio es el maestro, en el sentido de que la intervención arquitectónica es mínima, porque hay espacios que son mágicos: hay tolvas, entradas de luz, claroscuros, dobles y triples alturas, escaleras helicoidales, escaleras que se ensanchan y se afinan, que dan un recorrido que teatraliza mucho lo que es una función cultural que acerca la producción artística de cualquier tipo de objetos. Y, del otro lado de la calle de las bóvedas, hay un edificio prácticamente nuevo, moderno, vidriado, que refleja las bóvedas, el pasado del molino y que refleja el cielo, y donde funciona otra parte de la fábrica cultural".

A partir de su recuperación, el Molino Franchino se incorporará al sistema de parques y espacios públicos de la ciudad de Santa Fe, estableciéndose como estación para la producción cultural. En ese marco, habrá espacio para la construcción y realización de diseños y objetos en múltiples materiales. Además, se fomentará el aprendizaje en torno a la arquitectura, el urbanismo, la preservación y recuperación de patrimonio, la formación de cooperativas de diseño. Biblioteca, mediateca, una zona dedicada a las industrias culturales, y una terraza "de las artes urbanas" completan la oferta de la flamante Fábrica Cultural santafesina.

"No es utópico luchar, o trabajar, por la paz en un mundo bélico y conflictivo. Al contrario, es importante y necesario trabajar, estar convencido de todo eso". Con esa convicción, hace diez años Bernardo Conde Narváez Elía comenzó a coordinar el ciclo Arte por la Paz. En todo este tiempo la cantidad de figuras que colaboraron con el proyecto muestran un espectro amplio en cuanto a disciplinas y líneas de pensamiento: Desde Fontanarrosa hasta Pérez Esquivel, de Daniel Barenboim a León Ferrari, de Rubén Naranjo a Osvaldo Bayer, fueron muchos los que adhirieron a un espacio que mañana, a las 20, tendrá en La Sede (Entre Ríos y San Lorenzo) el último encuentro de 2010, el año en que celebró su primer década dedicada a pregonar un mensaje de paz.

"El arte y la cultura son dos lugares muy importantes para trabajar por la paz, y por muchas cosas. Mediante el compromiso en todo sentido, mediante la expresión, mediante el hacer, mediante el decir,

mediante el estar convencido de todo lo que se hace", explica Conde Narváez Elia, que luego del tiempo transcurrido sostiene sus intenciones: "Parece mentira que ya hace diez años que estamos trabajando desde este espacio, mediante el arte y la cultura, por la paz. Y sigo con la misma fuerza, energía, espíritu y ganas que el primer día. No me pesan, para nada, los diez años. Creo, al contrario, que como hay tantas cosas parahacer, aprender y cambiar, eso te da más fuerzas para seguir adelante. Y con todo, y para todos".

Para el coordinador, el esfuerzo no es individual, a pesar de que su figura es la que mantuvo vigente a un espacio que este año sostuvo sus reuniones mensuales los segundos lunes de cada mes, siempre en La Sede. "Como siempre digo yo, esas palabras tan sencillas del gran poeta español León Felipe, pero tanimportantes y necesarias hoy día: ´Voy con las riendas tensas/ como refrenando el viento/ porque no es lo más importante/ llegar rápido y solos/ sino todos juntos y a tiempo´. Y así, nunca me corté de nada, siempre compartí todo con todos, y, entre todos, hicimos este espacio, que al final hoy día es muy importante, necesario y muy reconocido", asegura.

Auspiciado entre otros por la Secretaría de Cultura municipal y la Sociedad de Escritores de la Argentina, declarado de interés por el Ministerio de Innovación Cultura provincial y el Concejo Municipal de Rosario, Arte por la Paz suma las adhesiones permanentes de los ya citados, junto a las de Carlos del Frade, Adolfo Nigro, Delia López Zamora, Teresa Parodi, Hemenegildo Sábat, Juan Gelman, Fernando Birri, Rep, Chachi Verona, Marta Minujín, Angélica Gorodischer, Iván Hernández Larguía, Reynaldo Sietecase y el sacerdote, poeta y filósofo Hugo Mujica.

"Los objetivos del ciclo fueron y, seguirán siendo cada vez más, trabajar por la paz mediante el arte y la palabra y, también, mediante la solidaridad"- distingue el coordinador. Paz tenida en cuenta no sólo como ausencia de guerra, que ya es importante, sobre todo hoy día, sino teniendo en cuenta, y para todos, los Derechos Humanos, la justicia, el trabajo, la salud, la democracia, la libertad, los derechos del niño, los derechos de la mujer, el derecho a la vivienda única, el presupuesto bélico, el racismo, el agua, el clima, los refugiados, los inmigrantes, los pueblos originarios. Los resultados, que se resaltarían por sobre algunas cosas (después de leer poesía, trabajos por la paz, exposición de obras de arte, música, videos, etc.), es también trabajar por los demás, ayudando, compartiendo, dando lo que se puede y sensibilizándose a todo. Fundamentalmente a los más humildes y carenciados".

La última reunión de su décimo aniversario, recibirá la visita de una de sus invitadas permanentes, Graciela Aletta de Sylvas, y de autores como Rafael Ielpi, Roberto Retamoso, Jorge Isaías, Eduardo D´Anna, Concepción Bertone y Sonia Scarabelli. Y, decidido a iniciar en 2011 la segunda década de actividades, Conde Narvaez Elia ya planifica la edición de un libro que recopilará el trabajo realizado en sus primeros diez años de trabajos realizados, desde el arte, por la paz.